El Niño

"El Niño"
Título Original: L'Enfant
Director: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Guión: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Elenco: Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet
Bélgica/Francia, 2005

¿Quién puede decir que sus últimas tres películas han sido postuladas a la Palma de Oro de Cannes? Sin duda que pocos. Los hermanos Dardenne han deslumbrado en los últimos años con películas poseedoras de un alto contenido argumental basadas en un rodaje simplista, pero a la vez inteligente. Luego de realizar una seguidilla de documentales a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, Jean-Pierre y Luc indagaron en lo que es el cine de ficción. Sus primeras obras no poseían el calibre y la intensidad característica de sus últimas, por lo cual no han sido catalogadas dentro de sus "mejores películas". Sin embargo, debido al aprendizaje acumulado, desde 1996 con "La Promesse" - en la que se puede ver a un quinceañero Jérémie Renier - los hermanos belgas han despegado cual rocket sin mostrar indicios de término.

No sorprendió que en 1999, con "Rosetta", obtuvieran la Palma de Oro del festival más importante del mundo. Pero lo que sí sorprende, y de buena forma, es que cada tres años filmen películas valoradas dentro del Festival de Cannes. En el 2002, "El Pianista" de Polanski le arrebató el trofeo a "El Hijo" de los hermanos Dardenne, sin embargo el año pasado nuevamente accedieron al máximo galardón con esta hermosa película que muestra las relaciones humanas de una manera extraordinaria, superando así a otros monstruos como "Flores Rotas" de Jim Jarmusch o "Caché" de Michael Haneke.

"El Niño" tiene una puesta en escena que no posee un trazado estético deslumbrante ya que la forma de sentir la película va por otro sendero. La dura realidad se debe vivir, oler y apreciar para que la intensidad propuesta traspase sin mayores vallas las vías temporales. Con planos secuenciales magníficos, los directores construyen un asiento para que el espectador esté dentro de la cinta y así, con tomas que asimilan el ojo humano y una música cargada de tensión, otorgan un realismo poco usual en las películas que marcan presencia en la cartelera.

Las actuaciones otorgan una naturalidad abismante por lo que los sentimientos que se viven dentro de la obra se asemejan sin mayores dificultades. En base a gestos, miradas, rasgos propios de los protagonistas, silencios creados en instantes claves; la línea argumental se mueve sin contratiempos proyectando la inmadurez de una juventud sin opciones que vive en un mundo complicado y a la vez egoísta. Mayor es el desafío de tener un reparto cargado de promesas jóvenes - esta es la primera película de Déborah François y de Jérémie Segard- que implica una dirección enfocada en potenciar los rasgos útiles de cada uno de manera tal que se refleje en la pantalla. Inolvidable es la escena final donde el amor de los jóvenes supera las caídas provocadas por el hecho de no encontrar otra salida luego de la cual el espectador podrá irse a su casa cargado de sentimientos encontrados y shockeado por el mundo en que vivimos.

Nota: 6,1

Trailer de "El Niño"

Sophie Scholl - La Rosa Blanca

"Sophie Scholl - La Rosa Blanca"

Título Original: Sophie Scholl - Die letzten Tage
Director: Marc Rothemund
Guión: Fred Breinersdorfer
Elenco: Julia Jentsch, Fabian Hinrichs, Gerald Alexander Held, Johanna Gastdorf
Alemania, 2005

Son pocas las ocasiones en que apreciamos la visión de los involucrados directos sobre la Segunda Guerra Mundial. Muchas veces la industria norteamericana nos bombardea con películas sobre el régimen de Hitler que, a pesar de tener en diversas oportunidades una calidad desgarradora, inevitablemente deja de lado la textura de cercanía que es necesaria para este tipo de obras. Una de las últimas películas de orígen alemán que impactó en base a este tema fue "La Caída" protagonizada por Bruno Ganz y que se posó en la cartelera de los cines nacionales el año pasado. Desde ese entonces el cine de ese país ha pasado esporádicamente por nuestras tierras otorgando sorpresas agradables como sólo el cine europeo sabe hacerlo.

"Sophie Scholl - La Rosa Blanca" cuenta la historia de una joven alemana que junto a su hermano y otros estudiantes pertenecientes al grupo "La Rosa Blanca", luchan a través de sus propios medios con el propósito de clarificar la visión del pueblo alemán para que así éstos vean sin ambigüedades lo que ocurre realmente en éste período - uno de los más oscuros de la historia mundial - y logren formar sus propias apreciaciones sin sesgamientos de ningun tipo. Con un guión potente, que a pesar de tener locaciones bastante escasas se desarrolla bajo un ritmo que mantiene al público expectante, la trama logra profundizar en temas humanos que dan la posibilidad de cuestionar las acciones que hemos cometidos nosotros mismos en nuestras vidas.

Las ideas que nos forman como personas a veces son difíciles de mantener y bajo diversas circunstancias algunos caen en el intento de no cederlas. Esta película muestra la perseverancia de un grupo humano que a pesar de su juventud y de las condiciones adversas en que se encuentran, luchan en una batalla de ideales que emociona hasta al más frío de los hombres. Inolvidable es la escena del padre que con una congoja tremenda apoya la labor de sus hijos y demuestra que a pesar de que el miedo suele detener a los más valientes, si la causa es justificada e imperecedera otorga el aliciente necesario para seguir adelante.

Las líneas del escritor - que cumple a su vez el rol de productor de la cinta - se mueven bajo una música cargada de percusión y tonos bajos que forman un aura de intriga y suspenso. Aportan a este clima algunas actuaciones formidables de personajes que poseen aquella caracterización necesaria - algunos ya habían participado en películas ligadas al tercer reich - para impactar con escenas angustiantes. Cada cual cumple un rol preciso, sin embargo la sobreactuación en algunos pasajes es bastante notoria lo que afecta en el realismo de la historia. A su vez existen personajes y escenas que quizás pudiesen haberse editado sin problemas de afectar la línea argumental. Pero estas críticas negativas no opacan la idea principal de crear conciencia en la humanidad sobre el concepto de "morir por las ideas" ya que de todas maneras el sol sigue brillando.

Nota: 5,8

Trailer de "Sophie Scholl - La Rosa Blanca"

Padre Nuestro

"Padre Nuestro"
Director: Rodrigo Sepúlveda
Guión: Rodrigo Sepúlveda
Elenco: Jaime Vadell, Luis Gnecco, Francisco Pérez-Bannen, Cecilia Roth, Amparo Noguera
Chile, 2005

Valparaíso tiene una esencia que permite impregnar de calidad las obras de diferentes directores. La ambientación de por sí entrega mucho y los planos que se pueden lograr danzan entre lo poetico y lo pintoresco. Sin embargo, son pocas las películas que logran resultados alabables ya que la base de una cinta no está sólo en su ambientación y sus puestas en escena, sino que en una historia con propósito, que logre dejar más allá que el asiento hundido del espectador que la apreció durante su muestra. "Padre Nuestro" posee imágenes que son bastante hermosas, que rescatan bellos parajes del puerto principal de Chile, con tomas de interiores que no dejan de ser creativas y artísticas, con escenas que permiten pasar desde un estado de risa a uno de pesadumbre en cosa de segundos. Pero el material que realmente vale en una obra artística no está en lo bello que otorga el momento de apreciación, sino que en lo significativo que puede ser el legado que entrega para el desarrollo humano del espectador.

Aparte de las escenas que en instantes nos transmiten a la misma situación por su alto contenido realista - la escena en el Cap Ducal es notable en su ejecución aunque la presencia de extras en ésta parece ridículo - el casting de la cinta está muy completo. Jaime Vadell se luce con su personaje de padre enfermo otorgando un equilibrio justo entre drama y comedia, Amparo Noguera no permite que sus participaciones melodramáticas lleguen a la exageración a pesar de que su personaje es un ser poco usual, Cecilia Roth es única y posee una calidad que pocas actrices tienen cumpliendo su rol sin acarrear el rótulo de estrella invitada a pesar de que ha trabajado con grandes como Aristaraín y Almodóvar. Mención especial se le entrega a la música compuesta por Angela Acuña, transportando al territorio chileno dentro de un contexto peculiar, recordando situaciones al más puro estilo de Kusturica. El resto del elenco cumple una labor digna - la participación de Arnaldo Berríos junto a Vadell nos recuerdan sus escenas en "Caliche Sangriento" del gran Helvio Soto - personificando roles que logran transmitir credibilidad y transformando así a "Padre Nuestro" en la mejor película chilena del año.

Sin embargo este título de calidad no significa mucho ya que los anteriores bodrios no compiten ni siquiera con películas de clase b. Si la gracia de "El rey de los huevones" era hacer reir, "Padre Nuestro" cumple con creces eso y supera a la película de Quercia debido a la calidad de las situaciones humorísticas. Es que Gnecco hace un papel extraordinario en ese sentido, pero se pierde cuando le toca ejecutar una escena dramática (más falsos que los lloriqueos de Luis Gnecco dicen por ahí). Si "Fuga" quería impactar al público con sus destrucciones de pianos, "Padre Nuestro" lo contrarresta con impactantes diálogos de honestidad que significan mucho más para las emociones humanas. Sin embargo, la línea de desarrollo de la obra de Rodrigo Sepúlveda tiene un quiebre profundo a partir de la mitad desde la cual no logra sobreponerse. El comienzo de la cinta posee un ritmo excepecional, pero a medida que transcurren los minutos, éste se pierde hasta caer en el letargo de un final esperado y a la vez sin esencia. Quizás la solución hubiese sido un mejor desarrollo de personajes el cual notoriamente fue dejado de lado, concetrándose sólo en la vida de Pedro - interpretado por Gnecco - y dejando a Meche (Noguera) y Roberto (Pérez-Bannen), sus otros hermanos, en un tercer plano.

Como dato aparte es importante referirse a lo que se vive en las Avant Premier. Invitado por un amigo pude apreciar la cinta con todo su equipo de trabajo. Sin embargo, es irrisorio cómo cambia tanto el estilo de algunos por el sólo hecho de haber participado en un largometraje. En estos eventos la gente se "cree el cuento" y deja atrás el esfuerzo que se ejerció para llevar a cabo la producción. En ejemplo simple, la gente trabaja durante la filmación para el cuatro muchas veces, pero en el lobby vociferan sus espectaculares sietes. Seamos auténticos. No pretendamos ser lo que no somos... ¿Quién dijo que el ser el estereotipo es lo mejor? Personalmente prefiero ser T.

Nota: 5,3

Trailer de "Padre Nuestro"

Flores Rotas

"Flores Rotas"
Título Original: Broken Flowers

Director: Jim Jarmush
Guión: Jim Jarmush
Elenco: Bill Murray, Jeffrey Wright, Sharon Stone, Tilda Swinton, Jessica Lange, Frances Conroy, Julie Delpy
USA/France, 2005

Para que un actor demuestre todo su potencial debe participar en una película en la cual logre desplegar su talento. El director de ésta debe conocerlo y a su vez asimilar la capacidad que el actor tiene para situarlo en un personaje diseñado especialmente para él. Jim Jarmush, al igual que Sofía Coppola lo hizo con su película "Lost in Translation" (2003), acertó con escoger a Bill Murray para el papel protagónico de "Broken Flowers". Su interpretación aporta el ritmo necesario que liga el guión con el compás de la historia entregando a través de su inexpresividad toda la expresividad necesaria abocada al contexto. Este actor nacido en Illinois ha logrado consagrarse en los últimos años como uno de excelencia, a pesar de tener un pasado que no le aporta en demasía a su currículum. Para comparar, a Murray le ocurre lo contrario que a Robert de Niro. El primero, en su adultez, escoge cintas con un gran peso fílmico que lo han llevado a la cima de la interpretación. En cambio de Niro, a pesar de poseer uno de los talentos más extraordinarios vistos en el celuloide, desperdicia su tiempo realizando obras sin directrices que lo llevan a la perdición. La clave está en escoger proyectos donde la capacidad se maximice, donde las fortalezas se demuestren, donde se logre establecer la brecha entre la competencia y lo sobresaliente.

Pocas veces se saldrá disgustado de la sala de cine si se va a ver una película de Jarmush. El director tildado ícono del cine independiente, logra cautivar al espectador con películas que no se rigen bajo los cánones típicos imperantes hoy en la industria fílmica. Con cuotas de belleza por medio de la fotografía, la música, la interpretación y el ritmo, sus obras deambulan siempre entre las calificaciones más altas. ¿Quizás sea un genio? Puede ser. Pero como muchos genios, es incomprendido por una parte no despreciable de la sociedad. Al espectador que logre conectarse con las formas de expresión entregadas por este director debe sentirse orgulloso de la asimilación que posee con respecto al séptimo arte. A los que no lo logran aún... quizás sus afinidades no están por esa veta y su deber es buscar a otro director incomprendido que se acerque más a sus personalidades.

"Flores Rotas" se basa en una idea general que no es para nada original. La soledad es magnificada por la rutina en que vive Don, el personaje de Murray, hasta que se presenta un hecho que es el motor de partida para la idea de Jarmush. Sin embargo, las emociones vividas en el transcurso de la película logran atravesar la pantalla y por medio de los ritmos, las secuencias y los vaivenes que posee el guión, llegan al espectador hasta que éste se siente parte de la trama. La música que caracterizan las películas de Jarmush, aporta un dinamismo que cumple el rol de despertador ante la pesada e incómoda situación que vive el Don Juan - de aquí el hecho que se llame Don Johnston - caracterizado por Murray. Valorables son las interpretaciones de cada personaje donde, aparte de la maestría impuesta por Bill, destaca Jeffrey Wright quien impregna el humor astuto a lo largo de la historia. Y esto es bastante rescatable: la película logra tener cualidades profundas, al borde de la filosofía, sin perder esa pizca de comedia necesaria para pasar un momento agradable frente a la pantalla.

Se debe aprovechar la ocasión de desprestigiar a los sobrevalorados Academy Awards u Oscars. La sociedad debe estar al tanto que existen otros premios y con una calidad inmensamente superior. La Palma de Cannes, el León de Venecia y el Oso de Berlín son referentes de los premios que deberían importar. El cine no gira en torno a Estados Unidos. ¿Dónde dejamos a India, el país que produce mayor cantidad de films en el mundo? Hitchcock no recibió nunca un Oscar ni tampoco lo ha recibido Scorsese. ¿Acaso son malos directores? Jarmusch tampoco ha recibido uno. ¡Ni siquiera ha sido nominado! ¿Y en Cannes? Aquí le ha ido mejor. Valorado en siete oportunidades.

Nota: 5,8

Trailer de "Flores Rotas"

Match Point

"Match Point"
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Elenco: Jonathan Rhys Meyers, Scarlett Johansson, Matthew Goode, Emily Mortimer, Brian Cox
United Kingdom/USA, 2005

En el cine existen pocos directores que logran realizar de manera agradable películas de géneros diferentes, ejemplificando así el poderío y la calidad que poseen para retratar situaciones opuestas. Woody Allen es uno de ellos, otorgando con "Match Point" una clase de perspectiva y genialidad creativa desde un ángulo opuesto a su trayectoria debido a su pasado cargado de humor y sarcasmo. Sin embargo, Allen sigue en el rumbo de presentar una historia novedosa, desarrollada bajo el sello de un maestro del séptimo arte, pero cambiando características del modo de ver la vida trasladándose incluso desde el hogar que por años ambientó sus obras - su natal New York - a una Inglaterra que le cruza vallas a las que el director de "Manhattan" (1979) debió hacerles el quite.

El clima británico posee una gran ventaja en comparación con el neoyorquino, debido a que las nubes favorecen la iluminación cromática especial exigida para las cintas de Allen. Es quizás esta una de las causas que motivó al director de setenta años para trasladarse por primera vez a filmar una película íntegramente fuera de su país. Acostumbrado a trabajar con personas coterráneas en sus proyectos - salvo por la utilización de actores británicos en diversas ocasiones debido a su gusto por el acento característico - el director de mirada cansada y aspecto particular se tuvo que adecuar a un nuevo grupo eligiendo con pinzas las piezas que conformarían su futura realización. Desde "Small Time Crooks" (2000) que trabajaba constantemente con la productora Letty Aronson y con la editora Alisa Lepselter, ambas pertenecientes al selecto grupo de neoyorquinos que viajaron a Londres a realizar "Match Point". Sin embargo, a pesar de tener el desafío mayúsculo de dirigir a un grupo humano con el cual no había tenido contacto, la elección de su staff rindió frutos. Fue un trabajo arduo de elección, pero en ciertos cargos tuvo la suerte de obtener lo que necesitaba. Ejemplo de esto es Remi Adefarasin, el fotógrafo de la cinta, quien poseía como carta de presentación el rol cumplido en "Elizabeth"(1998) donde fue nominado al Oscar. Además, el otrora asesino de Michael Collins, Jonathan Rhys Meyers, encantó a Allen en tal magnitud que éste llegó a pensar que el papel de Chris Wilton fue pensado para él. Y así el equipo se conformó por personas dibujadas para cada rol que, como si fueran una gran orquesta, ejecutaron una obra digna de apreciar.

Sin embargo, "Match Point" no logra tener el status de imperdible. Basándose en la creatividad y recurriendo al aumento de intensidad a lo largo de la historia - para luego colapsar como si se estuviera inflando un globo hasta su máxima expresión -, el director de clásicos anteojos nos propone una trama que se centra en temas ligados al materialismo, la obsesión, la ambición y el ascenso fácil en sociedad, formando una historia bastante novedosa, pero con un tono que le quita el peso de ser trascendental. La puesta en escena cercana a la tragedia sin dejar de lado aspectos irrisorios, le quita la brillantez que pudiese exigir una obra con situaciones tan fuertes como las mostradas, con valores humanos que son tomados con ligereza planteando así una historia que quedará por poco tiempo en las retinas de los espectadores logrando entusiasmar a sólo unos pocos.

No recordaremos a ésta película como la mejor de Woody Allen, pero sí la situaremos como trascendental en la filmografía del director neoyorquino por los desafíos que tomó para llevarla a cabo. Con un guión bastante sombrío, que contrasta con sus otras películas, se crea el punto de inflexión que quizás nos lleve a una nueva etapa en la vida del catorce veces nominado al Oscar. Sin embargo debemos tener en cuenta que cada vez que se rompe la rutina se sacan cosas provechosas. Y con las técnicas utilizadas por este director - que, por ejemplo, no utiliza una pantalla de video para ver lo que se filma ya que según él esto engaña - quizás podamos notar cosas que con ningún otro director logremos apreciar.

Nota: 5,6

Escena de "Match Point"

El Jardinero Fiel

"El Jardinero Fiel"
Título Original: The Constant Gardener
Director: Fernando Meirelles
Guión: Jeffrey Caine y John le Carré
Elenco: Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Hubert Koundé, Danny Huston
Alemania/Inglaterra, 2005

No es raro que el justiciero Michael Moore centre su mira en la industria farmacéutica para su próximo documental "Sicko" debido a que la Gran Farmacia está inmiscuida en un área que, como muchas otras, está poseída por la ambición dejando de lado la causa humanitaria succionando las vidas de los habitantes de nuestro planeta. Pero antes de Moore, el escritor británico John le Carré escribió la novela "The Constant Gardener" donde se toca el tema acerca de las calamidades de la farmacia por evitar detener las mortales enfermedades de los países del Tercer Mundo permitiendo así que miles de seres humanos sucumban sin remedios ante la mirada impotente de los que no tenemos el poder. Sin ir más lejos, en mi querido Chile, a las propias farmacias no se les regula al suponer que está presente una economía competitiva de autoregulación. ¿Pero que tan cierto es esto? Hagan la prueba ustedes mismos. Vayan a la farmacia de un hospital, pregunten por un producto y compárenlo con el expuesto en una farmacia tradicional. Existen diferencias de hasta el 500%. ¿Hasta que medida está permitido jugar con la salud de los seres humanos?

El productor inglés Simon Channing-Williams, mismo productor de "Vera Drake", le confió el ambicioso proyecto sobre el libro de le Carré al director brasileño Fernando Meirelles quien con su trabajo anterior denominado "Ciudad de Dios" acaparó las miradas del mundo entero sobre su particular crítica hacia la vida de las favelas brasileñas. En este nuevo proyecto, Meirelles poseía ya la experiencia al tener un tema relacionado con la explotación de grupos sociales poco privilegiados por lo que su trabajo sería más acomodado. Sin embargo, la idea no sería concentrada sólo en esto, sino también en la historia de una pareja que deambula a lo largo de la cinta transformándose en la columna vertebral del resto de la trama.

Es quizás éste el pecado cometido: permitir que el espectador se concentre en la historia romántica dejando en segundo plano la fuerte crítica apuntada hacia la industria farmacéutica. La obra del políticamente comprometido John le Carré - gran crítico de la guerra de Irak - presenta una propuesta que no puede ser relegada a planos inferiores. A pesar de ser el motor que mueve al paciente personaje interpretado por Ralph Fiennes, la historia amorosa entre Justin y Tessa logra llevar la batuta de la obra otorgándole más importancia a los cambios experimentados en la relación de ambos.

Pero la cinta contiene un desarrollo de personajes extraordinario. A pesar de tener una trama bastante sofisticada y comenzar con un diseño de personajes al parecer abocetado, en la historia ocurren acontecimientos que van girando la historia de tal manera que la expresividad de los actores se hace primordial. El paralelo que existe entre la mujer interpretada por Rachel Weisz - que le valió el premio Oscar - y su marido, es la esencia de la cinta. Por un lado se muestra a una mujer independiente, impulsiva, involucrada en causas humanitarias; contraponiéndose con el retrato de un hombre pasivo, pensativo, admirador de las circunstancias, que a lo largo de la historia, a pesar de estar en situaciones tremendamente difíciles, nunca llega a ser violento.

Pero el carisma otorgado por el director es un aspecto que no se puede dejar de valorar. Al igual que en "Ciudad de Dios", Meirelles ocupa el recurso de usar una cámara manual para impregnar un aire de documentalismo, internándose en áreas pocas veces vistas en la pantalla grande, transmitiendo una realidad más creíble sobre la vida que vive el pueblo africano impulsado siempre por su firme vocación denunciante. Con una calidad fotográfica de alto nivel expresando la belleza del territorio y un trabajo de edición notable que no dificultó la continuidad de la obra a pesar de recurrir en innumerables ocasiones al uso del flash back, "El Jardinero Fiel" logra salir a flote a pesar de no darle la importancia que en verdad merece el tema de la Gran Farmacia.

Nota: 5,6

Escena de "El Jardinero Fiel"

V for Vendetta

"V for Vendetta"
Director: James McTeigue
Guión: Andy Wachowski y Larry Wachowski
Elenco: Natalie Portman, Hugo Weaving, Stephen Rea, Stephen Fry, John Hurt
USA, 2005

¿Cuántas veces nos hemos dado cuenta que la visión estaba errada? ¿Cuántas veces hemos creído que las coincidencias existen y que no son una mera ilusión? Los hermanos Wachowski nuevamente sorprenden. La capacidad imaginativa que han demostrado en su corta trayectoria cinematográfica no ha presentado límites. Y es que este último guión basado en una historieta de DC Comics, en que asignaron el rol de dirigirlo al asistente de dirección que los acompañó en la trilogía "The Matrix", propone una visión absolutamente crítica sobre los procesos políticos que dominan en el planeta. Sin embargo, esta mirada puede ser activada sólo por espectadores capaces, que logren analizar el trasfondo de una película con un velo de entretención pasajera, pero con una belleza interior contenida en la creatividad de un guión poco común.

En algunas ocasiones el director de una cinta no logra ocupar el primer plano en la elaboración de ésta. En este caso ocurre que el guión abarca tanto que proyecta una sombra que logra apagar la luz irradiada por el director. James McTeigue tiene la capacidad de recrear la obra de los guionistas de manera que forma una película bastante dinámica, con actores que logran desenvolverse en sus roles, pero sin un peso artístico que logre destacar el trabajo de dirección. El valor de la cinta viene por el lado de su historia, de los diálogos que la conforman - muchos de ellos valen la pena recordar -, de la manera en que plantea cómo los sistemas dictatoriales logran cegar al pueblo, transformando a la gente en seres automáticos, incapaces de darse cuenta que son ellos los forjadores del destino común.

El poder en los medios de comunicación es un arma que permite la imposibilidad de ver lo real. Ejemplos hay muchos y en la obra se representan de una manera espectacular. ¿Qué tan distinto a lo cotidiano es lo mostrado en la obra de los hermanos Wachowski? El ser humano al tener rasgos de pasividad se debe atener a las consecuencias. Sin embargo, las consecuencias pueden ser devastadoras. La cinta invita a que seamos partícipes de nuestra propia vida. Se transforma en una máquina que propone invertir el temor del pueblo hacia el gobierno y que, por medio de frases que calan profundo, logran tocar los sentimientos del espectador.

El papel de Natalie Portman no tiene la trascendencia que se podría esperar. Lo mismo ocurre con Hugo Weaving, el gran Stephen Rea o el cada vez más desgastado John Hurt que realiza un papel ínfimo, pero sobresaliente. Y es que la película no va por ese lado. No tiene la intención de hacer partícipes a los actores en el proceso final. Ni tampoco a los productores, sonidistas o decoradores. A partir de una historia cargada de matices se logra sacar lo profundo: la convicción de las ideas. Este es el pilar fundamental. ¿Y por qué no llevar adelante las nuestras? Recordemos que son a prueba de balas...

Nota: 6,2

Paraíso Ahora

"Paraíso Ahora"
Título Original: Paradise Now
Director: Hany Abu-Assad
Guión: Hany Abu-Assad y Bero Beyer
Elenco: Kais Nashef, Ali Suliman, Lubna Azabal, Amer Hlehel
Israel/Francia, 2005

Una buena forma de conocer los distintos puntos de vista que poseen los rivales de los conflictos humanos, es mediante la composición artística de algún involucrado. Hany Abu-Assad, director con una corta trayectoria, pero impulsor de la divulgación de información sobre las causas de los conflictos bélicos sucedidos en Cisjordania, recrea el útlimo día que viven dos hombres antes de cumplir con la misión divina de sacrificarse por su territorio. Las últimas horas de dos amigos de la infancia que llevados por las ideas de justicia, se entregan a su destino y cumplen con la misión de golpear al enemigo.

"Paraíso Ahora" no justifica de ninguna manera lo que el pueblo Palestino realiza contra el pueblo Israelí, sino que se preocupa de mostrar las causas y el motor que incentiva a tantos kamikazes para efectuar sus acciones. El guión escrito por el mismo director de la cinta, otorga las típicas señales de esperanza en situaciones adversas que proporcionan una vía de escape ante el sofocamiento de una vida ligada al desastre. Con una caracterización notable de Kais Nashef, el que a pesar de no poseer experiencia en el área de la actuación - y bien sabemos que esto no es impedimento para realizar una obra acabada -, logra crear en su personaje un aura de soledad, fanatismo y decisión la cual concatena cada instante de la historia, desarrollando una trama argumental que logra mantenerse en pie en el transcurso de la obra.

Es particular el ambiente que transmite la cinta filmada en Nablus, la capital económica de Palestina. Permite al espectador inmiscuirse en la vida del protagonista y logra hacer contacto con su forma de razonar. Es aquí donde se llega a un laberinto sin salida que permite el desarrollo humano de un ciudadano activista en el cual la indiferencia por su entorno llega a niveles demenciales. Donde se conoce el por qué de escapar de este mundo infernal y llegar al paraíso. Pero el guionista no logra zafarse de los clásicos cánones en que sucumben muchas obras, perdiendo así la originalidad...

En el celuloide se proyecta el inicio de una relación amorosa que entrega la típica esperanza de que el protagonista encuentre la puerta hacia la felicidad. Mediante diálogos que parecen obvios, pero a los cuales se le anexan un sentido de crítica social y razonamiento puro por aquellos actos que sólo logran acrecentar las rivalidades entre ambos pueblos, se logran girar algunas direcciones permitiendo que la facilidad de convencimiento mostrado sea un atributo poco creíble por parte del espectador. Sin embargo estos problemas no logran opacar la destreza con que el director propone ilustrar la realidad de este conflicto. Y es que mediante imágenes de diversa tensión y originalidad - como la escena final -, con un acercamiento religioso que demuestra claramente en alguna de sus tomas, permiten a "Paraíso Ahora" asignarla dentro de una calificación valorable.

Nota: 6,1

La Marcha de los Pingüinos

“La Marcha de los Pingüinos”
Título Original: La Marche de l’Empereur
Director: Luc Jacquet
Guión: Luc Jacquet y Michel Fessler
Productor: Yves Darondeau y Jean-Christophe Barret
Editor: Sabine Emiliani
Francia, 2005

Hoy en día son pocas las películas que logran conmover a un público masivo al mismo tiempo en que aportan un grano de arena para que cada persona razone sobre sus propios actos terrenales. Difícil es llegar a tener esta cualidad, sin embargo aún es más difícil para una cinta francesa entrar al mercado norteamericano y poseer un éxito de taquilla incluso superior a monstruos como “Amelie” o “The Fifth Element”. El documental de Luc Jacquet posee estos atributos, mostrando el proceso de supervivencia de uno de los animales más extraordinarios sobre la faz de la tierra: el pingüino emperador.

El director, junto a cuatro personas del equipo de filmación, permanecieron durante catorce meses en la antártica captando imágenes sobre este asombroso animal y logrando desarrollar una historia tan increíble que cada asistente a la muestra termina maravillado por las bondades que otorga la naturaleza y que lamentablemente en la especie humana cada día se van desgastando. Con un amor incondicional el pingüino emperador marcha derribando un sin número de obstáculos con el fin de procrear vida, hacer el bien, cumplir con los objetivos que se impone, ayudado por su única pareja - repito... única - y en conjunto se complementan de tal forma que logran soslayar las barreras más espeluznantes impuestas por el ecosistema.

La cinta de origen francés posee una fotografía espectacular, imágenes aéreas y submarinas que demuestran la complejidad de la vida existente en la antártica, escenas con un dramatismo propio de lo extremo y con un sonido que traslada al público al clima inhóspito del fin del mundo. Sin embargo, el poderío está en la historia, la que permite establecer la diferencia entre estar presenciando una obra de arte y un programa de Discovery Channel. Es éste el pilar fundamental transformando así a "La Marcha de los Pingüinos" en un documental con un impermeable hacia las críticas negativas. Aunque la versión doblada al español es lo peor que pudiese existir. Con vocecitas que manchan la belleza del ambiente, trastornan un poco el concepto y tienden a ridiculizar el dramatismo y dedicación mostrado. Quizás la opción adoptada por los norteamericanos hubiese sido lo mejor: incluir una voz en off - la de Morgan Freeman - que relatase lo ocurrido... aunque quizás de esa forma hubiesemos vuelto al formato Discovery... aunque la calidad del film no le hubiese permitido caer en esa calificación.

La película muestra un aspecto tan importante que el ser humano debería razonar. Muestra el valor de la vida y el propósito de lucha que uno debe tener ante los obstáculos que surgen. Mediante impactantes imágenes del proceso de supervivencia de un animal con características tan especiales como el pingüino, nos propone una mirada distinta respecto a nuestras propias vidas. Al fin y al cabo ambos somos seres vivientes, con objetivos y deseos por cumplir. ¿Las dificultades que se cruzan en el camino de nuestras vidas son difíciles de evadir? ¿Los problemas que se nos presentan día a día son tan complicados de solucionar? Quizás debamos preguntarle al emperador...

Nota: 6,0

Capote

"Capote"
Director: Bennett Miller
Guión: Dan Futterman y Gerald Clarke
Elenco: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Clifton Collins Jr., Chris Cooper
Canada/USA, 2005

Cuando se recuerde a Philip Seymour Hoffman en el futuro, seguramente la imagen recurrente que aparecerá en las cabezas de los entendidos será personificando a Capote en la cinta del mismo nombre dado que su trabajo es increible. La película gira en torno a la actuación abismante de Hoffman - actor de otras cintas de renombre como "Magnolia" (1999) y "Almost Famous" (2000) - logrando nublar las posibles fallas dramáticas que tiene el resto de la obra debido a que la visión crítica queda embelesada con su rol.

El director Bennett Miller se arriesga con este largometraje basado en un libro de Gerald Clarke en donde se narra la experiencia vivida por Truman Capote en el momento en que descubre la historia con que se convertirá en una leyenda de la literatura norteamericana del siglo XX llamada posteriormente "In Cold Blood". Miller, con nula experiencia en ficción - su único trabajo había sido un documental denominado "The Cruise" (1998) -, deposita la confianza en Dan Futterman, otro novato en el tema, con quien compartió roles en el crew de su documental y que ahora cumpliría quizás el papel más importante de su vida siendo el encargado de hacer el guión adaptado de "Capote".

Los trabajos de cada uno son realzados por la calidad de actuación desplegada por Hoffman siendo ellos parte del logro. Si el guión tiene el carácter tal que el actor sea capaz de adaptarse a él, es la capacidad del guionista la que se destaca. El mismo caso para el rol del director, ya que es él el que guía hacia una buena personificación del hombre encargado del personaje. Sin embargo, las cualidades desplegadas por Miller y Futterman se ven estancadas y no demuestran un gran poderío en las otras áreas de interés transformando a "Capote" en una película con una dinámica que a veces juega con la somnolencia abusando con los tiempos pausados.

Es tanto el poderío de Philip Seymour Hoffman que el resto del elenco queda en la oscuridad. Catherine Keener, a quien la recordamos por su papel en "Being John Malkovich" (1999), queda apartada y su rol es sólo una mínima parte de lo que logra expresar el actor que personifica a Truman Capote. Sin embargo, su participación, como la del resto del elenco, es un aporte para que la armonía de las relaciones interpersonales propias de la época en la cual se desarrolla la cinta sean de una calidad y una credibilidad valorable.

"Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio." dijo alguna vez el escritor norteamericano quien murió por sobredosis en 1984. Hoffman demuestra explicitamente las 2 últimas, mostrando las primeras de una forma solapada para no desviar la intención propia de la película que es mostrar a un escritor convencido de que no había nada innovador en la literatura desde 1920 y que creía que el periodismo podía constituir una opción válida como forma literaria. Es a partir de esto que lo ocurrido en 1959, en Holcomb, un pequeño pueblo de Kansas, significará el despegue para el escritor que en ese momento trabajaba para The New Yorker y que luego se transformaría en el creador de una de las obras más importantes de la literatura del país de Faulkner y Hemingway.

"In Cold Blood" perteneció al selecto grupo de novelas que fueron proyectadas en el cine - otra fue "Breakfast at Tiffany's" que en 1961 fue dirigida por Blake Edwards - dado que la relación de Capote con el séptimo arte era bien estrecha. En 1953 trabajó con Vittorio De Sica - "Ladri di biciclette" (1948) - en "Stazione Termini" y ese mismo año escribió el guión de "Beat the Devil" la que dirigió John Huston y protagonizó Humphrey Bogart, ambos nombrados en la película de Bennett Miller. Y es que el trabajo realizado por el equipo de "Capote" logra crear una historia con datos interesantes para los que están dispuestos a adoptarlos, con datos exclusivos para los que conocen la historia de "In Cold Blood" y con datos anecdóticos sobre la vida del gran escritor norteamericano que pueden ser el arma con la cual se logre combatir a la poca intensidad entregada y a la línea de desarrollo horizontal incapaz de mover músculos a lo largo de la cinta.

Nota: 5,6

Brokeback Mountain

"Brokeback Mountain"
Director: Ang Lee
Guión: Larry McMurtry y E. Annie Proulx
Elenco: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams, Anne Hathaway, Randy Quaid
USA, 2005

Revuelo causó "Brokeback Mountain" en la audiencia mundial creando un gran asombro ha medida que se proyectaba en las salas y elevando así las expectativas a un nivel superlativo en la sociedad cinéfila. Es que el tema de la homosexualidad agita a las mentes débiles y las descoloca, debido a que estas están acostumbradas a presenciar cintas esquivas a esta situación que cada vez toma más peso en nuestra sociedad. Es común sentir que los espectadores se impactan en escenas tan simples como el beso entre dos hombres, lo cual ha sido aprovechado por los realizadores tomándolo como un gancho perfecto para tener el sello de rompe cánones el cual verdaderamente nunca ha existido. Sin embargo, como siempre he promulgado, es mejor ver una cinta sin expectativas para que ésta tenga una mayor posibilidad de llenarlas.

Ang Lee ha demostrado ser un director versátil. Ha realizado películas en la industria norteamericana tan diferentes como "Sense and Sensibility" (1995) y "Hulk" (2003), aunque la atención mayor se la llevó el año 2000 cuando, contagiado por su origen oriental, presentó una obra sin precedentes llamada "Wo hu cang long" (2000), más conocida como "El Tigre y el Dragon". Con poca trayectoria en el área, a mediados de los noventa, se hizo cargo de proyectos bastante ambiciosos, con elencos taquilleros, los cuales llevó a cabo sin mucha pomposidad. Como muchos otros directores, ha medida que el tiempo avanzó, Lee se desvió del tema "cine con contenido" para caer en el "cine pop-corn", sin embargo tuvo la sabiduría necesaria para retomar la senda perdida y crear esta cinta basada en el escrito de E. Annie Proulx denominada "Brokeback Mountain".

El talento latino se hizo presente en esta obra del director nacido en Taiwán. Con una fotografía espectacular del mexicano Rodrigo Prieto que muestra las bondades de la naturaleza con unas tomas aereas que en la pantalla grande te dejan ensimismado y con una música sobresaliente del mismo compositor que se encargó de la magistral banda sonora de "Diarios de Motocicleta" (2004), el conocido argentino Gustavo Santaolalla - ambos compartieron el crew en "Amores Perros" (2000) y "21 Grams" (2003) - la película logra sostenerse y logra ser rescatable ya que en materia de guión no deja muy satisfecho. Esto quizás haya sido influenciado inconcientemente, y lo reitero, por la inmensa expectativa que se fue formando sobre "Brokeback Mountain"... Quizás la vara impuesta haya sido demasiado alta. Sin embargo, tratando de ser lo más objetivo posible, la cinta no logra alcanzar los patrones de ser una obra digna de aplaudir.

El trabajo de actuación tiene un punto aparte. Ocasionalmente el público mundial cae rendido ante los actores que personifican a homosexuales. Y en este caso particular Heath Ledger - "The Patriot" (2000), "Monster's Ball" (2001) y "The Brothers Grimm" (2005) del aclamado director Terry Gilliam - tiene a una serie de adeptos que le besan los pies. Lo mismo ocurre con su co-protagonista Jake Gyllenhaal - "The Day After Tomorrow" (2004) del mismo director de "The Patriot" Roland Emmerich - quien la crítica lo alabó públicamente. Sin embargo el segundo de los nombrados corre con ventaja en la calidad de la actuación. Aunque las participaciones de ambos son muy parejas y personalmente me inclino más por el papel que desempeña Ledger, Gyllenhaal ya tiene un papel en la nueva cinta de David Fincher, el mismo director de magistrales películas como "Se7en" (1995) y "Fight Club" (1999), llamada "Zodiac" que está siendo filmada durante este año.

Pocos le dan crédito a Michelle Williams quien realiza el mejor trabajo interpretativo de la cinta a pesar de que aparece en escena en sólo unas cuantas tomas. Muy pocas veces ocurre esto... Dejemos de lado aplaudir de manera obligada a los que interpretan roles al parecer difíciles y centrémonos en alabar a los que de verdad realizan un trabajo de actuación de peso. "Brokeback Mountain" posee algunos atributos que la hacen una película que no se puede dejar pasar, sin embargo en los atributos importantes, en los que debería predominar, no lo hace. Sus características no la logran situar en el sitial de una película sobresaliente, por lo tanto dejémonos de elevar a cintas sobre los márgenes que logran soportar ya que debido a las altas expectativas saldremos decepcionados de la sala.

Nota: 5,5

Good Night, and Good Luck.

"Good Night, and Good Luck."
Director: George Clooney
Guión: George Clooney y Grant Heslov
Elenco: David Strathairn, Robert Downey Jr., Patricia Clarkson, Jeff Daniels, George Clooney
USA, 2005

¿Cómo recrear una historia conocida para algunos y desconocida para muchos? ¿Cómo resumir un acontecer de esa naturaleza en un formato cinematográfico con tal que todo quede absolutamente claro para cualquier espectador? George Clooney muestra el ambiente de paranoia que creó la amenaza del comunismo en los comienzos de los años cincuenta y el momento en que el reportero Edward R. Murrow de la CBS desafía al senador por Wisconsin Joseph McCarthy quien era el principal promotor de los miedos difundidos. Con imágenes reales que transformaban por momentos a la película en una especie de documental, "Good Night, and Good Luck." deambula por el filo de ser una gran obra, con un gran tema para aportar; sin embargo con una trama que puede confundir a su público en más de una ocasión.

El problema radica en el poco conocimiento sobre el tema que tienen la mayoría de los espectadores extranjeros. Sobre la base de un guión lleno de personajes, con diversos diálogos que en partes pueden embobar, con discusiones que funcionan como arma de doble filo ya que por un lado entregan un ambiente próspero para el desarrollo de la obra, pero por el otro crean un aura de confusión que es perjudicial para comprender cabalmente lo que se propone en cada escena.

Hay varias teorías sobre cómo contar una historia sin que esta pierda su hilo de conducción. Muchas de ellas pueden estar equivocadas. Sin embargo la propuesta de Clooney no deja respirar al tener que procesar continuamente datos y dejando con un sabor de que lo mismo pudo haber sido entregado de otra forma ya que el tema era espectacular. ¿Este problema se lo adjudicamos a problemas de guión? Quizás no estemos acostumbrados a guiones asfixiantes al tener que soportar tanta película banal...

El guión fue escrito por don inexpertos en el tema: George Clooney - este es su primer guión cinematográfico - y Grant Heslov, quien durante su carrera ha cumplido más trabajos de actuación que de otro tipo. Heslov ha escrito sólo dos guiones en su vida para la pantalla grande: "Waiting for Woody" (1998) - la que también dirigió - y en donde compartió roles con Clooney y "Good Night, and Good Luck.". Quizás la inexperiencia de ambos se ve reflejada en esta cinta, pero son cosas difíciles de manejar ante un tema tan complejo como este. Además el aporte que hace Clooney no es menor. Esta es su segunda película y ya ha demostrado su calidad como director de cine. Su primera obra llamada "Confessions of a Dangerous Mind" (2002) nos sorprendió, sin embargo el guión era del maestro Charlie Kaufman - el mismo de otras genialidades como "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (2004), "Adaptation" (2002) y "Being John Malkovich" (1999) - por lo que el talento de Clooney pudo haber sido maquillado por él. Ahora sabemos que no fue así entregando un film con una imagen espectacular apoyado por el misticismo del blanco y negro.

El trabajo interpretativo de David Strathairn es fenomenal. Personifica a Edward R. Murrow de tal manera que nos retrocede en el tiempo sin tener conciencia de ello. Con una voz particular y diálogos de tremenda intensidad le otorga el peso necesario a una obra que tiene mucho por aportar, pero que puede asustar a más de alguno con la nueva información que aporta sobre la historia de los Estados Unidos.

Nota: 6,0

Johnny & June: Pasión y Locura

"Johnny & June: Pasión y Locura”
Título Original: Walk the Line
Director: James Mangold
Guión: Gill Dennis y James Mangold
Elenco: Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Robert Patrick y Ginnifer Goodwin
USA, 2005

El cine en diversas ocasiones se ha prestado para homenajear a personajes que han marcado hitos en la historia. “Walk the Line” gira en torno a la vida del mítico John R. Cash posibilitando que el espectador se instruya sobre la compleja historia de este músico contemporáneo a Elvis Presley proponiendo a través de su desarrollo un ejemplo de superación para las distintas personas que se pudiesen sentir identificadas con él. Johnny Cash cae en las típicas trampas que interpone la vida cuando el éxito sobrepasa los límites tolerables dejándose llevar por los excesos y convirtiendo su vida en algo que quizás pudo haber evadido. Sin embargo a su lado encuentra la mano extendida de la angelical June Carter la que, a pesar de sus problemas, le otorga la solución agregando a la historia esa pizca de esperanza necesaria y con la que ambos resultarán beneficiados.

James Mangold posee un talento especial en lo que se refiere a la dirección de actores lo cual le ha rendido frutos en sus anteriores trabajos. En 1999 con la cinta “Girl, Interrupted” Mangold cumplió una labor excepcional permitiéndole a Angelina Jolie, quien ganó el Oscar a mejor actriz secundaria por ese rol, que desplegara toda su capacidad interpretativa en el papel asignado. En este nuevo trabajo el director le asigna un inmenso desafío a los protagonistas de “Walk the Line” los cuales logran desenvolverse de una manera magnifica en sus respectivos roles destacando en demasía el poder interpretativo de cada uno a la hora de entonar las canciones de Cash y Carter siendo este uno de los puntos altos del film.

Reese Witherspoon había logrado opacar su carrera participando casi exclusivamente en películas dedicadas a la entretención pasajera. Antes de personificar a June Carter en “Walk the Line” y ponerle brillo a su currículum, Witherspoon trabajó en películas como “Legally Blonde” que sólo son recomendadas cuando la intención del espectador es la mera distracción. Es quizás su apariencia ingenua la que no le permitía cumplir un rol que lograra desplegar ese, hasta ahora, talento oculto ya que las cintas donde puso a prueba sus aptitudes no poseían un guión que permitiese resaltar su trabajo donde “Pleasantville” (1998), por su originalidad, puede ser el punto más alto de su corta, pero intensa trayectoria.

Joaquin Phoenix, por su parte, ha participado en películas donde su figura ha sobresalido teniendo una acogida más placentera entre el público. Sus aptitudes son más conocidas que las de su compañera Witherspoon, aunque en esta cinta la rubia se lleva todos los aplausos. Sin embargo el papel ejercido por Phoenix también es considerable superando con creces las personificaciones realizadas anteriormente en películas sin objetivo como las de M. Night Shyamalan's. Probablemente sea la elección de una película en que sus capacidades encajan a la perfección lo que le rinde los frutos que en estos momentos cosecha.

“Walk the Line” nos presenta el punto más alto en la carrera de Witherspoon y Phoenix logrando que la actuación de los protagonistas sea lo más destacable de esta cinta en que la enseñanza pasa a un segundo plano no logrando imponerse como se pudo haber pensado. Sin embargo algún vestigio útil queda cuando se sacan conclusiones después de abandonar la butaca y es “la esperanza” que entrega situando como ejemplo la vida del maestro Johnny Cash. Una película con una música para recordar, con actuaciones para aplaudir de pie y con una historia valorable, pero sin la esencia necesaria para ser catalogada como un film imprescindible.

Nota: 5,6

Orgullo y Prejuicio

“Orgullo y Prejuicio”
Título Original: Pride & Prejudice
Director: Joe Wright
Guión: Jane Austen y Deborah Moggach
Elenco: Keira Knightley, Matthew Macfadyen, Donald Sutherland, Brenda Blethyn, Simon Woods, Rosamund Pike y Judi Dench
United Kingdom, 2005

Basada en el libro de Jane Austen, “Orgullo y Prejuicio” logra ser una puerta hacia el pasado recreando de manera magistral la burguesía inglesa rural de fines del siglo XVIII, permitiéndole al espectador ser partícipe a través de la pantalla grande lo que solemos adquirir por medio de nuestra imaginación literaria. Hace algunos años, en 1995, otro libro de Austen fue el que sedujo a Emma Thompson para escribir y protagonizar “Sense and Sensibility” dirigida en ese entonces por el novato Ang Lee - el mismo que actualmente corre con el favoritismo para adjudicarse el Oscar con “Brokeback Mountain” - la cual tuvo una gran aceptación. Desde aquel tiempo la narrativa de la escritora inglesa cautivó a Thompson y fue factor para que Emma se hiciese conocedora de los modos y acciones que reinaban en la cultura de las distintas clases sociales presentes en aquella Inglaterra pretérita, lo que fue aprovechado por los realizadores de “Orgullo y Prejuicio” para que la actriz contribuyera en la obra de otro novato en el tema: Joe Wright.

Este primer largometraje para el cine de Wright posee antecesores en el mismo formato destacando la realización de Robert Z. Leonard quien llevó a la pantalla grande la misma obra de Jane Austen en 1940. A su vez, “Orgullo y Prejuicio” ha sido realizada en más de cinco oportunidades para la televisión por lo que quizás su originalidad no sea el fuerte que la sostiene sino la visión que nos presenta de las costumbres perdidas de la burguesía inglesa de antaño. El trabajo realizado por el equipo de arte en esta cinta es fantástico logrando transportar al espectador sin mayores dificultades, desligándonos de lo actual y situándonos en aquella época para que así podamos rescatar lo perdido y lo ganado a través de los años.

Esta sensibilidad transmitida es producto tanto de la ambientación, del desarrollo de personajes, como de la personificación que ejercen los actores. La joven actriz Keira Knightley, quien desde muy pequeña está inmiscuida en el área de la actuación por ser hija de personajes que trabajan en el rubro, no cumple el papel que se podría haber esperado de la inteligente Elizabeth faltando quizás más compromiso y entrega en la preparación aunque su carisma puede salvarla de la situación. Pero en general los jóvenes interpretes de la obra – salvo el sorprendente Matthew Macfadyen quien logra acabar de manera notable a Mr. Darcy - cumplen su papel de manera tal vez sobre actuada llegando a pensar en una caricaturización de la realidad desdibujando lo que se forma a través del relato. Sin embargo el cambio de clima en materia de calidad se produce a medida que la edad crece: Brenda Blethyn ejerce un papel impecable demostrando así su trayectoria, Donald Sutherland cumple el papel de padre de familia con una sutileza extrema y Judi Dench... Judi Dench tiene el papel perfecto para su naturaleza.

Wright, amparado por el relato de Austen, nunca se sale de contexto y logra formar una historia con la cual muchos se pueden sentir identificados aunque en su desenlace pierde la intensidad y se convierte en una película más del montón. La obra aporta una mirada hacia el tema de las normas y rutinas socialmente aceptadas, que a pesar de desarrollarse a fines del siglo XVIII, aun están presentes en la sociedad y muchas veces nos desvían de lo que realmente queremos. La cinta nos estampa un grito de alerta, una mano de ayuda para no cegarnos ante las equívocas formalidades y así jugar con el destino que nosotros queramos escoger. Los prejuicios que cubren hermosas realidades son los que nos ocultan el camino hacia la felicidad. Desliguémonos de los cánones preestablecidos y vivamos lo que queramos vivir.

Nota: 5,5

Munich

"Munich"

Director: Steven Spielberg
Guión: Tony Kushner y Eric Roth
Elenco: Eric Bana, Daniel Craig, Ciarán Hinds, Mathieu Kassovitz, Hanns Zischler, Geoffrey Rush
USA, 2005

El 2005 fue un año en que Steven Spielberg mostró sus dos facetas como creador. Por un lado cumplió uno de sus mayores anhelos al recrear lo que alguna vez Orson Welles hizo en radio denominado "War of the Worlds" desarrollando así la voluptuosidad que posee en el área del uso de los efectos especiales con el fin de dejar al público absorto sin abocarse mucho en el legado y enseñanza que pudiese dejar su creación. Sin embargo ese mismo año se preocupó de desempañar una obra que abarca más el lado humano recordándonos la época en que se lució con "Schindler's List" permitiendo que la pasión hacia el pueblo israelí tomara las riendas de un trabajo que, aunque posee falencias en su estructura, termina por dejar al espectador pensando en que nada ha cambiado.

Al parecer el director de la trilogía de "Indiana Jones" logra tocarla sensibilidad de la audiencia siempre y cuando su película se base en hechos reales. Aunque con "E.T. the Extra-Terrestrial" y quizás con "Artificial Intelligence: AI" haya logrado cautivar a parte del público con el juego de los sentimientos, el impacto mayor lo hizo en 1993 cuando con "Schindler's List" produjo un efecto de inevitable llanto entre la mayoría de sus espectadores. En el 2005 nuevamente se aventuró en la producción de una obra basada en acontecimientos de la historia mundial eligiendo a un elenco con experiencia salvo para su personaje principal el cual lo deja entrever en la cinta. Eric Bana, el que en su currículum aparecen mega producciones sin trascendencia, personifica a un hombre que lidera la misión de vengar a sus compatriotas asesinados en los Juegos Olímpicos de Munich en 1972 sin mayor brillo. En cambio Geoffrey Rush, el que ejerce un rol pequeño en comparación con el de Bana, cumple un papel aplaudible y valorable. Sin embargo la película no se sustenta en la calidad de sus actuaciones ya que no se aboca a eso. El principal tema de la película es su historia como debería ser casi siempre.

¿La lucha entre culturas no acabará nunca? ¿El poco respeto existente perdurará por siempre? La crítica que propone "Munich" es notable. Con frases y diálogos que seguramente calaran hondo en muchos espectadores, se estructura una historia que tiene un inmenso trasfondo. La historia en si posee altos y bajos, donde por momentos la brújula se extravía, pero el problema social que enfrenta el guión es interesante de analizar. Se vive en un planeta que presenta constantes conflictos entre clases y culturas, donde los enfrentamientos sirven sólo para instaurar más rencores y empeorar las relaciones humanas. ¿Cuándo acabaremos con esto? ¿Cuándo nos preocuparemos de lo que realmente importa: que todos vivamos felices y en paz?

"Munich" puede tener varias fallas que se traducen en un producto no del todo loable. Sin embargo todo puede ser suprimido por una escena final que inevitablemente el espectador con buena visión logrará captar. Una sola imagen acompañada por el sonido de un magnifico piano que logra resumir toda la película. Una sola imagen que nos permite darnos cuenta que el tiempo no ha logrado acabar con las rencillas. Aun no podemos rechazar la fórmula "se elimina una y nacen seis"...

Nota: 5,7

King Kong

"King Kong"

Director: Peter Jackson
Guión: Fran Walsh y Philippa Boyens
Elenco: Naomi Watts, Jack Black, Adrien Brody, Thomas Kretschmann, Jamie Bell
New Zealand/USA, 2005

Al parecer Fran Walsh - esposa de Jackson - y Philippa Boyens necesitan una buena base para escribir sus guiones cinematográficos. Sus trabajos previos fueron construidos sobre una de las historias más fantásticas del siglo XX y por lo tanto no iban a sucumbir si el director no hubiese realizado algo en perjuicio. "The Lord of the Rings" sirvió de carnada para situar en la mira al director neozelandés Peter Jackson y a todo su equipo, por lo que la entrega del remake de "King Kong" era esperado desde que se supo del proyecto. De manera lamentable la elaboración del guión fue nuevamente tarea del equipo de Jackson y en esta ocasión se pudo notar que Walsh y Boyens realizan un mejor trabajo cuando traspasan una idea originalmente impresa que cuando traspasan una idea previamente filmada.

Este es el primer remake - en todo su esplendor - de la original "King Kong" (1933) ya que la de 1976, dirigida por John Guillermin ("Death on the Nile"-1978) y en donde hace su primera aparición en la pantalla grande Jessica Lange, cambian hasta el nombre de los personajes. En esta ocasión Naomi Watts encarna a la bella que embelesa a la bestia. Naomi cumple un papel digno, sin mayores encantos, donde el guión le imposibilita ejercer lo que ha demostrado en películas como "Mulholland Dr." o "21 Grams". Lo mismo ocurre con Adrien Brody dejando al intérprete de Wladyslaw Szpilman en "The Pianist" un papel que le fue difícil de lograr cabalmente. Sin embargo se destaca la participación de Jack Black el que, acostumbrado a realizar papeles humorísticos, cumple el rol del director desquiciado el cual logra transmitir todos los sentimientos adversos por parte del espectador.

Hubo un tiempo en que mientras más larga era la película, mejor crítica tenía. Fue así como "Schindler's List", "Forrest Gump", "Braveheart", "The English Patient" y "Titanic" obtuvieron el ansiado Oscar en una seguidilla de años. Lamentablemente muchos realizadores compiten por ser integrante de la lista de nominados entregada por la Academia y así poder estar en la carrera por el principal galardón norteamericano, aunque este no sea el que justifique la calidad de la obra. La cinta original de "King Kong" tiene una duración cercana a los cien minutos, sin embargo Jackson juega con los tiempos de tal forma que su remake supera las tres horas de duración logrando equiparar su trilogía pasada. ¿Por qué tanto señor Jackson? ¿Quiere optar al premio por cansancio de los críticos? Con la duración de la cinta original hubiese bastado.

Lo único que vale la pena es la tecnología impuesta. Los adelantos en efectos especiales permiten realizar un gorila que demuestra sus sentimientos incluso mejor que los seres humanos. A ratos era excesiva esta demostración de poder que dejaba de lado lo "creíble" de la historia. Rescatable es la imagen del Nueva York de la época. Rescatable es la creatividad de Jackson y su equipo para lograr las escenas de lucha entre seres imaginarios en busca de su presa.

Pero esto no basta para decir que Jackson cumplió con su objetivo. Su historia no logrará lo producido por el "King Kong" original. Asombro. Incredulidad... Un quiebre en la historia del cine. Sólo recordaremos a Gollum realizando el papel de un tripulante del barco.

Nota: 4,5

Las Crónicas de Narnia: El León, la Bruja y el Ropero

"Las Crónicas de Narnia: El León, la Bruja y el Ropero"
Título Original: The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe
Director: Andrew Adamson
Guión: Ann Peacock y C.S.Lewis
Elenco: Georgie Henley, Skandar Keynes, William Moseley, Anna Popplewell
USA, 2005

En 1950 nacieron "Las Cronicas de Narnia" del pincel de Lewis. Cada año, hasta el 56, se publicó el resto de los siete libros que cautivaron al mundo infantil de la época. Pero entre los años 1954-1955 John Ronald Reuel Tolkien, quién desde 1926 tenía una estrecha amistad con Lewis debido a que cultivaban el mismo género y hasta los mismos temas, escribió "The Lord of the Rings" siendo esta la causa por la cual la amistad decayó. Los celos que sentía Lewis a causa del éxito literario de "The Lord of the Rings" frente a sus historias de Narnia lograron derribar los lazos de amistad forjados por más de veinte años. Ha pasado medio siglo desde ese entonces y ahora, en otro formato, la historia se repite.

Cada uno tiene su forma particular de lectura. La imaginación asemeja las palabras, oraciones y párrafos a escenas creadas por la mente que permiten visualizar el mundo creado por el escritor. Mientras leía el primer libro de "Las Cronicas de Narnia" pensaba en cómo se vería esta en la pantalla grande. Tuvieron que pasar más de diez años para que la tecnología permitiera crear a los personajes que cumplían con las especificaciones descritas por Clives Staples Lewis en el libro publicado en los cincuenta.

La forma de narración que posee la novela es cautivante y es perfecta para que los más pequeños se maravillen del otro mundo que es capaz de entregar la literatura. C.S.Lewis, enriquecido por el ambiente en que se desenvolvía - donde también se encontraba el creador de "The Lord of the Rings" J.R.R. Tolkien - crea un mundo fantástico en que animales y seres de la mitología se relacionan entre si entregando un aroma especial y muy elaborado sobre las razones del bien y el mal.

La buena acogida que tuvo la película de Peter Jackson ("The Lord of the Rings") le hizo creer a Andrew Adamson que la gente apreciaría de la misma manera a la obra de C.S.Lewis debido al boom en la valorización de las historias fantásticas. Y es por eso que quizás se precipitó en demasía sacando la primera parte de la saga - contiene siete partes - sin poner énfasis en los cimientos que debe tener un buen guión. La historia propuesta por Peacock - este es su segundo guión cinematográfico - es bastante ligera. No sabe abordar de la mejor manera las complejidades que le impone implícitamente Lewis a su obra y es por esto que la película queda completamente coja.

No sé si Adamson era el que merecía adjudicarse la dirección de esta notable obra de Lewis. Creo que las productoras también se precipitaron con la idea del boom ya que la experiencia que tiene Adamson en el rubro es casi nula. Sus anteriores películas "Shrek" y "Shrek 2" pertenecen al área de la animación que, aunque es parte significativa de "Las Crónicas de Narnia", no tiene relación con la parte humana de la cinta. No se pueden adjudicar los derechos de una obra tan significativa a cualquier director... se debe tener en cuenta el impacto que tendrá en la sociedad el producto final.

La obra posee ciertas carácteristicas que son rescatables. Algunos personajes están bien elaborados, pero son justamente los computacionales (el área de Adamson). La "escenografía" es bastante exquisita. Sin embargo el casting y la dirección de actores es deplorable llegando a preguntarse el por qué se escogió a actores tan mediocres siendo que sólo se necesitaban a unos pocos ya que la cinta en su mayoría posee personajes virtuales. Por otra parte el tiempo adjudicado a las escenas verdaderamente importantes es ínfimo en comparación con otras que son banales para el desarrollo de la historia. Y así podemos seguir enumerando las falencias de una cinta que podría haber sido mucho mejor ya que se basa en una historia magnífica, fantástica pero a la vez realista, poseedora de esas similitudes que calzan en cualquier época y que nunca desaparecerán.

Muchas veces es mejor leer el libro y después ver la película. En este caso es mejor quedarse con el punto de vista del escritor nacido en Irlanda y representado alguna vez por Hopkins en "Shadowlands".

Nota: 4,6

Elizabethtown

"Elizabethtown"
Director: Cameron Crowe
Guión: Cameron Crowe
Elenco: Orlando Bloom, Kirsten Dunst, Susan Sarandon, Alec Baldwin
USA, 2005

Kirsten Dunst a sus 23 años ha participado en más de 40 obras cinematográficas. Su primera incursión en el área la realizó como la hija de Mia Farrow en "New York Stories" (1989) y desde ahi a ejercido diversos papeles de los cuales en ninguno ha sobresalido. De la misma manera Orlando Bloom se hizo conocido gracias al rol de Legolas que le otorgó Peter Jackson en la trilogía de "The Lord of the Rings" y a partir de ahi ha participado en una docena de películas - algunas taquilleras como "Troy" o "Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl" - siendo su actuación plana y sin mayores impactos. Por otro lado el director Cameron Crowe ya tiene un sitial que es seguido por la critica. El ganador del Oscar - Mejor Guión Original por "Almost Famous" (2000) - ha sido pieza fundamental en la construcción de esta película protagonizada por Bloom y Dunst donde la historia baila de un lugar a otro, a veces perdiendo el ritmo, pero sosteniéndose a lo largo de su desarrollo.

¿Por qué las peliculas que muestran el lado más humano de las personas son las que más llegan al público? "Elizabethtown" tiene escenas en las cuales es imposible no reir o sorprenderse. Escenas que muestran de una manera novedosa las astucias y genialidades que Crowe le impone a su guión. Existe una creatividad en la historia que pocas veces se ve en el cine norteamericano actual y es por este aspecto que quizás la película sorprenda al público que espera una más de las películas destinadas sólo al entretenimiento banal y sin sentido.

Sin embargo, como muchas veces ocurre, la película posee un principio avallasador y lentamente cae en un letargo del cual le cuesta despertar. El problema es que "Elizabethtown" cae en lo standard. Las historias en que se ven involucradas "relaciones amorosas" son dificiles de manejar sin caer en los cánones clásicos. Esto hace que la cinta pierda intensidad y exponga de manera muy predecible los acontecimientos que pronto ocurrirán. Aqui Crowe falla y no lo puede soslayar con los espasmos de creatividad.

Hay que tener cuidado también con el uso excesivo de la música. Más cuidado aun si la música es de artistas conocidos. Esto es porque el foco de atención se puede desdibujar y se puede perder hacia donde apunta el sentido de la película. Sin embargo a la película no le ocurre eso aunque está al borde de caer.

Y quizás no cae ya que tiene un fuerte gancho que la sostiene: el guión. Aunque no es nada del otro mundo, posee elementos que producen ese efecto extraño cuando uno está frente a una obra aplaudible. Posee creatividad. No a raudales, pero está expuesta y eso no es fácil de encontrar hoy en día.

Nota: 5,0

En la Cama

"En la Cama"
Director: Matías Bize
Guión: Julio Rojas
Elenco: Blanca Lewin, Gonzalo Valenzuela
Chile, 2005

La primera película de Matías Bize se hizo popular por llevar el estandarte de la película más barata en la historia del cine chileno. "Sábado" fue filmada en tiempo real con lo cual se salía de todos los formatos y su presentación en las salas nacionales fue tan efímera como lo fue su rodaje. A Bize, al parecer, le gusta indagar en el cine novedoso aplicando técnicas que pocas veces son usadas en el mercado cinematográfico. Con su nueva propuesta llamada "En la Cama" ha encantado a una parte del público que queda embobado por la simplicidad de la propuesta. El uso de un escenario fijo y el recurso de algunos indicios de "dialogo interesante" son la base para representar el límite entre lo superficial y lo complejo que pueden llegar a ser las relaciones humanas. Sin embargo la propuesta no convence del todo, desarrollando muchas conversaciones totalmente banales que no afectan a nadie y permitiendo dejar escapar al espectador como si no hubiese visto nada.

En algunos planos se puede vislumbrar el "buen ojo" del realizador para situar la camara otorgando imagenes creativas, pero lamentablemente la elección de la historia es bastante errada. ¿Qué habrá priorizado Bize: el guión o lo novedoso de hacer una historia situada solamente en la pieza de un motel? Ya en "Sábado"(2003) trabajó junto a Julio Rojas, guionista de otras películas chilenas como "Perjudícame Cariño" o "Los Debutantes". Durante este espacio de tiempo pudieron en conjunto haber logrado algo mejor, sin embargo el resultado ya está hecho y uno queda con gusto a "aire". Rojas se destaca más en la pantalla chica que en la grande por lo que quizás su opción es seguir dedicándole espacio a la televisión realizando capítulos como "Bienvenida Realidad" o "Urgencias" que son alabables dentro de su categoría.

Esta obra no sitúa sus pilares en los roles que cumplen los actores ya que es el diálogo generado lo esencial. No hay escenas donde Blanca o Gonzalo puedan demostrar sus talentos actorales... no se les da la oportunidad. Sin embargo entre los dos destaca el papel de Daniela, interpretado por Blanca Lewin, quien genera una empatía especial debido a sus gestos y actitudes. Lamentablemente a Blanca no se le ha presentado la oportunidad de protagonizar una película de calidad. Ha interpretado diversos roles en cine entre los que se cuentan las participaciones en "Angel Negro"(2000) y "Sangre Eterna"(2002) - ambas dirigidas por Jorge Olguín - las cuales son una verdadera basura. Esta clase de películas no logran destapar el talento escondido que posee Blanca Lewin... ese talento que a ratos ve la luz en sus participaciones televisivas.

Hace menos de un mes "En la Cama" recibió la Espiga de Oro en la Semana Internacional de Cine de Valladolid- premio que han ganado maestros del séptimo arte como Tarkovsky, Visconti, Truffaut o Kurosawa- ganándole, entre otros, al espectacular François Ozon con su película "El tiempo que queda". Esto es un plus para la cinematografía chilena ya que mediante estas menciones nuestro país logra instalarse en el ojo del huracán por algunos instantes. Quizás debamos agradecerle a Bize por realizar una película que produjo tal suceso... Sin embargo ojalá que no se crea el cuento de haber realizado una obra de arte, por que sencillamente está muy lejos de serlo.

Nota: 4,6

Play

"Play"

Directora: Alicia Scherson

Guión:Alicia Scherson

Elenco: Viviana Herrera, Andrés Ulloa, Aline Küppenheim, Coca Guazzini

Chile, 2005

Este año ha sido abundante en operas primas... Gracias al auge del cine nacional en los últimos años, y por el hecho de tener una mayor cantidad de realizaciones, alcanzamos a recoger buenos resultados dentro de la basura. Uno de estos casos es "Play", el primer largo de Alicia Scherson.

Amparada por los reconocimientos internacionales, la película llegó a las salas nacionales con una expectativa poco antes vista. Escapándose de lo típico, muestra bajo conceptos más bien sicológicos el Santiago... un Santiago que está en las mentes de muchos, pero que muy pocos han conseguido materializar.

Las actuaciones de nuevos rostros sorprenden. Viviana Herrera (Cristina Llancaqueo) hace un rol maduro, lleno de sutilezas que convierten a su personaje en totalmente creíble. Lo mismo ocurre con Andrés Ulloa (Tristán Greenberg). Sin embargo, deberemos observarlos a lo largo de su trayectoria ya que sus personajes no tienen mayores complicaciones de interpretación. Pero es elogiable que Scherson se juegue por actores que no sean parte de la parrilla local, dándole mayor creíbilidad a la historia tal como lo hacía Fellini dentro de sus obras.

El buen dialogo dentro de la obra es escaso. Pero esto no le quita en mayor medida calidad al film, ya que es la imágen la que contagia de sentimientos al espectador. Es la atmósfera la que obsequia. Es la música la que da. Los diálogos incluso a veces son innecesarios y nos retornan a la sala de cine dándonos cuenta de que estamos viendo una película. Podría ser muda y entregarnos lo mismo. Puramente lenguaje musico-visual.

"Considero al espectador como alguien que ya ha visto películas" dijo alguna vez la directora...

Creo que sólo pensó en aquello al determinar que su intención no era hacer una película con un tema netamente comercial como ha sido la tónica, sino todo lo contrario, teniendo como referente a un ser como Hal Hartley. Todo esto la acerca a la tan connotada vanguardia independiente que rinde frutos en festivales y que gracias a ellos tienen dividendos en el ámbito comercial.

La pregunta es... ¿Hubiese sido distribuida en nuestro país si no hubiese tenido tales reconocimientos internacionales?

Creo que nuestra sociedad debe romper las barreras del hollywoodismo... Si no es así nos perderemos los aportes de artistas dignos de valorar...

Por último hay que dejar en claro que nutrirse de buen en cine en nuestro país es poco viable. Las escuelas que lo enseñan son de una calidad nefasta. Se debe viajar y estudiar en el extranjero... Para eso uno debe tener en claro el sacrificio que conlleva, por lo que generalmente nuestros compatriotas que hacen esto realizan trabajos que a los ojos nuestros nos parecen increíbles...

Scherson estudió cine en Cuba y en Chicago... ¿Por algo será, no?

Nota: 5,0