Siete Almas

"Siete Almas"
Título Original: Seven Pounds
Director: Gabriele Muccino
Guión: Grant Nieporte
Elenco: Will Smith, Rosario Dawson, Woody Harrelson, Michael Ealy, Barry Pepper
USA, 2008

La esperanza es algo que a veces no se consigue mantener dentro de uno. Más aún cuando los pilares de la vida se derrumban en un abrir y cerrar de ojos, transformando así la perspectiva mucho más nebulosa y radical, dejando que las determinaciones de acabar con todo sean mucho más próximas a lo racional.

“Seven pounds” es una película que si bien puede ser criticada con bastantes prejuicios, deja algo al espectador que se valora y aprecia ante tanta oferta banal dentro de la cartelera cinematográfica. La película dirigida por Gabriele Muccino - mismo director de "The Pursuit of Happyness" (2006) - y protagonizada por Will Smith, en un principio puede ser una más de entre muchas obras que se sujetan al respaldo rentable de su actor protagónico, sin embargo el guión atrapa y muestra un argumento que bien vale la pena estar consciente de él, tal como lo hizo el director con Smith años atrás demostrando que entre ellos resultan buenas obras cinematográficas.

La película no cuenta con aspectos técnicos que destaquen, sus actuaciones transcurren sin sobresaltos a través del argumento, el formato entregado no genera sentimientos que maravillen ni tampoco puntos que llamen demasiado la atención; sin embargo, todo esto es dejado de lado por la historia. Todo a partir de un accidente que de cuajo desagarra la vida del protagonista y que lo lleva a tomar una de las decisiones más conflictivas en torno a la vida. Quizás esto es lo que deja a todos perplejos, incentivando a dejar el paquete de pop corn de lado y agudizando los sentidos en dirección a esa película que pareció ser otra cosa.

El manejo argumental es lo destacable. Tan interesante que mantiene la tensión en todo momento, develando capa tras capa cada uno de los acontecimientos que componen el objetivo final de la obra. Ante esta ilusión el espectador queda pensativo en qué es lo que vale más en estos casos, poniendo en tela de juicio lo bueno y lo malo, lo correcto y lo incorrecto, tal como hace algunos años nos posicionábamos en un estrado jurídico para juzgar la “bondad de la eutanasia” motivados por “Mar Adentro” de Alejandro Amenábar. ¿Qué ocurre en un caso como el de “Seven Pounds”? Es más una opción personal, aunque la bondad hacia el prójimo se transforma en uno de los mejores regalos de generosidad mostrada en la pantalla de los últimos años.

Calificación: 5/7

Trailer de "Siete Almas"

Entre los Muros

“Entre los Muros”
Título Original: Entre les murs
Director: Laurent Cantet
Guión: François Bégaudeau
Elenco: François Bégaudeau, Esmeralda Ouertani, Louise Grinberg, Franck Keïta, Wei Huang, Boubacar Toure, Rachel Regulier
Francia, 2008

Premios: Ganadora Palma de Oro, Festival de Cannes; Ganadora del Cesar francés, Mejor Guión Adaptado

El lenguaje audiovisual es tan amplio que a veces sorprende. Las pinceladas de sus creadores son tan propias que es posible identificarlos tal como se diferencia un Van Gogh de un Dalí. En el caso de “Entre los Muros”, su director ejecuta una obra de ficción tan real, que por momento espanta al desconocer – y no poder visualizar – el límite entre la pantalla y la realidad. Con un ritmo pausado, sin prisa y ausente de música incidental, el film sitúa la cámara como una especie de ventana indiscreta que permite al espectador ser cómplice del sistema educacional francés en torno a las clases marginales.

La palabra “suburbio” se define como el barrio situado a las afueras de la ciudad, especialmente habitado por pobres. Y es en esta área donde se desarrolla el film, concentrado en su integridad en un colegio estatal liderado por profesores capaces de soportar lo inaguantable. El relato al borde del documental, muestra cómo día a día profesores y alumnos luchan por salir adelante desde cada una de sus visiones humanas. Por un lado, los adultos se mueven con el único fin de enseñar y aportar ese grano de arena capaz de cambiar la vida de los niños, y por el otro están los jóvenes que sin consciencia aún de lo que viven, se preocupan de banalidades por estar y sentirse totalmente ajenos al sistema.

Por ahí pueden existir los críticos que expresen su descontento por la iluminación o por lo cansino que se torna el argumento, sin embargo esto no logra opacar ni en lo más mínimo el tremendo desarrollo, ejecutado de gran manera tanto por su equipo técnico como artístico. Laurent Cantet, director de “Recursos Humanos” (1999), a través de las imágenes, no permite alzar los relojes de la audiencia a pesar de las extensas escenas y el precario mix de locaciones desplegado. Por otro lado, los actores se abstraen de tal forma de la cámara, que esta pareciera ser una ventana que permite al espectador apreciar, además de cada uno de sus gestos, sus emociones más internas. El elenco es de una calidad para aplaudir de pie, en donde el casting se realizó con un detalle preciso, cogiendo a jóvenes que por su sola presencia demostraban ser lo que eran en su papel.

François Bégaudeau, escritor del libro homónimo en que se basa la película y personaje principal de “Entre los Muros”, crea una atmósfera ideal para sentir la difícil situación que viven los “marginados” tanto en Francia como en todo el mundo. La constante lucha que se gesta motivada por los vacíos de esperanza, colapsa tanto para aquellos que tienen las ganas de surgir como para quienes ayudan con el fin de sacarlos adelante. Este círculo vicioso es el que se debe destruir y es el fin que nos propone la cinta. Ella sólo nos prende la luz para ver, para observar la irracionalidad, para comprender que esto no puede pasar más. No se puede permitir que las circunstancias desvíen a aquellos con más problemas hacia un camino sin esperanzas, y que día a día éste se transforme en algo más normal para ellos. Las herramientas las tenemos y sólo se deben aplicar. ¿Por qué tanta demora? ¿Acaso podemos permitir que otra niña nos diga con un temor inconmensurable que no ha aprendido nada durante todo un año escolar? Las películas son para esto también. No sólo nos deben entretener, sino que también deben ser capaces de despertar a las neuronas de los espectadores y aprovechar este inmenso medio de comunicación llamado “cine”.

Calificación: 7/7

Escena de "Entre los Muros"

Rebobinados

"Rebobinados"
Título Original: Be Kind Rewind
Director: Michel Gondry
Guión: Michel Gondry
Elenco: Jack Black, Mos Def, Danny Glover, Mia Farrow, Melonie Diaz, Chandler Parker, Irv Gooch, Arjay Smith, Sigourney Weaver
USA, 2008

Michel Gondry se sitúa como un director de renombre en la industria del audiovisual. Y no digo industria del cine propiamente tal, ya que el hombre tiene una historia más que exitosa en el ámbito del video clip y del spot televisivo, desarrollando extraordinarios trabajos para grupos como Chemical Brothers, Björk, Beck, Cibo Matto, Kylie Minogue, The White Stripes y Rolling Stones; o para marcas como Levi's y Absolute. Hace algunos años incursionó en el mundo del cine obteniendo, a su vez, grandes resultados como lo es su película "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (2004) que escapa de la normalidad, instaurando un mundo fantástico del cual el espectador quedó prendado. Sin embargo, su auge de creador se estancó desarrollando largometrajes cada dos años sin agregarle esa chispa característica que sus seguidores aplauden.

"La Ciencia del Sueño" (2006) es una película que trata de escapar de lo usual, mostrando las típicas ideas y efectos que son ya un distintivo del nombre Gondry, pero que no acompañan a la columna vertebral de una producción cinematográfica como es su guión. En esta nueva producción del director francés titulada "Rebobinados", el sello característico de Gondry se muestra difuso y sólo a ratos genera simpatía en el espectador, provocando que éste se sienta extraño ante una obra de un artista conocido, en la cual no se vislumbra del todo la firma de su autor. Son sólo chispazos de ironía, vestigios de humor, pinceladas de sueños, que van indexadas a una historia más bien lineal que muestra todo su contenido en un par de escenas.

Eso es lo que complica el trabajo de Gondry, ya que su película llama la atención la primera media hora, para luego desfallecer en un desenlace lento, sin mucho sentido y con un cierre que da espanto con tan sólo recordarlo. Problemas serios de guión y estructura son los que impiden que la trama se muestre dinámica durante todo su metraje, cayendo en un vacío del cual no se logra escapar. Sin duda alguna que el gran plus de la cinta se puede ver en su sinópsis, por lo que uno espera que la película te entregue mucho más... Sin embargo lo que defrauda es que este aderezo no existe.

Como siempre Jack Black genera empatía. Además su co-protagonista Mos Def se complementa de gran manera, creando una dupla que quizás sirva para futuras producciones. Pero el resto del elenco no aporta mucho más, afectados por la poca libertad de expresión que proporciona el argumento, situando a la cinta en una película que tuvo una idea fenomenal, pero que no logró ejecutarla al nivel adecuado. De hecho, imagínense que la película está orientada a personas con una cultura cinematográfica normal al recordar de forma lúdica escenas clásicas de un sinnumero de films. ¿Pero qué ocurre con las personas que nunca han visto "Ghostbusters" o "2001: Odisea al Espacio"? Al parecer Gondry las abandonó y no les dio un arma apropiada para defenderse en la película.

Esperemos que el próximo trabajo de Michel Gondry sea como sus video clips o sus spot televisivos - o mejor aún, como "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" -, ya que es ahí donde el francés cumple una labor monumental.

Calificación: 4/7

Trailer de "Rebobinados"

De regalo una exclusiva: el Trailer de "Rebobinados" Sweded, protagonizado por Michel Gondry

Vicky Cristina Barcelona

"Vicky Cristina Barcelona"
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Elenco: Javier Bardem, Scarlett Johansson, Rebeca Hall, Penélope Cruz, Christopher Evan Welch, Patricia Clarkson, Chris Messina
España/USA, 2008

La espera fue larga para que "Vicky Cristina Barcelona" aterrizara en suelo chileno, generando así expectativas altas proporcionadas exclusivamente por la fama de Woody Allen a nivel internacional, el marketing y revuelo que causó en Barcelona el rodaje del film el año anterior y los premios de la crítica mundial como fueron el Globo de Oro a Mejor Película Comedia y el Oscar a Mejor Actriz de Reparto para Penélope Cruz. Es así como la disposición de ver la película cambió y quizás se ingresó con ciertos prejuicios, sin embargó a la salida del cine luego de una evaluación profunda de lo visto, se puede comentar que la película presenta una historia que bordea lo intrascendente sin caer en ello, jugando con lo peculiar de la vida, en base a una vivencia estival de dos americanas que viajan a Barcelona. Si bien no provoca sensaciones que te dejan pensando en el argumento desarrollado, "Vicky Cristina Barcelona" permite reflexionar sobre algunos detalles propios de la trama, que despliega su parte más lúdica con el fin de que el espectador se entretenga y pase un buen rato en su hora y media de duración.

Woody Allen tiene la capacidad y categoría de realizar películas tan personales como se le apetezca. Si quiere filmar una planta durante una hora lo puede hacer, y la audiencia mundial de alguna u otra forma va a buscarle el sentido a la obra. El hombre nacido hace 74 años ya lleva 45 películas a su haber de las cuales el 25% es de este siglo. Sin embargo, este "nuevo" Woody está reinventándose constantemente, ya que atrás quedó su estilo impregnado en sus obras setenteras "Annie Hall" (1976) y "Manhattan" (1979) o sus ochenteras "Hanna y sus hermanas" (1986) o "Días de Radio" (1987); demostrando así que él aún sigue vigente, sin perder el peso que pudo haber perdido si se toma en cuenta que su época de oro comenzó treinta años atrás. De hecho su última obra estrenada - la cual se sitúa como el retorno del director a suelo americano luego de 4 films en europa - ha recibido elogios de distintas latitudes, por lo que esperamos con ansias su estreno.

Y es justamente ese talento el que hipnotiza a muchas estrellas mundiales que quieren trabajar con Woody Allen. Es el caso del director de fotografía de esta película, el español Javier Aguirresarobe, quien acudió a trabajar con el neoyorquino sin poner problema alguno, no importando su tremenda carrera alabada por éxitos como "Beltenebros" (1991), "Hable con ella" (2002) o "Mar Adentro" (2004). De esta misma forma, Scarlett Johannson se ha vuelto su musa y Javier Bardem, habiendo conseguido el Oscar recientemente, no reparó en ningún item para participar en su película. De hecho, es gracias a Woody Allen, que Penélope Cruz - quien aparece por primera vez cuando la película lleva 45 minutos transcurridos - haya conseguido el Oscar a Mejor Actriz de Reparto, ya que sólo por el peso de la película en sí la Academia Hollywoodense la premió, dejando de lado a tantas otras actrices que desempeñaron papeles más valorables que el de la española.

Bajo estos conceptos, uno pudiese haber esperado una obra categórica y potente, sin embargo la película muestra un argumento coloquial que no penetra dentro de la sensibilidad del espectador, transformándose así en una obra divertida y extravagante que no llega a impactar en demasía. Alguna risa y un buen momento pudiese llegar a generar "Vicky Cristina Barcelona", sin embargo no logra posicionarse más allá. No son las actuaciones, ni la fotografía, ni el decorado, lo que salva a esta obra de Woody Allen, si no que es el siempre genuino sello de su director y guionista: el relato afable, dinámico e ilativo que le entrega a sus películas, mostrando así la capacidad de entretención que tiene el cine.

Esperamos que la nueva constelación de estrellas que está formando Woody para su nuevo film - que incluye a Nicole Kidman, Antonio Banderas, Freida Pinto, Naomi Watts, Josh Brolin y Anthony Hopkins - sí nos impresione más allá y nos deje algo que nos pueda servir personalmente. "Vicky Cristina Barcelona" está muy lejos de dejarnos algo interesante para el crecimiento de cada uno, aunque bien se pueden rescatar hechos simbólicos en ella que, en casos particulares, quizás sirvan como un ánimo espiritual para realizar actos irracionales que están fuera de los cánones clásicos bajo los cuales está regida la sociedad.

Calificación: 4/7

Trailer de "Vicky Cristina Barcelona"

Milk

"Milk"
Director: Gus Van Sant
Guión: Dustin Lance Black
Elenco: Sean Penn, Emile Hirsch, Josh Brolin, Diego Luna, James Franco, Alison Pill
USA, 2008

Hace poco Robert McKee aterrizó en suelo chileno para dictar su clásico curso del cual han participado figuras de la talla de David Bowie, Carrie Fisher o Kirk Douglas. En él Bob McKee, como es conocido, presenta la importancia que tiene el guionista en el film y cómo es en base a su creación la manera en que se forja la obra. Si bien el director es parte de un equipo de trabajo, no es el único que se debe llevar el aplauso del público cuando se presenta una buena película, ya que gran parte del aporte al trabajo audiovisual ya viene escrito en el papel.

En esta cinta dirigida por Gus Van Sant, se relata la historia de Harvey Milk, político y activista gay estadounidense que se adjudicó el cetro de ser el primer hombre abiertamente homosexual en ser elegido a un cargo público en Estados Unidos. El guión, basado en hechos reales y que produjeron gran impacto a nivel mundial, fue ejecutado por el joven Dustin Lance Black que desde sus inicios ha estado enfocado en la creación de obras relacionadas al mundo gay como fue su primer corto "Something Close to Heaven" (2000) y largometraje "The Journey of Jared Price" (2000). Black, quien pertenece al Movimiento Activista LGBT (del inglés Lesbian, Gay, Bisexual, Transgender), relata la historia de un personaje que dio su vida por sus creencias y que es caracterizado en la pantalla por el gran Sean Penn.

El actor, que con esta película se llevó el Oscar a Mejor Actor - obteniéndolo así por segunda vez luego de haberlo ganado con "Río Místico" (2004) -, realiza un trabajo formidable representando de manera auténtica a un hombre elevado por sus ideas y movido por su conciencia. Con un histrionismo que a veces parece exagerado, Penn presenta a un personaje que si bien tiene su lado amable y humano, es querido por la audiencia logrando establecer un contacto con el público. Sin embargo, no todo es positivo en materia de actuación ya que, a pesar de ejecutar un casting de lujo contemplando la semejanza de los actores con sus representativos reales - como el caso de Cleve Jones interpretado por Emile Hirsch -, con ciertos personajes cae en una incredulidad máxima que no se logra sostener a través del film exponiéndo a un calificativo negativo a actores como Diego Luna.

Pero la historia sigue una línea argumental definida que por momentos se torna cansina, alargando su desenlace hasta un punto que el espectador logra sentirse incómodo, pero aliñada con la calidad del director. Y en este juego Gus Van Sant se sabe manejar como lo demostró con su film titulado "Elefante", el cual fue galardonado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del 2003. En este drama protagonizado sólo por chicos desconocidos hasta ese entonces, el director de "Drugstore Cowboy" (1989), "My Own Private Idaho" (1991) y "Good Will Hunting" (1997), logra mantener expectante a la audiencia con un relato pausado y lento, excluyéndolo de un peso somnoliento, a pesar de utilizar el recurso de la cámara en mano que sigue a sus personajes. De hecho el final de "Milk" es para aplaudirlo de pie, ya que a pesar de que la audiencia conoce el desenlace con anterioridad, aún así logra impactarse y sobrecogerse al ser tratado en la pantalla con una calidad que sólo directores como Van Sant podrían ejecutar.

La película logra dejar un sabor para degustar luego de presenciarla. Y eso es sólo por efecto del trabajo en conjunto que logró realizar el guionista con la historia, potenciando los dichos de Bob McKee a través de sus presentaciones. La homosexualidad sigue siendo un tema que es evitado dentro de la sociedad, a pesar de haber transcurrido 30 años desde esos hechos. Sin embargo, cada vez más los hombres y mujeres de esta tendencia sexual, han sabido expresarse gritando al viento su condición sin temor a los prejuicios e injurias que muchos podrían propinarles. La libertad está presente y nadie es dueño de ella, por lo que Harvey Milk debería estar orgulloso de que tres decadas después, aún se le recuerde como uno de los primeros que logró enfrentarse a la sociedad, dando su verdad y demostrando que la naturaleza no tiene sólo dos colores.

Calificación: 6/7

Trailer de "Milk"

El Luchador

"El Luchador"
Título Original: The Wrestler
Director: Darren Aronofsky
Guión: Robert D. Siegel
Elenco: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Mark Margolis, Todd Barry, Ernest Miller
USA/Francia, 2008

Robert D. Siegel durante el 2008 comenzó una carrera en el mundo del cine como guionista de uno de los directores "jóvenes" más extravagantes, para luego probar suerte como director con su película titulada "Big Fan" la cual fue seleccionada este año en el prestigioso Festival de Sundance. Nada mal para un comienzo sin muchas expectativas, y más aún cuando la crítica internacional elogió de sobremanera esta película escrita por su persona y protagonizada por Mickey Rourke. Sin embargo, hay que dejar en claro que si abstraemos la cinta de la actuación de Rourke y de la dirección de Aronofsky, sin duda que la película no hubiese tenido el impacto que tuvo, ya que si bien la historia propone una idea interesante, ésta no posee el dinamismo esperado en cintas de estas características.

Lo interesante de la película de Aronofsky va justamente en la forma en cómo el director relata la historia. El argumento es acompañado por las cámaras que se transforman en acompañantes del personaje, emulando su sombra, y en muchas ocasiones personificando a un guardaespalda invisible que lo sigue de cerca. Bajo esta perspectiva, el espectador es un protagonista más que vive las emociones experimentadas dentro de la obra, atrapando así todas las sensaciones que irradian los personajes. Sin embargo, no sólo por esto el público es capaz de atrapar las emociones que nos porporciona la imagen y el sonido, sino que también es una facultad propia de la calidad de los actores. En este caso, Mickey Rourke realiza una actuación sobresaliente que bien le hubiese valido el Oscar, aunque de alguna u otra forma más que una actuación, representa parte de su vida personal.

Mickey Rourke por siempre será recordado como el actor por el cual miles de mujeres de a fines de los ochenta se volvían locas. Su actuación en "Nueve semanas y media" (1987) junto a la espectacular Kim Basinger, lo convirtió en un sex-symbol de talla mundial. Sin embargo, la fama le jugó en contra, llegando a extremos que impactaron a la prensa de entonces. En 1991 se alejó del cine y comenzó a boxear - deseo que poseía desde su niñez - retirándose de los cuadriláteros cuatro años después, dejandole secuelas en su rostro que hasta el día de hoy son posibles de apreciar. Pocos creían que volvería a renacer ya que con suerte era llamado para películas de nivel. Sin embargo, el año pasado quedará marcado en la vida de Rourke, ya que el director de "Requiem for a Dream" lo llamó para protagonizar su último film, dejando de esta forma plasmado en la historia del cine la resurrección del galán de los 80's veinte años después de dar su primer salto a la fama.

Si bien el estilo de filmación - con rasgos de decadencia en la imagen que van muy acorde con el argumento presentado - y la actuación de Rourke - no dejando de lado la participación de Marisa Tomei que bien vale la pena destacar -, hacen que la cinta posea características aplaudibles, la historia no logra sostenerse por sí sola. El guión es flojo, presentando una historia algo monótona y obvia, que por momentos termina por aburrir al espectador. A pesar de tener un argumento que a grandes rasgos pudiese haber sido aún más potente, la trama no potencia de buena forma la decadencia que se presentan en paralelo de estas dos almas solitarias. Por un lado el Luchador en edad avanzada que se sostiene en pie gracias al aplauso y la euforia de su público, y por el otro la Bailarina con años de experiencia que se muestra enclaustrada en un mundo sucio y difícil. Ambos siguen sus caminos, apoyándose mutuamente y tratando de hacer lo correcto. ¿Pero qué es lo correcto en esos mundos de excesos? Quizás la pregunta queda planteada en la película de forma vaga, dejando esos puntos suspensivos que no logran convencer del todo...

Quizás el mejor análisis es hacer el paralelo entre el actor y el personaje, dejando de esta forma la puerta abierta para que esos puntos suspensivos se transformen en algo más concreto al ver la vida del propio Mickey Rourke. Sin lugar a dudas que su posición dentro de la cinta cambió, abriéndole las puertas de la vida de nuevo ironicamente gracias a un personaje similar al que se las cerró. De esta forma se deja escrito que el renacer siempre es posible... o sino pregúntenle al señor Rourke.

Calificación: 4/7

Trailer de "El Luchador"

El Sustituto

"El Sustituto"
Título Original: Changeling
Director: Clint Eastwood
Guión: J. Michael Straczynski
Elenco: Angelina Jolie, John Malkovich, Gattlin Griffith, Michael Kelly, Jeffrey Donovan, Colm Feore, Jason Butler Harner, Devon Conti
USA, 2008

Es complicado cuando el director obligatoriamente debe cambiar a su director de fotografía. Es por eso que pocas veces los directores se desligan de ellos y cuando, bajo su criterio, encuentran al indicado, se quedan con ellos para toda la vida. Y eso fue lo que le ocurrió a Clint Eastwood cuando encontró a Tom Stern en "Blood Work" (2002), película que se transformó en la primera cinta de Stern cumpliendo el rol de líder en el ámbito fotográfico de un film. Desde aquel entonces, este hombre llegó al trabajo que más de algun Director de Fotografía del orbe quisiera tener, subiendo poco a poco entre los trabajos que le fueron asignados con anterioridad especializándose en el rol de gaffer, hasta llegar a ser el brazo derecho en materia de imagen de Clint Eastwood.

La dirección de fotografía de este film es bastante llamativa. Junto a una dirección de arte que no se queda atrás, desde el comienzo en que la cinta muestra a un Los Angeles de los años 20 en blanco y negro degradándose poco a poco al color, "El Sustituto" persigue entrometer al espectador en la época, con pinceladas de cámara que no pasan desapercibidos, bajo un arsenal de detalles de antaño que más de alguna sonrisa simpática puede hacer florecer en la audiencia. Sin embargo, es quizás un exceso de luces y sombras al momento en que a su protagonista Angelina Jolie le obsequian sus primeros planos, dejando entrever la "máscara de diva" que al parecer es compleja de eliminar en la actriz, permitiendo que los recuerdos de "Girl, Interrupted" (1999) - que se hacen aún más presentes en las escenas del manicomio - se transformen en bellos pasajes de la historia, al parecer parte del pasado, en donde Jolie ejecutaba personajes creíbles.

La trama se sustenta en un guión de J. Michael Straczynski, quien muestra su incapacidad por darle término en el tiempo adecuado a la historia basada en un momento de la vida de Christine Collins. Straczynski, al parecer, confundió los distintos metrajes entre el cine y la televisión, revelando que su curriculum despliega su trayectoria televisiva como guionista de series de varias temporadas como lo es "Babylon 5". Lamentablemente, cuando un film cae en un letargo y en una dilatación, se pierde la perspectiva de lo ya visto, nublando los buenos momentos y opacando las grandes enseñanzas que te puede dejar la obra. En este caso, "El Sustituto" presenta una historia bastante llamativa que bien podría ser tema de debate en cualquier reunión social, sin embargo, la película en su totalidad no se logra sostener, cayendo en su final y dejando de esta forma un sabor extraño en el espectador.

Pero la historia es rescatable a grandes rasgos por lo que la película se aplaude y se agradece que el cine sea también un elemento de comunicación masivo. La crítica que realiza la obra es bastante potente en varios sentidos y quizás sea un buen ejercicio recordar cada uno de los detalles que transforman a "El Sustituto" en una película para ser analizada. Por un lado está el sentido de dejar en claro el abuso de poder por parte de la policía - que casi un siglo después sigue presente en la sociedad -, de demostrar que a veces se debe desobedecer para realizar las acciones que uno cree que están correctas, de caracterizar a esos típicos médicos soberbios que sin dar explicaciones convincentes creen tener la verdad absoluta, de plasmar la dedicación y entrega por la cual una madre no dará su brazo a torcer hasta que la última gota de esperanza se evapore. Clint Eastwood, como ya fue dicho en un post anterior, tiene la sutileza y la sensibilidad para demostrar esos elementos en pantalla de forma que el espectador los asimile sin complicaciones. Eastwood se transforma así en un ícono que apoyado por sus propias composiciones musicales, se desenvuelve en la pantalla como un grande, ya sea delante de ella cumpliendo un rol actoral, o detrás, como ya lo ha demostrado en estos últimos años.

Calificación: 5/7

Trailer de "El Sustituto"

Gran Torino

"Gran Torino"
Director: Clint Eastwood
Guión: Nick Schenk y Dave Johannson
Elenco: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, John Carroll Lynch
USA/Australia, 2008

La calidad se nota a simple vista y desde lejos. Al menos eso ha demostrado la historia que por el momento no se ha equivocado. Clint Eastwood es uno de esos hombres que siendo partícipes de una obra, llaman la atención de la audiencia. Esto lo fue cuando en los 50's y 60's protagonizaba películas que sorprendían a más de alguno por la fuerza que desplegaban su personajes llegando a ser nombrado como el "Duro" de Hollywood - cetro que aún no es posible arrebatárselo -, o cuando el rol de actor pasó a ser vestido como el de director realizando obras de un nivel excepcional entre las que se cuentan "Los Imperdonables" (1992), "Río Mistico" (2003) o "Million Dollar Baby" (2004).

Ahora es el turno de "Gran Torino", que siguiendo con la tradición de las últimas entregas del hombre nacido en San Francisco hace 79 años, fue estrenada el mismo año que otra película de la autoría del protagonista de "El bueno, el malo y el feo" llamada "El Sustituto". Sin embargo, esta cinta en que Eastwood también es protagonista posee algo que "Changeling" - título original de "El Sustituto" - no cuenta y es que el valor humano no se pierde en el glamour ficticio que irremediablemente posee la cinta protagonizada por Angelina Jolie. En "Gran Torino" la relación existente entre los personajes es sustentada por un aura de credibilidad que transforman a la cinta en un verdadero film para apreciar.

Con una historia que mide cada paso, construida sobre frases de antología surgidas de conversaciones simples que le otorgan al guión estrellas de calificación por sobre lo que uno está habituado a apreciar en las salas de cine, la película desarrolla una trama con un final quizás predecible, pero acorde a lo mostrado. Basado en la consecuencia, "Gran Torino" sigue una línea argumental bastante acabada que impregna la pantalla de puentes de unión entre el espectador y el film, dejando un paso de libre acceso para la compenetración con la historia. Si bien ésta peca de escenas obvias que por momentos se transforman en algo cliché, la película logra escapar de ellas no ensuciando así el argumento central de la obra.

Y es que Clint Eastwood hace todo fácil. A sus casi 80 años sigue intimidando con esa voz característica como hace 30, sigue actuando como si nunca dejara de aprender y sigue dirigiendo preocupándose de cada detalle formando así una película de todo su gusto, que muy dificilmente, no coincide con el gusto del espectador. Es así como "Gran Torino" es una película fácil de llevar, con rasgos de "liviana", pero con una carga de valores que como un virus se ramifican dentro del espectador de manera que razone entre lo correcto y lo incorrecto, entre lo valiente y lo cobarde, entre la xenofobia y la endofobia, de manera de juzgar cuál es el próximo paso que pudiésemos dar nosotros mismos en la vida... quizás emulando a un veterano que no sólo se hace llamar Walt Kowalski en esta película, sino que tiene un nombre que perdurará para la eternidad. Bravo señor Eastwood.

Calificación: 6/7

Trailer de "Gran Torino"

Che: Parte Uno

"Che: Parte Uno"
Título Original: Che: Part One

Director: Steven Soderbergh
Guión: Peter Buchman, basado en la novela de Ernesto "Che" Guevara
Elenco: Benicio del Toro, Rodrigo Santoro, Demián Bichir, Santiago Cabrera, Catalina Sandino Moreno
Francia/España/USA, 2008

Al parecer la vida del Che Guevara fue monótona o así lo plantea Soderbergh o su novato guionista Peter Buchman (y digo novato ya que considerar "Jurassic Park 3" o "Eragon" dentro del currículum no es una buena señal). Y no creo que haya sido su intención, ya que todos sabemos que la vida del Revolucionario fue una vida cargada de sorpresas y aventuras en pos de los mejores ideales que a él no le parecían imposibles. Sin embargo, lamentablemente el director de "Traffic", "Erin Brockovich" y "Ocean's Eleven", no fue capaz de entregarle dinamismo a la cinta haciéndola caer en el sopor del cual muy pocos espectadores lograron zafarse.

Benicio del Toro - Mejor Actor en el Festival de Cannes por este rol - es sin duda el pilar de la cinta que la lleva a paso cansado hacia lo que podría ser un buen final. Si bien el desenlace comienza a transformarse en emotivo, no logra convencer del todo para que volvamos a visitar la sala con el fin de deleitarnos con la parte dos, la cual tuvo que ser transformada en una nueva película debido al extenso metraje de la película entera. Lamentablemente así resultó ser la película de Soderbergh, el cual por estos días lanza una intensa campaña de manera que los distribuidores norteamericanos lo tomen en cuenta y puedan lanzar al "Che" dentro de las salas del país de norte. No creo que sea sólo política la acción tomada por los distribuidores... aunque pensándolo bien, si distribuyen cintas como las que vemos semanalmente en nuestra televisión por cable, demás que es sólo política.

"Che: Parte Uno" es una película biográfica de grueso calibre en la cual por momentos se ve intensificada la dura lucha que se generó en la guerrilla de la Revolución Cubana, pero que en otro momentos se visualiza una monotonía como si la línea argumental perdiera su destino. Con escenas que pueden llegar a ser impactantes, el film se desarrolla y deambula contando la historia de uno de los principales líderes de la Revolución, con una forma de presentación en pantalla que es lo rescatable de la producción. Los rasgos de documental que el realizador le entrega a la cinta hacen que el "Che" (hablaré de ahora en adelante en el conjunto de las dos partes) sea una entrega de archivo que quedará en las estanterías de las bibliotecas por su alto contenido informativo y en el cual la fotografía desarrollada por el propio Soderbergh hacen un juego de luces y sombras rescatando las grandes semejanzas entre "El Argentino" y el actor de origen puerto riqueño.

La armada latina en actuación se hace presente el film. Los acentos son vistosos (audibles) lo cual se transforma en un juego adivinar el origen del que interpreta al personaje de la pantalla. Es así como Santiago Cabrera da señales de origen chileno, empleando algunos modismos que llaman la atención de los más perceptivos. Pero la película no se dirige a aquello, sino a que la historia del "Che" Guevara sea conocida por las masas, destacando su tremendo esfuerzo por hacer de este mundo un mejor emblema y en el cual todos seamos mejores personas. No sé si Soderbergh lo logró en su cinta, sin embargo puedo decir que el intento está ahí a la espera de que el público tenga su propia opinión. Esperamos que la parte 2 sea recomponedora y logre salvar a esta primera parte que dejó mucho por entusiasmar.

Calificación: 4/7

Trailer de "Che: Parte Uno"

Slumdog Millionaire

"Slumdog Millionaire"
Director: Danny Boyle
Co-Director en India: Loveleen Tandan
Guión: Simon Beaufoy basado en la novela de Vikas Swarup
Elenco: Dev Patel, Madhur Mittal, Freida Pinto, Azharuddin Mohammed Ismail, Ayush Mahesh Khedekar, Rubiana Ali, Tanay Chheda, Ashutosh Lobo Gajiwala, Anil Kapoor, Saurabh Shukla
UK, 2008

Permítanme comenzar con destacar la fotografía de esta película. Anthony Dod Mantle, el mismo director de fotografía del primer Dogma "La Celebración", es quien está encargado de la ejecución perfecta de este film en donde los planos sorprenden por la audacia de su imagen. Esas vistas aereas de la India cuando los niños escapan de la policía, o esas visuales entre la gente que poseen una textura que llama al olfato a ser parte de la película, transforman a "Slumdog Millionaire" en una película que bien vale la pena apreciar en la pantalla grande.

Por otro lado la música escogida para la película es sin lugar a dudas uno de sus puntos altos, en donde el genio de Danny Boyle se sobrepone entre sus pares para ejecutar la elección del audio incidental que acompañará a sus personajes, ya sean estos acordes originales o simples pistas de audio de canciones ya compuestas con anterioridad. En este caso A.R. Rahman es el ideologo de la música original, sin embargo M.I.A. tiene unas intervenciones notables que recuerdan el similar impacto que produjo Boyle con su película "Trainspotting" en este aspecto. De hecho el disco de "Trainspotting" es una pieza clave dentro de cualquier discografía que tenga un aficionado de la buena música y eso bien lo saben muchos.

La película llegó a los países de habla hispana como "¿Quién quiere ser millonario?" en referencia al programa que ha recorrido los canales de televisión mundiales que han adquirido la franquicia. Sin embargo, esta traducción pierde intensidad ya que el título original le otorga el ataque real que siente el protagonista durante la trama. El slumdog es aquel perro de los barrios bajos que se arrastra y que no tiene más futuro que respirar hasta donde le aguanten sus pulmones. Jamal Malik, interpretado por Dev Patel, es el personaje que lleva esta cinta adelante y es el que sufre cada aberración que le proporciona la vida. Es el caballito de batalla que representa a toda esa parte de la sociedad basureada por el destino y en que la otra parte con "suerte" la pasa a llevar. Es así como el juego de la televisión se transforma en una lucha en que el joven sin ninguna ventaja debe combatir contra el gigante al estilo de David contra Goliat, y en el que el pueblo lo apoya como si fuera su más fiel representante para que les anuncie al mundo que ellos están presentes.

Con una idea bastante original de cómo Jamal conoce las respuestas y que se basa en el libro del indio Vikas Swarup, el film se desarrolla en una línea argumental muy bien definida que en ningún momento agota y que es marcada por el ritmo propio de Boyle en base a sus imágenes, su edición y su forma de presentar la historia en la pantalla. Así, con un juego de tiempos que siempre llama la atención, la historia patina en la clásica curva del inicio-desarrollo-final sin contratiempo alguno invitando al espectador que se entretenga frente a la pantalla al instante que sus pensamientos cumplen la labor de analizar lo visto y pensar posteriormente en cómo la vida puede ser vista de diferentes formas.

El amor sobrecogedor que está presente durante todo el film y que a muchos les hinchó su corazón - incluyendo a los votantes de la Academia Norteamericana -, se muestra sin caretas como aquel amor puro y aventurero por el cual Jamal se juega su vida por completo. Si bien la película tiene sutilezas que pueden entregar diferentes enfoques hacia lo mostrado y por el cual las personas pueden tener distintas apreciaciones de la película sin encontrar un sólo tema principal, es la historia de amor de Jamal y Latika la columna vertebral del film. Las otras historias son sólo las costillas de la obra, que por momentos parecen más potentes que su centro y que a fin de cuentas transforman al film en imperdible.

Por algo la India es el país que más películas produce en el mundo. Pocos saben que supera incluso a Estados Unidos que con su mega Hollywood se siente dueño de la industria. Esperemos que "Bollywood" - juego de palabras entre Bombay (el antiguo nombre de Mumbai) y Hollywood - de esta forma se haga más conocido en todo el orbe permitiendo así que los distribuidores sean generosos y nos deleiten más seguido con las obras de este bello país asiatico.

Clasificación: 7/7

Trailer de "Slumdog Millionaire"

La Elegida

"La Elegida"
Título Original: Elegy
Directora: Isabel Coixet
Guión: Nicholas Meyer, basado en la novela de Philip Roth
Elenco: Ben Kingsley, Penélope Cruz, Dennis Hopper, Patricia Clarkson, Peter Sarsgaard
USA, 2008

El nombre de la directora puede sonar conocido. Su film "La vida secreta de las palabras" (2005) sin duda que no pasó indiferente en su periplo fílmico a través del mundo y de alguna u otra manera llegó a ser vista por muchos de nosotros. Lo mismo ocurrió con su cinta "Mi vida sin mí" protagonizada también por Sarah Polley que tampoco dejó de impactar por su fuerte contenido siendo de esas películas con algo más que aportar que una mera entretención de dos horas de duración. Y así las expectativas eran grandes para esta nueva pelíucula de Coixet, más aún cuando la crítica chilena la había calificado con la mejor puntuación, por lo que la ida al cine sin duda era un éxito seguro. Sin embargo, esto no fue del todo así, a pesar de que luego de algunos días de reposo puedo afirmar que la cinta de todas maneras logra calificarse como "buena".

Con un manejo del tiempo que por momentos termina agotando, el desarrollo argumental de "La Elegida" se va desenvolviendo poco a poco, guardando las sutilezas hasta el más mínimo detalle, de manera que el espectador se logre involucrar de mejor manera con el personaje para adentrarse en él con la intención de empaparse de sus sentimientos. Y hay que decir que interiorizarse en el mundo de David Kepesh no es para nada dificil ya que es interpretado por el gran Ben Kingsley, ganador del Oscar por "Gandhi" (1982) y recordado por su papel de Itzhak Stern en "La Lista de Schindler" (1993). La estampa de Kingsley sin duda alguna que le otorga una luz a la película dirigida por Coixet, de manera que la trama es seguida de cerca sin desviaciones inútiles que le impidan al espectador ver el final de la ruta.

Complicado es ver trabajar a Penélope Cruz en una película norteamericana. Aún su acento es difícil de asimilar y por algo sus incursiones, en su gran mayoría, están ligadas con el mundo latino. Sin embargo, con un trabajo estético delicado en donde las referencias a España - país natal de la directora - se hacen evidentes y le impregnan un aura un poco más real cuando es Penélope la otra protagonista de la cinta, "La Elegida" comienza a transformarse en una película en que el espectador puede jugar a las similitudes con el espacio exterior como lo es la escena en que Consuela es fotografiada por David llevando a los tiempos actuales lo que hizo Goya siglos antes con la "Maja Desnuda" usando el pincel en vez del obturador.

Al parecer el tema propuesto ya no llama mucho la atención. De hecho sólo este año hemos vivenciado películas que tratan relaciones entre hombres mayores y mujeres jovenes - emulando a "Lolita" de Nabokov - como lo fue "Una mujer partida en dos" de Claude Chabrol. Así que por ese lado la película no logra impresionar a la audiencia. Ni menos con su final, que si bien es inesperado, está casi pegado con urgencia ante una historia que parecía haber perdido el rumbo. Sin embargo, por lo que sí llama la atención es por la forma de plasmar la historia en el celuloide, dando pequeños toques de historias paralelas (relaciones de amistad y padre-hijo), que a pesar de tener poco tiempo para ser desarrolladas, permanecen lo suficiente para entretejer una armonía dentro de la película en general. Esto sin duda que es logro de la directora junto a su editora Amy E. Duddleston quien con el típico recurso del corte de plano radical justo en el momento de presentar el hilo conductor, forma una línea que posee el equilibrio necesario para llevar a buen termino la cinta, a pesar de los tiempos excesivos que emergen de vez en cuando en la vida del protagonista.

Calificación: 5/7

Trailer de "La Elegida"

El Curioso Caso de Benjamin Button

"El Curioso Caso de Benjamin Button"
Título Original: The Curious Case of Benjamin Button
Director: David Fincher
Guión: Eric Roth
Elenco: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Julia Ormond, Jason Flemyng, Elias Koteas, Tilda Swinton, Peter Donald Badalamenti II, Robert Towers, Tom Everett
USA, 2008

A medida que el rollo gira por la proyectora, el espectador comienza a tener recuerdos de diferentes películas que tienen características similares a la mostrada en "El Curioso Caso de Benjamin Button". En esta nueva cinta de David Fincher, el mismo hombre que dirigió a Brad Pitt casi diez años atrás en "Los Siete Pecados Capitales", el argumento se asemeja a "Forrest Gump" al contener detalles que rememoran la película de Robert Zemeckis que van desde relatar la vida de un personaje que se enmarca en la historia estadounidense al estar presente en diferentes hechos históricos, pasando por escenas similares a la cinta protagonizada por Tom Hanks como lo son las de alta mar, hasta características muy sutiles como la estrecha relación que tiene la el colibrí de esta película protagonizada por Pitt con la pluma de la ganadora del Oscar a Mejor Película en 1994.

Y no es sólo "Forrest Gump" la cinta que puede aparcar en la mente del espectador ya que también puede ser rescatada de los recuerdos otras como "El Gran Pez", debido a la similitud del relato fantástico premortuorio que entablan madre e hija, aunque fuera del otro género en la película dirigida por Tim Burton. Pero la estrechez que pudiese tener esta nueva cinta de Fincher con la de Zemeckis no debe llamar la atención ya que el link de unión entre ambas películas está más cerca de lo que creemos. ¡El guionista de ambos films es el mismo! Eric Roth, guionista de otras cintas como "Ali" (2001), "Munich" (2005) o "The Good Shepherd" (2006), tiene un sello que quiso rescatar en esta nueva entrega y al parecer le resultó demasiado evidente su inclusión. Si bien las películas son distintas ya que sus argumentos presentan historias sin relación directa, de todas maneras contienen una envolvente que es dificil de quitar y que en las anteriores películas escritas por Roth no ocurría.

Sin embargo, en esta cinta se muestra la estampa de David Fincher quien actualmente supera en categoría a Zemeckis quien en los 80 y comienzos de los 90 era simplemente un genio y que últimamente se ha reinventado. Fincher, que comenzó su carrera artística dirigiendo video clips entre los que se destaca el video "Vogue" de Madonna, en el cine ha recorrido un camino que lo ha instalado en la cima del éxito. Con películas como "Alien 3" (1992), "Los Siete Pecados Capitales" (1995), "El Club de la Pelea" (1999) o "Zodiaco" (2007), el director se ha creado un nombre de respeto que pocos han logrado obtener. Y en esta nueva cinta, su talento se puede ver reflejado en los diferentes campos técnicos que sin duda llaman la atención del espectador. El maquillaje, la dirección artística, la fotografía y la calidad visual, no dejan insatisfechos a ningún apreciador de la cinta y quizás el manejo que logran obtener de ello es más que acabado al poder retener al espectador el metraje que dura la cinta.

Y es que esto no es algo insignificante ya que si bien la película no dura una eternidad, los 166 minutos no son escasos para la gente que está acostumbrada a ver películas del metraje común y corriente (aproximadamente 2 horas). Quizás la edición de la película quedó coja y pudieron haber recortado algunas escenas que en el concepto global eran intrascendentes. No sé si el dramatismo otorgado por la madre antes de morir fue suficiente. No sé si la idea de mostrar la relación madre-hija fue bien manejada para hilar la verdadera historia contada por la trama. ¿Qué pasa si se hubiese sacado todo esto y nos hubiésemos enfocado en la vida de Benjamin Button? Quizás los tiempos en este aspecto no fueron bien manejados ya que fue una línea argumental común que no llamó la atención en demasía lo que se contrapone con "Forrest Gump", película que le valió el Oscar al guionista de la cinta y que recordaremos por siempre a través de los años, debido a su gran manejo del tiempo y el juego constante que realizaba con el pasado, presente y futuro.

No quise hacer un paralelo entre las dos cintas, sin embargo el comentario resultó así. La gracia de "El Curioso Caso de Benjamin Button" no es la historia en sí ya que si bien llama la atención su originalidad, la forma de desplegarla en pantalla no ilumina ningun sentimiento profundo que el espactador pueda sentir por lo que la cinta se transforma en una más del montón en este aspecto. Sin embargo, la película quedará en la historia por su manejo técnico ya que como dije posee una calidad de gran nivel y en donde, por ejemplo, los diferentes actores usados para el personaje de Benjamin Button no se diferencian en nada. ¿O acaso pensaron que era Brad Pitt todo el tiempo? No se preocupen si esto fue lo que pensaron ya que por algo la película seguramente ganará los Oscar destinados a esta área.

Calificación: 5/7

Trailer de "El Curioso Caso de Benjamin Button"

Sólo un sueño

"Sólo un sueño"
Título Original: Revolutionary Road
Director: Sam Mendes
Guión: Justin Haythe, basado en la novela de Richard Yates
Elenco: Kate Winslet, Leonardo DiCaprio, Michael Shannon, Kathy Bates, Richard Easton
USA/UK, 2008

El mismo elenco de "Titanic" figura poco a poco. Kate Winslet se muestra en pantalla para que Leonardo DiCaprio implante su talento en el siguiente plano. Y no sólo son ellos los representantes que emergen al comienzo de la película, ya que Kathy Bates - también representante del film que muestra la tragedia de 1912 - se muestra ejecutando un rol similar al de "Titanic" en los primeros cinco minutos para luego cumplir un papel que funciona como clip en el resto de la cinta. Y es quizá la época en que se desarrolla la trama - aunque sean cuarenta años después del hundimiento - lo que hace recordar aún más la película de James Cameron, pero a medida que transcurren los minutos "Sólo un sueño" se convierte en una película mucho más potente, poseedora de un lenguaje cinematográfico superior y con una característica que eleva al film por encima de muchas otras películas de la historia.

Esta característica es sin duda la actuación de sus protagónicos. La madurez de Winslet y DiCaprio se hacen notar desde el comienzo, cuando emiten con fuerza los sentimientos de desesperación y congoja que los hacen explotar poco antes de que el título de la película se muestre como si nos presagiara lo que se viene. Con una facilidad abismante de posesión de personajes, la pareja de actores se roban la pantalla demostrando que hoy en día son parte de la elite de la actuación mundial. A pesar de que ninguno de los dos ha sido nominado a los próximos premios de la Academia por estas actuaciones - aunque Winslet de seguro lo ganará por "The Reader" - , no es de preocuparse ya que estos premios cada vez tienen menos valor a nivel mundial. De hecho, estos dos jóvenes actores no son los únicos que embelesan al público con su trabajo, ya que en general el elenco entero cumple una labor digna de aplaudir de pie siendo incluso reconocidos en su totalidad por el Palm Springs International Film Festival como el Mejor Elenco para una película del 2008.

Por otra parte el director Sam Mendes junto a su editor Tariq Anwar - que trabajó con Mendes en la ganadora del Oscar "Belleza Americana" - realizan un trabajo notable por el dinamismo que le impregnan a la obra a pesar de tocar un tema tan delicado como el mostrado y en el cual la línea argumental del guión respeta los tiempos de forma colosal. Con cortes precisos que cambian de escena como si fuera un juego lúdico, el desarrollo baila por una pista que cada vez se hace más resbaladiza para que el espectador no tenga tropiezo alguno y sea arrastrado al final. Si bien la película por momentos pierde el ritmo armónico tornándose un poco lenta, la cinta logra volver a su ritmo original en el momento preciso en que el espectador hace el ademán de distraerse. Con un trabajo que resalta también en fotografía - en donde se debe aplaudir también a Roger Deakins el cual ha cumplido la misma labor en "A Beautiful Mind" o la última ganadora del Oscar "No Country for Old Men" -, "Sólo un sueño" muestra de manera sutil los instantes de emoción que perciben los personajes y que se compenetran con su alrededor. Los pasajes de monotonía, de ser parte del rebaño masivo en que la sociedad nos maquiniza, se contraponen con los pasajes de felicidad en el cual los personajes se logran escabullir de la máquina y se sienten seres verdaderos, libres y con personalidad única.

Esta es una cinta en que nos deja mucho para pensar. No es de esas típicas películas que pasarán por nuestros ojos y que su trama no descansará en nuestra memoria. Su trama da para pensar. Para reflexionar en cómo los más locos a veces tienen la razón, en cómo el dinero puede acabar con nuestros propios sueños, en cómo nos podemos arrepentir de nuestros actos y en cómo la vida a veces se vuelve tan apagada que para algunos ya no vale la pena vivir. El amor se cosecha del mismo modo en que se siembra dicen algunos por ahí y en esta película se refleja de gran forma, como a su vez el hecho de cumplir los sueños a toda costa y escapar del sistema en que vivimos. La monotonía no vale la pena. No es bueno vivirla, sentirla, verla, ni siquiera escucharla. O sino pregúntenle al señor Givings que en un gran final de "Sólo un sueño" nos deja en claro su determinación.

Calificación: 6/7

Trailer de "Sólo un Sueño"

Quémese después de leerse

"Quémese después de leerse"
Título Original: Burn after reading
Director: Joel Coen y Ethan Coen
Guión: Joel Coen y Ethan Coen
Elenco: George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, Tilda Swinton, Brad Pitt, J.K. Simmons
USA/UK/Francia, 2008

Hace un poco menos de un año, los hermanos Coen se transformaban en los grandes ganadores de los premios Oscar consiguiendo los galardones más preciados como los son el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión con su cinta "No Country for Old Men". Sin duda alguna que su película será recordada por su línea argumental precisa y por la sobresaliente actuación de Javier Bardem como un sicópata fuera de si que es capaz de todo. Quizás la película llamó la atención de la critica debido a un genero más dramático cargado de suspenso como lo fue hace más de una decada "Fargo" aludiendo a la filmografía de los hermanos de Minneapolis.

De esta forma las expectativas por la nueva cinta de los hermanos Coen eran altas y como muchas veces ocurre es complicado superarlas. Y es así como la tensión generada y el marketing desplegado para "Quémese después de leerse" fue con una magnitud que pocas veces es vista, la cual era sin duda incentivada además por el reconocido y taquillero elenco (Clooney, Pitt y Malkovich). Sin embargo, ninguno de los "galanes" llama mucho la atención en la pantalla ya que sus interpretaciones por momentos caen al borde de la caricaturización. Aunque esto no es problema de ellos sino que del guión que tiene una línea argumental plana y casi banal.

Quizás el gran defecto de la película es eso. Y si su defecto está en su argumento, el tema es grave. A pesar de tener una factura técnica de gran nivel llamando la atención desde su inicio (el plano a lo google maps está notable), la película no logra sostenerse sólo con su argumento. Sólo pinceladas de temas incisivos llegan a la pantalla por instantes, pero el tema principal no llama la atención más allá de los 96 minutos que dura la cinta. Al parecer el tema de la comedia ha dejado de ser lo potente de los hermanos Coen, y su genero mejor logrado es el drama-suspenso. La época dorada de "Educando a Arizona", "Barton Fink" y "El Gran Salto" ha quedado atrás, y el potencial se ha centrado en otro género. Quizás sea la madurez de los creadores lo que haya influido en todo esto, sin embargo al parecer aún los Coen no quieren asumirlo ya que sus próximos proyectos siguen su rama comediante.

Si bien su comedia es bastante oscura y cargada de un tono personal que le agrega un sello único, esperamos que los hermanos nos sigan sorprendiendo con nuevas historias llenas de temas polémicos que despierten sentimientos y emociones en el espectador de manera de que nos vayamos de la sala de cine pensando la propuesta y discutiendo la crudeza de la vida como sólo los hermanos Coen saben exponerlo.

Calificación: 4/7

Trailer de "Quémese después de leerse"

RocknRolla

"RocknRolla"
Director: Guy Ritchie
Guión: Guy Ritchie
Elenco: Gerard Butler, Thandie Newton, Tom Wilkinson, Nonso Anozie, Charlotte Armer, Gemma Arterton, Jamie Campbell Bower
UK, 2008

Durante el fin de año 2008 y el comienzo de este 2009 han aparecido una serie de estrenos que bien vale la pena apreciar sólo por la gente que está detrás de ellos. La carga de películas para apreciar se vio impulsada luego de un período de letargo en que la cartelera local no demostraba bajo ningun sentido alguna novedad que pudiese inyectar adrenalina a la gente adepta al cine. Quizás la última obra de Claude Chabrol "Una Mujer Partida en Dos" fue la obra que logró romper ese hielo que congeló la cartelera y que le otorgó algo más de dinamismo a la afluencia de público que no sólo va al cine para mirar "lo que haya".

Sin embargo, esta película está lejos de las mejores realizaciones del director francés por lo que sólo sirvió de rompe-hielos. Pero no se debió esperar mucho más para que la cartelera se encendiera con algunos títulos un poco más interesantes. Es el caso de la última obra de Guy Ritchie - que muchos conocen sólo por ser la ex pareja de Madonna - llamada "RocknRolla" que con una banda sonora impecable al igual que su anterior trabajo titulado "Snatch", dejó boquiabiertos a muchos espectadores por la gran calidad visual, el buen dominio del escenario y la calidad del argumento muy por sobre lo que nos hemos acostumbrado a ver.

Con un elenco ajeno al mundo "marquetero", la película logra sostenerse en una línea argumental vibratoria que no deja escapar en ningún momento bostezo alguno. Si bien, su tratamiento no es para nada fácil ya que el planteamiento permite al espectador incursionar un poco más allá de sus pensamientos, Guy Ritchie logra situar salvavidas en lugares escogidos de manera de no ahogarse en la trama. Sin duda alguna que la música constante y rítmica cumple un papel fundamental ya que permite estar en todo momento atento a lo que ocurre, pero no sólo el soundtrack le otorga compás a la obra ya que sus ejecuciones técnicas están muy por sobre el promedio.

Desde el guión redondo y preciso, hasta la imagen clara y a la vez peculiar, transforman a "RocknRolla" como una cinta que sin duda sigue el baile de "Snatch", pero que cambia de ambiente con nuevas ideas e interpretaciones nuevamente delicadas. Ya veremos si el ingenio de Ritchie logra acaparar las cámaras más allá de su ex pareja y que de una vez por todas el mundo se de cuenta que este director británico está realizando obras bajo su propio sello, al borde de lo independiente, y aún así logra llegar a las masas mundiales.

Calificación: 6/7

Trailer de "RocknRolla"

Madagascar 2

"Madagascar 2"
Título Original: Madagascar: Escape 2 Africa
Director: Eric Darnell y Tom McGrath
Guión: Etan Cohen
Elenco: Ben Stiller, Chris Rock, David Schwimmer, Jada Pinkett Smith, Sacha Baron Cohen, Alec Baldwin
USA, 2008

Pocas veces la segunda película de una saga es mejor que la primera. Los casos en que ha ocurrido esto son contados. Uno puede recordar "El Imperio Contraataca" o "Terminator: el día del juicio final", sin embargo la lista no es extensa. Y es que el público se aburre si es que la película es más de lo mismo o no aporta un aderezo no conocido en la primera parte. Es como que el segundo plato sea igual al primero llegando a agotar al comensal de manera que quede satisfecho antes de estarlo realmente. En "Madagascar 2" ocurre eso, no logrando desmarcarse de su antecesora, recurriendo a los mismos chistecitos que llevaron a "Madagascar" a la frontera del éxito.

Si bien la primera era más lenta en su desarrollo argumental, poseía la gracia de la novedad en donde cada detalle resultaba una sorpresa para el espectador que caía en la risa fácil. Sin embargo, en esta oportunidad, la risa es más difícil de atrapar ya que viene adaptada - y de alguna manera inmune - al humor desatado en la primera parte de la saga. Etan Cohen, guionista de "Madagascar 2", podría haber recurrido a un chamán para que la H de su nombre se hubiese puesto después de la T transformándose así en el gran Ethan Coen logrando que su argumento contuviese un potencial superior de manera que el espectador quedase satisfecho de lo visualizado. De todas maneras, si se tiene a dos directores novatos como lo son Eric Darnell y Tom McGrath - con una experiencia escasa en el área audiovisual - no es mucho lo que se puede hacer.

Lamentablemente para "Madagascar 2", el 2008 fue un año potente en materia de films animados, por lo que seguramente su huella desaparecerá prontamente. Sin duda alguna que "Wall-E" es el gran ganador de este año en esta categoría donde con gran ventaja corre para llevarse el galardón a Mejor Película Animada según la academia estadounidense. Es por esto que quizás la mejor estrategia comercial de los productores de la cinta hubiese sido proyectar al león Alex, a la cebra Marty, a la jirafa Melman y a la hipopótamo Gloria, durante el próximo año para no tener grandes competidores en la cancha, aunque de todas formas un argumento de bajo peso es complicado - poco competitivo -, más aún si su objetivo es entretener a la familia.

Esperemos que los pingüinos saquen lo mejor de sí en una próxima entrega, ya que sin duda - y los creadores lo saben - son lo mejor de la cinta.

Calificación: 4/7

Trailer de "Madagascar 2"

Quantum of Solace

Quantum of Solace

"Quantum of Solace"
Director: Marc Forster
Guionistas: Paul Haggis, Neal Purvis & Robert Wade
Reparto: Daniel Craig, Olga Kurylenko,
Mathieu Amalric, Judi Dench, Giancarlo Giannini
EEUU- UK, 2008


OK, sé que están esperando y que estas noticias vuelan.

Acabo de salir de la première mundial de « Quantum of Solace », la pelicula número no-se-cuantos de la saga James Bond, con Daniel Craig herido a pocos metros de mí. El evento fue uno de los platos fuertes del London Film Festival y marca ademas el cumpleaños feliz en el centenario de Ian Fleming, su creador.

Londres se ha prepararado todo el año para recibir esta nueva entrega, haciendo gala de su hijo prodigo dedicándole sendas exposiciones y demases.

Sin embargo, a lo largo de la proyección no dejó de espantarme la imagen del alcalde de Sierra Gorda (la ciudad más rica de Chile) echándole el auto encima al equipo de rodaje de « Quantum of Solace » acompañado de un piño de gente gritando « Chile no es Bolivia, Chile no es Bolivia !!».
Lo más impactante es que sí, en « Quantum of Solace » Chile ES Bolivia.

Sin embargo, la distinción y diplomacia de Paul Haggis y su equipo de guionistas prefirieron enmascararla para no ir tan duro con una «democracia» como la nuestra, que trata de hacer todavía las cuentas con su sangriento pasado. De esta forma prefirieron situar su historia en tierra de Evo Morales, quien es - al parecer- menos buscapleitos que nosotros.

En fin, Bond esta vez está más triste que nunca, le mataron a la novia de «Casino Royale» (que es una suerte de episodio-uno) y quiere vengarse a como dé lugar. Pero como eso no lleva a ninguna parte, Daniel Craig no tiene nada del risueño Roger Moore o del seductor Sean Connery. Este Bond es serio, desabrido como una pantruca empaquetada en su traje Tom Ford que no se le raja por ninguna parte a pesar de tanta pirueta y voltereta a mano armada.

El malandra esta vez es un francés llamado Dominic Greene (mi vecino Mathieu Amalric) que hace negocios con un dictador latinoamericano al que llamaremos, por ejemplo, «Pinochet». Bond descubre que tras él está la hija de un ex militar, ex colega de Pinochet, que fue asesinado bajo sus órdenes, al que podriamos llamar sin ningun tapujo algo así como « Carlos Prats ». Esta hija bien podria ser Sofia Prats, interpretada por la bella Olga Kurylenko.

Aquí los Michael Townleys ligados a la CIA (el personaje de Felix Leiter, por ejemplo) y los Mamos Contreras locales ( de esos hay cientos) abundan en el film, pero ahí está 007 para darles su merecido.

« Quantum of Solace » nos da un tour del mundo por Siena, Austria, Haití (filmado en Panamá y donde nunca supe si el alcalde había gritado « Panamá no es Haití !! »), entre otros sitios turisticos.

El desierto de Atacama, sin embargo, aparece al final y se reduce a la entrada del Observatorio Cerro Paranal, del cual utilizan sólo el Hotel high-tech, y la estación de trenes de Baquedano. De Sierra Gorda y su alcalde, no vemos nada. Yo sólo esperaba que James Bond también le diera una buena frisca.

Lo mas interesante de esta nueva entrega de 007 es esa visión geopolítica ligada a la infiltración de la CIA y de intereses económicos como sustento de las dictaduras latinoamericanas. Este tema hace un fuerte eco con Chile y su historia reciente. Lo que es increíble es que Bond, James Bond haya estado ahí -al menos en la pelicula- para darle su merecido a un Pinochet de plástico, interpretado por el mexicano Joaquín Cosio. Lamentablemente, la realidad supera a la ficción y el dictador muere impune al final... en la historia real, claro.

Quizás Bond, inglés puro y duro, se dio cuenta demasiado tarde que no habría que haberlo enviado de vuelta a Chile cuando lo tuvo en sus garras en Londres hace algunos años, sino que habría que haberlo dejado bajo siete llaves en una prisión de alta seguridad custodiada por alguno de sus colegas o por él mismo, con su traje Tom Ford.

NL

Los Crímenes de Oxford

"Los Crímenes de Oxford"
Título Original: The Oxford Murders
Director: Alex de la Iglesia
Guión: Jorge Guerricaechevarría y Alex de la Iglesia
Elenco: Elijah Wood, John Hurt, Leonor Watling, Julie Cox, Burn Gorman, Anna Massey
España/UK, 2008

Complicado que Elijah Wood se desprenda del personaje Frodo. Al igual como le pasó a Audrey Tautou con Amelie, el joven de Iowa deberá lidiar un buen rato para limpiar de la mente del espectador la imagen del Hobbit que protagonizó las aventuras del anillo en la Tierra Media. En esta película del irreverente Alex de la Iglesia, Wood no logra enmascararse dentro del personaje dejando un obstáculo que impide relacionarse con el público. Por otro lado, John Hurt cumple un buen papel avalado por su experiencia, en donde sus dialogos logran sujetar de alguna forma esta película que cada vez se hace más pesada decayendo en una obviedad absoluta.

Compartiendo el rol de guionista junto a su inseparable compañero Jorge Guerricaechevarría y basándose en el libro homónimo del escritor argentino Guillermo Martínez, Alex de la Iglesia dirige esta cinta que apunta a solucionar un crimen mediante pistas supuestamente inteligentes que deberían descolocar al espectador tal como lo hace Michael Scofield en la popular serie "Prison Break". Sin embargo, esta supuesta inteligencia dista mucho de ser real ya que la forma en que se desenredan las ataduras es tan poco clara que de la misma manera podrían solucionarse los problemas más complejos de la historia. Esto transforma a la obra en una película que no posee la destreza del relato a pesar de tener una buena idea que pudo haber sido manejada de mejor forma en el plano fílmico.

El director, que desde sus comienzos ha marcado su estampa en el área audiovisual española con sus trabajos como "El Día de la Bestia" (1995), "Muertos de Risa" (1999) o "Crimen Ferpecto" (2004); por primera vez se lanza en una obra de habla inglesa. Si bien usó gran parte de su equipo con el cual rodó sus películas en España, recurriendo incluso a actores y actrices de su país natal como Leonor Watling, la película no tiene ese tinte artesanal que podría teñir de una ambientación más humana al film. Es inevitable, al parecer, que los directores que pasan a las "grandes ligas" se sometan a un ritmo de trabajo que no da ese caracter íntimo propio de las películas de cine arte. El cine comercial se nota a lo lejos y cae mal en los ojos de los que quieren ver películas sin el adjetivo "banal" en su reseña. La forma de tratar la imagen caracteriza a la obra como si fuera un commoditie, desentendiéndose de la gran gracia que tiene la séptima de las artes: una obra única, digna de ser apreciada por todos y con la capacidad de masificar su mensaje en esas dos horas de proyección.

Las películas de Alex de la Iglesia no han pasado desapercibidas por las salas mundiales. Siempre se les ha encontrado algo que las posiciona dentro del rango valorable. Sin embargo, "Los Crimenes de Oxford" está lejos de ello. Quizás sea una película de prueba que sirve para reconocer las dificultades que se tienen al momento de realizar una película con un formato - y un objetivo - distinto, ejerciendo el rol de trampolín para abordar películas más complejas dentro de la misma área de lenguaje foráneo. De hecho, De la Iglesia ya está incursionando en otras películas "extranjeras" que quizás le devuelvan la magia que alguna vez le conocimos en películas como "El Día de la Bestia". Esperamos que sea así.

Calificación: 4/7

Trailer de "Los Crimenes de Oxford"

Tony Manero

"Tony Manero"
Director: Pablo Larraín
Guión: Alfredo Castro, Pablo Larraín, Mateo Iribarren
Elenco: Alfredo Castro, Amparo Noguera, Hector Morales, Elsa Poblete, Paola Lattus
Chile, 2008

Sin Alfredo Castro, Tony Manero no es una película que impacte. Sin embargo, Castro sí está y cumple un trabajo extraordinario. Con su talento logra olvidar algunos abismos que presenta la cinta dirigida por Pablo Larraín, llevándola a una categoría a la que incluso Cannes - uno de los más prestigiosos festivales de cine del mundo - supo valorar. Si bien no obtuvo premio alguno, la crítica internacional la trató de buena manera, elevando las expectativas de la cinta por sobre el umbral normal al que está habituado el público chileno al momento de apreciar sus películas. Quizás esto haya jugado en contra de la segunda película de Larraín, ya que la película en planos generales no es del todo completa, decepcionando en parte al público.

Si bien estas altas expectativas generadas en el extranjero eran sopesadas por el mal inicio de Larraín en la pantalla grande con "Fuga" (2006), la esperanza nacional por esta cinta, a la que la prensa europea comparó al protagonista con Al Pacino, estaba situada en un pedestal que implicaba un éxito seguro. Sin embargo, la historia no logra ser lo suficientemente precisa para encantar al espectador, debiendo recurrir al manejo técnico como su principal arma de atracción. En este aspecto, "Tony Manero" se destaca del resto al presentar una mirada novedosa que escapa de lo que se está acostumbrado por lo cual se sitúa dentro de la categoría de "apreciable".

El director fue sabio al elegir a Castro como el protagonista de su nueva película ya que sin duda era lo mejor de su paupérrima opera prima "Fuga", en la cual desarrollaba un papel complejo de un trastornado homosexual. Ahora, el experimentado actor que paradójicamente es un novato en el cine, cumple un rol oscuro y no menos complejo en el cual se transforma al estilo del personaje de "Fiebre de Sábado por la Noche" cayendo en el trastorno mental y la locura. Sus escenas son formidables, destacando aquellas dentro del cine local en que su personaje repite cada uno de los diálogos del "verdadero" Tony Manero - personificado por John Travolta en la cinta dirigida por John Badham - , en la cual la cámara se concentra en su mirada perdida y en sus ojos húmedos reveladores del colapso emocional que vive.

El Chile decadente es otro ingrediente que logra maravillar al espectador. Acorde a la cronología histórica, "Fiebre de Sábado por la Noche" (1977) se estrenaba en el país en plena dictadura de Pinochet, en donde el régimen político impedía la absoluta libertad y el regocijo de la felicidad social. Rodada en los barrios antiguos de Santiago, con la intensidad lúgubre que proporciona un trato más emocional, "Tony Manero" logra traspasar las penurias de esa época en Chile. Escenas ligadas al ambiente político hay pocas, sin embargo son las suficientes para demostrar la cruda época en que se vivía.

Si no fuera por Alfredo Castro, la película no se sostenería. Si bien he dado varios aspectos positivos que transforman a la película en algo valorable, el caso hipotético de la ausencia de Castro descompone toda la cinta. Esto no puede ser en una película de categoría ya que rasgos específicos se transforman en indispensables opacando a varios otros o siendo un sustento para el resto. De todas maneras, la película es floja en temas técnicos como el constante desenfoque, que por momentos se hace novedoso, pero la continuidad de estos termina por agotar. La historia por otro lado, si bien es novedosa, no permite un desarrollo mínimo de personajes, concentrando todas sus fuerzas en el personaje que contiene la historia y que se lleva por ende todos los elogios.

Quizás faltó más en el descenlace. Los finales abiertos siempre han sido atractivos, sin embargo a no toda la gente le parecen cuerdos por el hecho de no cerrar el círculo. En todo caso, existe un círculo que no se logra cerrar... y es la rara sensación de ver una película de esa índole dirigida por el hijo de uno los líderes de la derecha chilena que apoyó el régimen militar, factor fundamental del decadente Chile de esa época. Sería interesante conocer su postura...

Calificación: 5/7