Hierro 3

"Hierro 3"

Título Original: Bin-Jip
Director: Ki-duk Kim
Guión: Ki-duk Kim
Elenco: Seung-yeon Lee, Hyun-kyoon Lee, Hyuk-ho Kwon, Jeong-ho Choi
Corea del Sur, 2004

El hierro 3 es uno de los palos que menos se usan en el golf, lo que concuerda con el estilo desarrollado por Ki-duk Kim en la manera que presenta su relato sobre la vida paralela de una pareja caracterizada por detalles que a más de un espectador impresionarán. La soledad de cada uno se impregna a través del silencio que predomina en toda la obra escaseando en diálogos y utilizándolos en ocasiones en que se produce un punto de inflexión o quizás una catársis dentro de la cinta con lo que las palabras tienen un fundamento esencial para el desarrollo de la obra.

El concepto de imagen es quizás el protagonista de esta idea lo que recuerda la importancia que tiene ésta en el audiovisual. Con pinceladas propias de un maestro, dedicadas y precisas como la sangre oriental sabe hacerlo, "Hierro 3" permite encapsular el amor puro basándose en secuencias y situaciones pausadas sin permitir que el diálogo interfiera entre los sentimientos que expresan los protagonistas. Y es que en materia de guión la historia de Sun-hwa no posee atributos novedosos - lamentablemente vemos violencia intrafamiliar recurrentemente en pantalla -, sin embargo la extraña vida llevada por Tae-suk, el joven motociclista, entrega la pizca aventurera que tanto necesita Sun-hwa para alegrar su vida como al espectador de "Hierro 3" para aplaudir una cinta fuera de lo común.

Ki-duk Kim ha sabido dirigir otras películas extraordinarias caracterizadas por su sencillez y su tremendo aporte como "Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y Primavera" (2003). En esta cinta del 2004 no se queda atrás y demuestra que su talento está innato. Sin embargo hay cosas que son criticables como la débil performance de los personajes principales quizás causada por la difícil postura impuesta por el director de protagonizar una cinta ajena al diálogo oral y cargada al corporal. Además, en el desarrollo de la trama se logra sentir una especie de letargo causado por una monotonía a veces exagerada, pero rescatada con un final inusual que exagera con la esperanza pocas veces divulgada en la sociedad actual.

Sin duda que "Hierro 3" es una película recomendable que permite soñar con aquellas cosas que nos parecen imposibles.

Nota: 5,9

Trailer de "Hierro 3"

Las tortugas también vuelan

"Las tortugas también vuelan"

Título Original: Lakposhtha hâm parvaz mikonand
Director: Bahman Ghobadi
Guión: Bahman Ghobadi
Elenco: Soran Ebrahim, Avaz Latif, Saddam Hossein Feysal, Hiresh Feysal Rahman,Abdol Rahman Karim, Ajil Zibari
Iran, 2004

Bahman Ghobadi, director de origen iraní, ha forjado su carrera en torno a películas que sirven de ventana al resto del planeta de manera que se logre ver el precario estilo de vida llevado por sus compañeros de territorio. El espectador, con una vida bastante más acomodada que la de los protagonistas de esta cinta, no puede quedar indiferente ante la muestra de este creador galardonado en diversos festivales. Y es que "Las tortugas también vuelan" posee un dramatismo pocas veces visto, tiñéndose en parte con una especie de crueldad que acompaña al público hacia el vacío y logrando que su trama quede por mucho tiempo en las retinas de cada uno.

La manera en que esta película de ficción fue filmada le adjudica el adjetivo de cruel. Díficil es pensar que en esta película existan sólo actores. Díficil es sentir que los protagonistas de este largometraje expresen sentimientos falsos y acciones guiadas. Por esto el director, conmovido con la situación, le obsequió una mejor vida a cada personaje de su cinta corrigiéndole algunas de sus limitaciones, corroborando así que el límite del paso hacia un documental es mínimo. Es impactante cómo mediante una sóla imágen, una sóla mirada, aquellos pequeños protagonistas gritan la llamada de auxilio ante un cielo ensordecedor. ¿Logramos escucharlos? Los niños siempre han sido carruajes de sentimientos y emociones debido a su ingenuidad y pureza. Más aún si la historia en donde se desenvuelven es de carácter bélico, producto de que la mayor carga temblorosa se la llevan ellos, a pesar de la inculpabilidad que las criaturas poseen. Es que estos seres indefensos se deben saltar la etapa de la niñez y deben evolucionar a pasos agigantados si el sentido de supervivencia los acoge. Deben ser capaces de digerir lo indigerible, lo que ni un adulto puede asimilar, para llegar a concretar sus objetivos. ¿Y cuáles son estos? ¿Cuál es el motor de seguir luchando? Muchas veces sólo por instinto... Algunas otras no hayan el sentido de necesidad.

Con un ambiente tenso, silencioso, que a veces se hace insostenible por la impotencia de ser sólo un espectador cómodamente sentado, con una música incidental utilizada sólo en escenas de trascendencia, la obra baila gracias al compás de estos niños indefensos, buscadores de afectos, que forman una historia bastante real de la miserable vida llevada por muchos seres humanos dentro de los territorios "objetivos" de los autodenominados mejores del mundo. Y es precisamente esto lo que hace que "Las tortugas también vuelan" posea un idioma universal, generalizando la visión a todo tipo de luchas armadas no sólo en el caso particular del pueblo kurdo. Los que se dicen llamar mejores del mundo, o cualquier otro país "liberador", deben tener la conciencia de que su ataque generará un contraataque debido a que su generalización de los "malos" de la película afecta la mayoría de las veces a personas inocentes, sin voz ni voto, que lo único que desean es vivir en paz y armonía.

Con planos caracterizados por la cultura kurda, realizados en horarios diurnos y nocturnos, con colores vivos y opacos que le otorgan al paisajismo un valor especial, con juegos de luces y de sombras, se muestra a un pueblo tan opuesto al mundo occidental que propone enfocarnos en lo diferente que somos siendo a la vez tan iguales. Cómo en todas las culturas el líder natural es aquel que demuestra un conocimiento mayor como se refleja con el personaje de Satélite. Cómo en todos lados existen aquellos seres que lo dan todo por sacar adelante a su familia a pesar de las distintas dificultades que pudiesen existir como lo demuestra aquel joven sin brazos llamado Hyenkov. Sin embargo lo trascendental de la cinta no está en su calidad cinematográfica ya que no posee atributos que la conviertan en una joya del séptimo arte, sino que radica en la crítica social que propone dejando de lado toda banalidad transformándose así en unas pinzas que pellizcan al espectador despertándolo de la somnolencia para que se pare y actue.

Nota: 6,1

Crash

"Crash"

Director: Paul Haggis
Guión: Paul Haggis

Elenco: Don Cheadle, Matt Dillon, Jennifer Esposito, Thandie Newton, Sandra Bullock, Terrence Howard, Brendan Fraser
USA, 2004

Paul Haggis le ha dado poco tiempo al cine. Quizás por el gusto que siente al crear para la televisión. Sin embargo en el último tiempo ha desviado su postura y se ha centralizado en el celuloide con proyectos para este año ya cimentados como el trabajo, por segunda vez, junto a Clint Eastwood.

El 2004 fue un año de ideas prometedoras para Haggis. Ese año creó sus mejores guiones enfocados en la pantalla grande siendo reconocido por el público por ser el creador de la última ganadora del Oscar "Million Dollar Baby". Sin embargo, ese mismo año, el director nacido en Canada dirigió su primer largometraje en el que propone una mirada crítica con respecto a la visión de los diferentes estereotipos sociales. "Crash" es sin duda un buen pie para decir que Haggis puede dedicarse por completo al séptimo arte.

Poseedora de un tema difícil de afrontar, pero siempre existente, la película camina bajo las líneas propuestas por un director que conoce en demasía lo que hace. Los efectos raciales y sus complicaciones han sido un problema para las culturas mundiales y Haggis demuestra cómo se marca la diferencia con algunos ejemplos situados en el país del norte. Sin embargo "Crash" no alcanza a transformarse en una gran obra debido a que su desenlace es bastante débil. Quizás en este aspecto Haggis pecó y no logró transformar una buena idea en algo tangible.

El elenco posee demasiados nombres reconocidos con lo cual puede vislumbrarse algo de marketing. Sin embargo la película no se basa en eso sino en una historia con la cual uno no puede quedar indiferente. Actores, que no tienen fama de ser extraordinarios como Brendan Fraser y Ryan Phillippe, cumplen su rol de forma acabada. Otros como Don Cheadle y Matt Dillon lo hacen de manera grandiosa. Pero lo particular de la cinta es la cantidad de personajes - con rasgos y vidas peculiares - con los cuales uno no pierde el hilo conductor de la trama resultando un argumento complejo, con historias paralelas bastante loables que desatan una crítica profunda del racismo y nacionalismo imperante en Estados Unidos y, por qué no, en el globo terráqueo.

Como fue citado anteriormente, la película posee un relato vertiginoso que deambula activamente entre los recovecos formados por Haggis, pero de forma lamentable cae en un desenlace bastante lento y obvio que puede producir molestia en el espectador opacando lo ya visto y lo importante que pudo llegar a ser. La cinta con material significativo posee destellos de banalidad en el final que perjudican un trabajo serio y crítico del tema que trama. Es quizás esta la piedra con la cual se tropieza una historia que pudo haber cumplido un impacto aun mayor en la sociedad actual y que pudo haber dejado al pueblo atento a este problema que nos aqueja a todos.

Esperemos que Haggis siga escribiendo historias como esta o como "Million Dollar Baby"... Historias que dejan pensando al espectador... Historias que permiten que el espectador cumpla un rol activo... Historias poseedoras de una mirada crítica sobre algun hecho puntual.

Nota: 6,0

5x2

"5x2"
Director: François Ozon
Guión: François Ozon y Emmanuèle Bernheim
Elenco: Valeria Bruni Tedeschi, Stéphane Freiss, Géraldine Pailhas, Françoise Fabian
Francia, 2004

Creatividad. Esa palabra debe ir implicita en cada producción que el realizador se proponga. El manejo del tiempo que es capaz de proporcionar el cine es un arma bien conocida para la cinematografía actual. Dicho calificativo lo han manejado de manera espectacular grandes directores siendo, en muchos casos, una manera atractiva de presentar una historia mostrándola de una manera diferente, escapándose del tiempo lineal que nos presenta la realidad.

El joven realizador francés François Ozon, director de "8 femmes" y "Swimming Pool", nos entrega su penúltima producción enfocada en el ciclo de vida que desarrollan muchas relaciones amorosas. Con una creatividad y una sutileza propias de él, Ozon separa su propuesta en cinco historias que van del "conocerse" hasta la "ruptura". Su relato posee detalles que transforman a la película en una obra dinámica, sin demasiadas escenas innecesarias, con imagenes magistralmente realizadas y con unas actuaciones elegantes con las cuales más de un espectador se puede identificar.

Sin duda que la actriz principal Valeria Bruni Tedeschi resalta sobre sus compañeros. La interprete de Marion realiza un papel difícil con una sutileza digna de alabar. Ella lleva los hilos de la historia sin una preocupación que se note dejando una propuesta de realismo que permite el traspaso de emociones más allá de lo que uno está acostumbrado a recibir en una sala de cine. El resto del elenco cumple su rol de manera muy acabada, pero no destacan como lo hace la actriz italiana la cual el 2003 se aventuró en la dirección de su propia obra llamada "Il est plus facile pour un chameau...".

"5x2" es una obra que es importante tenerla presente. Es un aporte a la creatividad, a lo sutil de las relaciones humanas, a la importancia que se le debe dar al cuidado de la pareja... Los cortes de escena realizados por el director son espectaculares en algunos casos - noten los cambios de tiempo con música italiana -. Imágenes que demuestran sin palabras lo que ocurre y ocurrirá, poseen una calificación superlativa propia del cine con contenido. Y es esto lo más importante... que al dejar la sala de proyección uno no se va vacío.

Siempre los realizadores de países pequeños - y no tan pequeños - se han quejado del poco apoyo que se les da para el financiamiento de sus proyectos. ¿Es necesario una cantidad de dinero considerable para realizar obras aplaudibles? Estoy de acuerdo con que el financiamiento y el apoyo es poco. Pero hay veces que con lo mínimo se pueden realizar obras hermosas, películas para aplaudir de pie. Concentrémonos en un buen guión como lo hace François Ozon y después discutimos.

Nota: 5,9

Sección Siglo 21: Los Coristas

"Los Coristas"

Título Original: Les Choristes
Director: Christophe Barratier
Guión: Christophe Barratier, Georges Chaperot y René Wheeler
Elenco: Gérard Jugnot, François Berléan, Jean-Paul Bonnaire, Jean-Baptiste Maunier, Maxence Perrin
Francia, 2004

Los niños proyectan sentimientos que sólo ellos son capaces de lograr. En "Los Coristas" la inocencia y la ternura lidian contra la astucia y la picardía logrando una película con una historia bastante bella, llena de esperanza y ejemplificando que el trabajo personal puede lograr cosas más allá de nuestros propios intereses.

El primer largometraje del realizador Christophe Barratier muestra la historia de Clément Mathieu (Gérard Jugnot), un profesor amante de la música que llega a un internado sin pensar en lo que le sucederá en el futuro. La relación que mantiene con los niños a lo largo de la cinta es tan especial que conmueve al espectador creando la imagen de un profesor bastante tolerante prototipo del educador perfecto.

Sin embargo esta interpretación no sería nada si no estuviese ligada a los roles que personifican cada uno de los niños. Sus alumnos crean una atmósfera de rebeldía, al principio propia de la costumbre que mantenían en el internado, que posteriormente se transforma en incredulidad, ante la amabilidad del nuevo profesor objetivo, e incomprensión por la ausencia de castigos en consecuencia de sus malas conductas. La tolerancia y el trato de igual a igual realizado por el nuevo profesor crean un ambiente de educación que se debiera ver en la mayoría de las aulas mundiales.

A través de la pasión del profesor por la música se desarrolla una historia hermosa por su peculiar entrega hacia éste arte y el cariño que logra difundir del mismo a sus pupilos, logrando en ellos cambios de carácter y personalidad. El casting de los niños debió ser complejo ya que debían compartir cualidades de actuación y canto, y es por esto que su resultado no fue del todo óptimo donde necesariamente se dividió a los niños en actores y cantantes dependiendo del rol que ejercían en la cinta. Para el papel de Pierre Morhange, el cual era el niño principal de la obra, se escogió a Jean-Baptiste Maunier quien a sus quince años ha sacado partido al éxito de este film proyectando una carrera de cantante profesional. Lamentablemente en él no se encuentra un talento interpretativo como el que se presenta en Maxence Perrin quien cumple el rol de Pépinot. Éste proyecta sentimientos que no logra ejercer el principal de esta cinta, cumpliendo un trabajo que quedará en el recuerdo de muchos espectadores. Quizás los genes hayan influído, porque el padre de Maxence es Jacques Perrin. ¿Quién es Jacques Perrin? Reconocido actor francés al cual podemos recordar interpretando a Salvatore en "Nuovo cinema Paradiso".

Y aquí es donde notamos que muchas veces el cine funciona mejor cuando se trabaja con cercanos. Christophe Barratier, director de "Los Coristas", fue productor de "Microcosmos: Le peuple de l'herbe" en 1996 y de "Le Peuple migrateur" en 2001, reconocidos documentales sobre la vida silvestre. Aquí ejerció el mismo cargo que Jacques Perrin, por lo que fue aquí cuando conoció a su hijo. ¿Cómo olvidar las miradas de aquel diálogo en que Clément Mathieu le pregunta al joven Pépinot, mientras llegaba al portón del internado, sobre lo que estaba haciendo? "Estoy esperando que sea Sábado. Mi padre vendrá a buscarme." Ese día no era Sábado.

La cinta basa sus pergaminos en la majestuosidad de su música. Bruno Coulais, compositor de la banda sonora, crea una melodía totalmente apropiada que embelesa al ser que la escucha. Pocos compositores logran resaltar su música por sobre lo mostrado en la imágen. Uno es capaz de cerrar los ojos y maravillarse. Es quizás esto un arma de doble filo ya que con el transcurrir de los años, el público al momento de recordar "Los Coristas" puede pensar en su música antes que en su contenido. Ojalá no pase esto y recordemos aquel Sábado en que los aviones de papel descendienden de la sala de clases.

Nota: 5,7

Salvador Allende

"Salvador Allende"
Director: Patricio Guzmán
Guión: Patricio Guzmán
Productor: Jacques Bidou
Editor: Claudio Martínez
Bélgica, Chile, Francia; 2004

Alguna vez Michelangelo Antonioni, director de "Blowup" y "L'Eclisse", dijo que los documentales no podían ser catalogados como creaciones. Para él el hecho de hacer un documental no implicaba el acto de crear por lo que el valor que poseían aquellas obras era inferior al resto. El director chileno Patricio Guzmán, especialista en el área de los documentales y realizador de la trilogía de la "Batalla de Chile", tiene pruebas materiales para rebatir los dichos del director italiano.

"Salvador Allende" muestra la vida de un hombre que luchó por la justicia social, que trabajó para lograr la igualdad entre sus pares, que participó activamente en política desde muy joven y que fue reducido y eliminado por pensar de manera distinta. Expone la vida de uno de los protagonistas del período en donde surgieron las causas del quiebre social que impera en nuestro país... En definitiva, muestra una pincelada de la historia de Chile que se ha tratado de olvidar.

La cinta está llena de material histórico recopilado mediante un trabajo minucioso hecho por un gran equipo técnico. Presenta entrevistas que son de gran valor caracterizadas, la mayoría de las veces, por personajes comunes entregándole así un toque poético a la obra destacando los rasgos típicos de la sociedad chilena. Debemos ponerle atención al relato de Volodia Teitelboim: preocupante lo que ocurre con los íconos históricos. Las imágenes proyectadas, en su conjunto, contienen un singular contraste de sentimientos que aclaran en gran forma las viscisitudes acaecidas durante ese período. El armado del documental está bien estructurado, sin vacíos en el tiempo, con un ingenioso poema final de Gonzalo Millán que deja pensando a la audiencia sobre los vaivenes de la vida.

Es notable como se construye la historia en base a hechos. Conocer gracias a los propios protagonistas las realidades ocurridas en ese tiempo. Sin embargo, es peligrosa la facilidad en que se puede tergiversar la realidad manejando la información a conveniencia de algunos. Se debe tener cuidado con esto... Mucho cuidado si se desea tener alguna opinión en la vida que sea válida.

Para tener una opinión valorable de lo que pasó en aquella época, y en cualquier otra, se debe tratar de investigar desde diferentes fuentes, ya que sólo así es posible formar una idea propia sin el manejo, quizas inconciente, de las personas que te rodean. Es muy fácil ser cómodo y quedarse con una sóla opinión. Lo dificil es tener la valentía de buscar varias y tratar de encontrar "tú" verdad...

Nota: 5,5

La Caida

"La Caida"

Titulo Original: Der Untergang
Director: Oliver Hirschbiegel
Guión: Joachim Fest y Bernd Eichinger
Elenco: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes, Juliane Köhler
Alemania, 2004

Las guerras son siempre un tema atractivo para la industria cinematográfica y en especial la Segunda Guerra Mundial. De hecho Hitler está en la lista de los diez personajes más recurrentes dentro de la historia del cine donde se incluyen a Jesucristo y Dracula. "La Caida" muestra un lado que muy pocas veces es visto dentro de estas innumerables películas... Aquel lado de Adolf Hitler que se escapa a lo animal que representó. Ese lado humano que emerge de las sombras que lo opacaron. Ese lado que está magistralmente representado por Bruno Ganz.

La obra del director de 48 años muestra al Fuhrer en 1945 cuando éste, refugiado en su búnker, vive sus últimos momentos. La desesperación, la pasión, la ignorancia, el miedo; son algunos de los sentimientos que, al momento de ver el film, afloran desde lo más profundo de nuestras almas, llegando a un extremo de aceptación y compasión por el hombre del singular bigote.

El rol que cumple cada personaje en la obra es particular. Ninguno sobra debido a que fueron parte de la historia real, pero sin duda que los actores principales son abordados de una manera extraordinaria habiendo sido reconocidos con diversos galardones de actuación.

El desplante y la caracterización de Hitler es un tema aparte. Bruno Ganz efectúa, quizás, la mejor interpretación de su carrera, mostrando a un dictador acabado, desesperado, senil, con diversos problemas fisicos y sicológicos. La manera en que reaccionaba ante eventos que no eran de su agrado dejaba atónito al más inexpresivo. La gesticulación de su boca, el movimiento errante de sus manos afectadas por el parkinson, la saliva que escupía de su boca al momento de gritar en un alemán perfecto; proporcionaban un silencio y una inquietud entre los que lo rodeaban y transmitían ese mismo efecto entre los espectadores de la actualidad que observaban. Y este trabajo, a Ganz, le llevó un tiempo prepararlo ya que se instruyó de la vida y obra de Hitler mediante meses de estudio a través de libros, relatos, grabaciones y videos hechos por el mismo dictador. El resultado: extraordinario.

El hecho de hablar en el idioma original le da un toque de credibilidad aun más significativo y esto ocurre generalmente en todas las películas que se basan en momentos de la historia universal. No es lo mismo ver a Cristo hablando inglés que en su idioma original. No es lo mismo tener a Napoleón hablando otro idioma que no sea el propio. En este caso escuchar al Fuhrer gritar en su idioma natal produce un efecto que no es reemplazable por otro.

Las escenas de guerra dejan al público con el corazón en la mano. Ver a ancianos desvalidos escapando de la masacre, olvidados y desesperanzados en las salas de los hospitales abandonados, son parte de las escenas más impactantes de esta película. La pasión con que actuaban los seguidores del regimen Nazi los cegaba de tal manera que cometían actos diabólicos. El contraste entre la inocencia infantil y la desesperación adulta conlleva a la catástrofe.

Una película con actuaciones notables, con un guión que no sorprende del todo, pero con un trabajo digno de valorar, conducen a "La Caída" al sendero de lo "más que rescatable".

Nota: 5,9

La Vida es un Milagro

"La Vida es un Milagro"

Título original: Zivot je cudo

Director: Emir Kusturica

Guión: Emir Kusturica y Ranko Bozic

Elenco: Slavko Stimac, Natasa Solak, Vesna Trivalic, Vuk Kostic.

Yugoslavia, 2004

Para hacer una buena película hay que tomarse su tiempo. Kusturica desde que filmó "Underground" en 1995 ha sacado a la luz sus siguientes realizaciones con un lapso de tres años. El 98 llegó a la pantalla "Gato negro, Gato blanco", el 2001 llegó "Super 8 Stories" y el 2004 surgió "La Vida es un Milagro", cinta galardonada en Cannes el 2004 y en los César el 2005.
Tendremos que esperar hasta el 2007 cuando se estrene "Promise Me This" para ver si es que sigue esta racha... Ahora último se ha subido a un tren rápido por la manera en que ha sacado producciones que nos hace perder el sentido de "tomarse un tiempo". Por el momento parece que el documental de "Maradona", que se estrena el proximo año, estaría fuera de la categoría "Cada Tres Años".

"La Vida es un Milagro" no pierde esa mística yugoslava que entrega el director en cada una de sus obras. Las primeras escenas son hilarantes, llenas de situaciones sacadas de una mente ingeniosa, plagadas de alegría y entusiasmo, los cuales logran traspasar de manera casi natural al espectador que admira sentado desde su butaca.

¿Es una manera distinta de ver la vida? ¿Son situaciones que sólo se dan en regiones como aquellas? El mundo creado por Kusturica es tan fantástico que embelesa a cualquiera, elevandolo a tal magnitud que deja enterrado en el suelo al nuestro. La simple fantasía es la generadora de la impresión. Ver un burro que llora penas de amor, un oso que abre la puerta de una casa, un auto diseñado para avanzar por los rieles del tren, son características que le entregan a la película un punto de vista de creación que no se ve muy a menudo. Y lo interesante es que todas estas situaciones pueden ser posibles en el "mundo real", por lo tanto hacen que la historia no pierda el sentido de la realidad.

Pero no todo es color de rosa en la última obra del director y compositor nacido en Sarajevo. Como bien dije, la película comienza con un ritmo increíble que no permite pestañear, sin embargo al poco rato comienza a decaer de manera estrepitosa. El hilo conductor de la historia original se comienza a enredar y se transforma en otra historia la cual se torna lenta y plana. Sólo al final retoma el ritmo del comienzo cuando, de alguna u otra manera, vuelve a la historia original. Pero ya han pasado 155 minutos...

Siempre critico los tiempos. Hay que darse cuenta que son importantes. Cada instante debe tener su valor... Como la vida... Aprovecharla al máximo.

Nota: 5,3

Buenos Aires 100 Kilómetros

"Buenos Aires 100 Kilómetros"

Director: Pablo José Meza

Guión: Pablo José Meza

Elenco: Juan Ignacio Pérez Roca, Emiliano Fernández, Alan Ardel, Hernan Wainstein, Juan Pablo Bazzini

Argentina, 2004

Siguiendo con la tónica de las óperas primas, nos encontramos con la primera realización del director trasandino Pablo José Meza presentada recientemente en el XVII Festival Internacional de Cine de Viña del Mar en la competencia de largometrajes, en la cual ganó finalmente la obra del jóven realizador chileno Matías Bize: "En la Cama".

Nuevamente Argentina lidera la calidad de las producciones sudamericanas (ya que la pelea es ardua con España si de Cine Latino hablamos). Películas como "El Rey" de Colombia o "Cafundó" de Brasil no tienen el peso que caracteriza a "Buenos Aires 100 Kilómetros". El grupo de niños que protagonizan el film muestran sus vidas de tal manera que la alianza que se produce entre la obra y el espectador llega a instancias comprometedoras. Sin embargo, la belleza del film radica sólo en eso, ejecutando una historia bastante banal, típica y sin muchas sorpresas.

El desarrollo de personajes es de una riqueza incalculable. Cómo de manera tan simple podemos llegar a conocer con tanta riqueza la forma de pensar de cada uno... Ese talento entregado por el director a través de los actores es más que loable, y más si éstos son jóvenes cercanos a la edad en que comienza la adolescencia sin ningun trabajo previo cinematográfico. Es inevitable relacionar la cinta con la obra de Rob Reiner "Stand by Me" en donde las amistades de juventud son capaces de generar diversas anecdotas las cuales siguen una analogía común dentro de cada ser humano. Esta es la clave del éxito dentro de "Buenos Aires 100 Kilómetros": la relación que hace el espectador entre las imágenes y sus propias vivencias.

Y es así como sigo insistiendo en que la base de una buena película es la alma que conlleva. Es el espíritu... y este es conformado por su historia, por los diversos aspectos técnicos que transforman la imagen y el sonido en algo palpable, en algo estimulante. Por las sutilezas que producen en el espectador los rasgos entregados por el director y su equipo de trabajo... Es todo esto lo que conforma un trabajo valorable.

Es precisamente esto lo que tienen muchas películas argentinas, seguramente inspiradas en su maestro Adolfo Aristaraín, que es sin duda uno de los mejores directores contemporaneos. Sin embargo nuevamente está en juego el volumen de realizaciones que se producen en ese país comparado con el nuestro. Quizás ahora que el cine nacional está en alza logremos equiparar nuestras fuerzas...

Una última crítica. La organización del XVII Festival Internacional de Cine de Viña del Mar me pareció mediocre. No puede ser que siempre fallen los proyectores, que se desencuadren las imágenes en plena función o que el audio no aparezca dejándonos espacios de cine mudo. No puede ser que siempre ocurran imprevistos tales que las funciones deben ser suprimidas o cambiadas de horario. Llevo más de diez años yendo al festival. Siempre han pasado estas cosas. Si se arreglan quizás pierda su estilo...

Nota: 5,1

La Sagrada Familia

"La Sagrada Familia"

Director: Sebastián Campos

Guión: Sebastián Campos

Elenco: Néstor Cantillana, Patricia López, Sergio Hernandez, Coca Guazzini, Macarena Teke.

Chile, 2004

Tendrán que esperar que sea Semana Santa nuevamente para poder ver la opera prima del jóven director nacional Sebastián Campos, si es que no viajan por el mundo para poder verla en los diversos festivales donde se presenta. Y esto de que se estrene en Semana Santa no es mera coincidencia ya que la película se desarrolla en un fin de semana santo...

Campos ocupó el cargo de director, junto a su amigo Antonino Ballestrazzi, en la producción del año 2002 "Fragmentos Urbanos". Desde esta época ha estado bajo los ojos de la crítica debido a su buena labor en esta serie de cortos que conforman un largometraje, muy común desde que este estilo era sinónimo de éxito... desde la época en que Andrés Wood creó "Historias de Fútbol" (1997) o en que Cristián Galaz desarrolló "El Chacotero Sentimental" (1999). Ballestrazzi en esta ocasión ocupa el cargo de Productor Ejecutivo de "La Sagrada Familia" el cual le va a rendir más utilidades que el bodrio que produjo un año más tarde: "Juego de Verano" (actualmente en las "peores" salas del país).

Hablo de utilidades ya que el director juega con un elemento que pocas veces es usado dentro del ámbito nacional: la originalidad. Ser original es fácil si se quiere llegar a los ojos de las masas. Generalmente, las masas sólo ven lo que se les presenta y no van más allá de sus límites. No tienen el poder de "querer conocer más". Sebastián Campos utiliza un elemento muy famoso dentro del cine europeo, masificado por el movimiento Dogma, que es la cámara en mano. Es esto lo que le da a la obra mayor realismo y un compromiso más cercano con el espectador incluyendolo como si éste fuera parte de la escena. Aunque no llega a tener tanto sentimentalismo como "El Chacal de Nahueltoro" o "Valparaiso Mi Amor", ambas de 1969, que eran las obras tomadas como referencia según el propio director.

Esto de crear una cinta que es diferente a las demás le impone un aliciente que destaca sobre el resto. Sin embargo, el guión siempre ha sido la base de una buena obra. Si este es débil, la obra por más que tenga recursos novedosos, se desploma. Esto no le ha ocurrido a "La Sagrada Familia"... aunque estuvo a punto. Los roles de Juan Pablo Miranda y Mauricio Diocares son tan inútiles que si desaparecen de la obra ésta queda igual. Diálogos sin sentido abundan dentro de la cinta a tal punto que da risa. A pesar de esto, estos impases son arreglados gracias al desarrollo de algunos personajes y la personificación que les dan a ellos mismos los actores. Algunos, sin mayor diálogo, ejecutan sutilezas que transforman a la obra en rescatable.

Rescatable... Creo que ese es el adjetivo que le pondría...

Nota: 5,0

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