Actividad Paranormal

"Actividad Paranormal"
Título Original: Paranormal Activity
Director: Oren Peli
Guión: Oren Peli
Elenco: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs, Amber Armstrong
USA, 2007

Cuando hace 10 años surgió "The Blair Witch Project" (1999), el mundo fílmico por momentos se quedó pensativo del poder que puede tener un video casero. El marketing gestionado en ese entonces daba a todas luces de que el material era real y que efectivamente lo mostrado en pantalla le ocurrió a un grupo de jóvenes. En esa misma época,llegaba a las pantallas chilenas "Alien Abduction: Incident in Lake County" (1998), la cual también se prendaba de hechos reales para llamar la atención de la audiencia amante de lo desconocido. Sin embargo, la multitud asustada en un comienzo logró reaccionar dándose cuenta de todo el montaje de ficción realizado por los creadores, tomando las cintas como simples momentos de diversión de la misma manera como se predispone uno al presenciar una película de suspenso o terror.

Cuando ya ha pasado tanta agua bajo el puente, los videos caseros ya parecen ser infantiles y no proponen nada novedoso al público. Quizás gracias a los avances tecnológicos y a la accesibilidad de una cámara casera, este tipo de películas se acerca más a un trabajo de colegio que a un formato profesional. "Actividad Paranormal" es una obra que no entrega nada y que sólo funciona por brevísimos momentos, dilatando un final obvio que echa más tierra a la sepultura de este formato obsoleto, pasado de moda y cargado de aburrimiento.

Los actores, desconocidos absolutamente para darle realidad al argumento, desempeñan un noble papel acorde a la estupidez norteamericana sin caer en sutilezas y demostrando lo exagerados y poco auténticos que pueden llegar a ser. Sin embargo, ante este escenario, es un tema de ciencias sociales lograr descubrir el por qué a esta película le ha ido tan bien en su circuito comercial, logrando ganancias estratosféricas en comparación con la cantidad invertida en el film. Sin duda que este dato ha llevado al cine a más de algun personaje - en donde me incluyo -, sin embargo debe existir otro componente que activa el ánimo del público para "gozar" obras de este formato, que por un lado carecen de un lenguaje novedoso y que a su vez son tan poco generosas con el aporte audiovisual.

Las similitudes de "Actividad Paranormal" con la película chilena "La Nana" - que el domingo próximo compite por el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera - son varias en torno a su realización. Ambos films fueron desarrollados casi íntegramente en la casa del director, con un formato digital de bajo presupuesto y con actores sin presencia mediatica. Sin embargo, la gran diferencia entre ambas obras es que la norteamericana tiene un sólo propósito: asustar al espectador; en cambio la chilena presenta un argumento sólido, estructurado en torno a actores capaces de ejecutar roles creíbles y con un fin muy diferente: motivar al espectador para que raciocine en torno al papel que cumplen las asesoras del hogar puertas adentro. He aquí la diferencia entre una gran película y una mediocre: entregar un mensaje del cual el público pueda ser partícipe.

Pero si a alguien le gustó esta cinta, puede esperar hasta el 2012 ya que en ese momento se estrenará la segunda parte de esta saga según se afirmó en octubre pasado. Aunque quizás no alcancen... recuerden que ese año se acaba el mundo.

Clasificación: 2/7

Trailer de "Actividad Paranormal"

Ella se fue

"Ella se fue"
Título Original: Grace is gone
Director: James C. Strouse
Guión: James C. Strouse
Elenco: John Cusack, Shélan O'Keefe, Gracie Bednarczyk, Alessandro Nivola, Doug Dearth, Katie Honaker
USA, 2007

Hace poco en Chile se hizo conocido el Festival de Sundance debido a que una película de este país logró el Premio a Mejor Película. Sin embargo, se debe criticar la poca cultura de esta larga franja de tierra en materia cinematográfica, ya que es bien conocido a nivel mundial la importancia que tiene ese festival en el mercado del cine independiente. "Ella se fue" obtuvo hace dos años el Premio del Público y el Premio a Mejor Guión del certamen estadounidense, posicionándose de esta forma en el ojo de las distribuidoras del globo. A pesar de esto, tuvimos que esperar dos años para que la opera prima de James C. Strouse aterrizara en las salas locales de manera que el público pudiese apreciar el por qué John Cusack fue aplaudido de pie en diferentes muestras internacionales.

Con la música de Clint Eastwood la película deambula entre lo conciso y lo formado, encontrando aristas de emoción que no logran llegar a un buen termino por la falta de carácter que presenta la obra. Si bien Cusack crea un personaje que representa de gran manera el complejo problema de comunicación que vive, el resto de sus protagonistas no ejerce un rol que construya dentro del argumento una línea de comunicación directa con el espectador. Es así como la emoción que se forma no es capaz de conmover como debería, considerando que el guión original basado en una idea real tiene todas las características para hacerlo.

La pérdida de una madre es siempre un tema que conmueve. De hecho, personalmente puedo decir que una de las sensaciones más terribles que he tenido en mi corta vida es despertarme luego de haber tenido el mal sueño de que mi madre moría. Es así como el tema siempre estará latente dentro de la historia de la humanidad - y más aún si se sitúa en el contexto de las guerras -, con la misma potencia y la complicada tarea de informarlo para aquellos que aún pertenecen al mundo de los vivos. ¿Cómo se hace esto? ¿Cuál es la mejor forma de decirle a un hijo o hija que su madre acaba de partir para siempre? El problema es esa palabra: siempre. La absolutez temporal que posee acaba por desgatar las mentes racionales, cayendo en la compleja situación del desamparo.

Las líneas de perspectiva que el director propone, hacen de la trama algo monótono con un final conocido desde el comienzo que sólo tiene la emoción de la espera. Si bien se debe valorar que con un reducido elenco se logra mantener la tensión sin caer en el bostezo fácil, la película deja un gusto a poco acompañado de no haber aprovechado una buena idea. Lo nuevo de Strouse al parecer se viene más potente que esta obra reflejando que haciendo cine se aprende y probando con "The Winning Season" que la comedia podría ser el género al cual se debe dedicar.

Calificación: 4/7

Trailer de "Ella se fue"

Antes que el diablo sepa que has muerto

"Antes que el diablo sepa que has muerto"
Título Original: Before the Devil Knows You're Dead
Director: Sidney Lumet
Guión: Kelly Masterson
Elenco: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, Albert Finney, Aleksa Palladino
USA/UK, 2007

Hace tiempo que no veía en la pantalla una obra en que las actuaciones fueran tan sobresalientes que el relato de la misma pasaba a segundo plano. Si bien, la última cinta de uno de los directores más alabados por la crítica y los festivales mundiales posee una línea argumental bastante definida y que en ningún momento decae en abismos sin sentido que hacen colapsar el desarrollo, la idea original no contiene la densidad suficiente para contrapesar el tremendo potencial actoral que la película propone en la cual Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, por momentos, logran erizar los pelos con sus interpretaciones.

Quizás Kelly Masterson necesite más training para redactar una obra que tenga calidad argumental, que tenga vida y sentimientos, que se sufra o que se ría con ella, compenetrando al espectador con la historia para lograr niveles de cercanía que sólo ocurren en la vida real. Sin embargo, a pesar de que este es el primer guión de Masterson llevado a la pantalla y que su inexperiencia puede ser un arma de doble filo, la calidad de Lumet se hace notar ya que la cinta, filmada de una forma estéticamente correcta, se sostiene sin complejidades con esos tremendos pilares que cité anteriormente.

El elenco es la base de esta obra que sin duda debe ser vista. Si bien la historia tiene tintes novedosos que pueden hacerte pensar, es la intensidad de la actuación de cada uno de los personajes lo que hace que "Antes que el diablo sepa que has muerto" sea una película para no dejar pasar.

Calificación: 5/7

Trailer de "Antes que el diablo sepa que has muerto"

La escafandra y la mariposa

"La escafandra y la mariposa"
Título original: Le Scaphandre et le papillon
Director: Julian Schnabel
Guión: Ronald Harwood y Jean-Dominique Bauby
Elenco: Mathieu Amalric, Marie-Josée Croze, Emmanuelle Seigner, Anne Consigny, Max von Sydow
Francia, 2007

Antes de "La escafandra y la mariposa", el director neoyorquino Julian Schnabel dirigió una obra tan humana como la que les presentamos hoy. En esa época llevó a la pantalla la vida de Reinaldo Arenas en la película "Antes que anochezca" (2000), la cual es protagonizada por Javier Bardem y en la que se relata la historia autobiográfica del poeta cubano recopilada en su libro del mismo nombre de la película. En el nuevo film de Schnabel, ahora protagonizado por el ejemplar Mathieu Amalric - al cual podemos ver como el villano de "Quantum of Solace" -, la historia se centra en los últimos días de Jean-Dominique Bauby, recopilados también en el libro homónimo a la película y que terminó de escribir Bauby diez días antes de su fallecimiento.

Jean-Dominique Bauby, reconocido periodista francés que se hizo mundialmente famoso por crear la revista ELLE, tuvo que luchar intensamente para sacar a relucir su mejor arma - la palabra - antes de partir de la vida terrenal. Su forma de ver el mundo, Schnabel la logra representar de gran forma en la pantalla tal como lo hizo siete años antes con Arenas. La forma de estudiar a los personajes, demostrado en los años de preparación de sus películas, se refleja en la pantalla y en el guión del cual esta vez estuvo a cargo de Ronald Harwood, nominado al Oscar por este trabajo y ganador de la misma estatuilla el año 2003 por su guión adaptado de "El Pianista".

La calidad de la cinta va más allá de la historia en sí, en donde las actuaciones en general poseen un aderezo bastante significativo y en donde los personajes más pequeños resultan ser potentes para el desarrollo argumental. La escena de la llamada que le hace Max von Sydow a su hijo, logra atrapar al espectador de una forma en que muy pocas cuentan con ese valor. Por otro lado, la música le otorga un dinamismo a la cinta en aquellos momentos en que el argumento lo requiere. La forma de estar hecha la obra, con una genial realización de los planos subjetivos, implica que tenga un "tempo" pausado de manera de penetrar en el espectador la sensación que experimenta Jean-Dominique Bauby durante su estado. Pero como se ha dicho, la música es el arma perfecta para contrapesar aquellas pausas y establecer el traslado temporal en base al racconto.

Una gran película que no se puede dejar pasar. Si bien no tiene un peso argumental que la instalará como una de las grandes películas de todos los tiempos, su tratamiento audiovisual hacen que la obra no decaiga y se transforme en una película para apreciar.

Calificación: 6/7

Trailer de "La escafandra y la mariposa"

XXY

"XXY"
Directora: Lucía Puenzo
Guión: Sergio Bizzio y Lucía Puenzo
Elenco: Ricardo Darín, Valeria Bertuccelli, Inés Efron, Germán Palacios, Carolina Pelleritti, Martín Piroyansky
Argentina/Francia/España, 2007

La primera película a su cargo y una calidad que sobresale al nivel de adjudicarse los premios más importantes del orbe entre los que se cuentan el Premio de la Crítica de Cannes y el Goya a la Mejor Película Extranjera. Lejos de elevarse a un nivel aplaudible por su factura técnica, "XXY" posee alas exclsuivamente por su tema principal, que es tocado y desarrollado por sus creadores de una forma tan humana y sensata en su línea argumental, que logra sobrecoger a cualquier ser que posea una pizca de sentimientos.

Ricardo Darín, que desde hace algún tiempo es uno de los actores argentinos mejor calificados por los directores mundiales - no por nada trabaja hoy en día en la última película de Fernando Trueba basada en el libro de Antonio Skarmeta llamado "El Baile de la Victoria" -, interpreta al padre que debe lidiar con este problema familiar del cual han tenido que esconderse por años para no sufrir la siempre injusta discriminación social. Junto a su mujer, interpretada por Valeria Bertuccelli, buscan la solución que quizás les retorne la normalidad necesaria para poder vivir tranquilos. Sin embargo, los hechos demuestran la complejidad del tema cuando algo tan íntimo abraza a una familia, tratando de empujarla hacia abajo como si estuviera poniendo a prueba los cimientos que ésta ha construido con el tiempo.

Si bien las actuaciones son claras y precisas, en donde la carga emocional está a flor de piel, en ningún momento el espectador logra impactarse por la calidad de actuación que se aprecia. Sin embargo, la neutralidad que se respira en el ambiente hace que no se identifique la frontera que construye la ficción, otorgándole a la cinta un aura de realismo tan inquietante que logra estremecer al mostrar los hechos que acontecen en esta pantalla que se vislumbra más bien como una ventana, y en donde la actuación de Martín Piroyansky interpretando a un "pavo" Alvaro sobresale.

"XXY" no es una película que funcione como aperitivo o bajativo. Es un plato de fondo en una cena en que el postre no existe. Es una película para reflexionar, para apreciar, para comprometerse con la vida y demostrar que los candados mentales están desapareciendo cada vez en una sociedad que evoluciona y que logra comprender que los obstáculos que nos pone la vida son reales y se deben enfrentar. Sólo así podremos crecer y llegar a lo que queremos ser todos, y que de alguna u otra forma nos hace ser semejantes suprimiendo todo lo que nos pudiese diferenciar: ser felices.

Calificación: 6/7

4 meses, 3 semanas, 2 días

“4 meses, 3 semanas, 2 días”
Título Original: 4 luni, 3 saptamâni si 2 zile
Director: Cristian Mungiu
Guión: Cristian Mungiu
Elenco: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alexandru Potocean, Ion Sapdaru
Rumania, 2007

Si no fuera por Venecia, Cannes o Berlín, muchas películas del cine europeo ni siquiera se asomarían por estas latitudes. Los Festivales de Clase A permiten a las distribuidoras de los distintos países darse el lujo de aportar un poco de cultura en sus tierras mientras las ganancias que consiguen pueden ser auspiciosas por el marketing propio de la película al haber sido galardonada en tan prestigioso festival. De todas maneras, el público en general no está acostumbrado a películas de formato diferente al hollywoodense, lo que implica que cintas como “4 meses, 3 semanas, 2 días” estén presente en tan sólo algunos cines del medio y en horarios bastante reducidos comparado con el resto de los films en cartelera. Se debe tomar conciencia de que el séptimo arte es una forma de expresión tan valiosa como la pintura o la música, y que no es lo mismo ver a un Picasso o a un Rembrandt como así escuchar a un U2 o a un Vivaldi. Se debe tomar conciencia de que el cine es más allá de “la película que entretiene” y que sirve como panorama para gastar ese tiempo en desuso que se tenía durante el día; el cine es una plataforma para ver y sentir desde otra perspectiva en donde el espectador puede cumplir un rol fundamental.

Gracias a Cannes hemos podido ver en celuloide hace poco tiempo “El niño” de los hermanos Dardenne y “El viento que acaricia el prado” de Ken Loach, dos películas de gran factura que aterrizaron en las salas locales con la Palma de Oro bajo el brazo. Ahora es el turno de “4 meses, 3 semanas, 2 días”, película rumana ganadora del festival francés el año 2007 y que trae consigo un manejo escénico excepcional. Con una realización estéticamente parecida a la presentada por los hermanos Dardenne, posibilitando una conducción de sentimientos difícil de vivenciar en otras obras audiovisuales, la cinta se sostiene de principio a fin bajo una idea bastante sencilla la cual es manejada de manera que la tensión logra mantener expectante al espectador.

La forma de abordar la imagen posee esa característica que distingue el cine europeo. Con planos y secuencias en que el espectador se hace partícipe de la escena, Cristian Mungiu logra transmitir el difícil proceso que vive la joven protagonista. A pesar de estar sentados en un cómodo asiento de cine, podemos llegar a taparnos la cara y asimilar el suspenso más puro con tan solo ver lo mostrado por el director. El hecho de considerar cámaras fijas y escenas en que el dialogo es primordial sin anexar corte alguno, hacen que la pantalla se transforme en una ventana que permite el paso del espectador. La película además logra hacer el sólido balance entre la cámara fija y la cámara en mano siendo testigos de lo que ocurre en cada escena como si estuviésemos con Otilia todo el tiempo.

Ese realismo, que se intensifica con la ausencia de música incidental, hace que la obra cale en lo más hondo, donde el argumento, que comienza con un desarrollo bastante avanzado invitando a que se especule sobre lo que transcurre en la cinta, posee una idea general que muchas veces ha estado en el tapete, pero que pocas se ha tomado con esta naturalidad. El film posiciona al espectador en un sitial privilegiado otorgándole más herramientas que a los propios protagonistas, donde incluso el título de la obra posee un valor fundamental. “4 meses, 3 semanas, 2 días” es una invitación al debate, en donde sus protagonistas representan de la forma más verídica posible el tema en cuestión y en donde la sorpresa y las historias anexas dejan abierto el camino para distintas apreciaciones cinematográficas.

Calificación: 7/7

Trailer de "4 meses, 3 semanas, 2 días"

El Orfanato

"El Orfanato"
Director: Juan Antonio Bayona
Guión: Sergio G. Sánchez
Elenco: Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Mabel Rivera, Edgar Vivar, Geraldine Chaplin
España/Mexico, 2007

Los niños son una pieza fundamental en las historias cargadas de suspenso y terror. Su ingenuidad es el señuelo para que los espectadores se mantengan expectantes a través de todo el relato. Es por eso que una gran parte del éxito de películas como "El Exorcista" (1973) o "La Profecía" (1976) se debe a que en sus papeles principales estuviese un niño, siendo éste el puente de unión hacia lo desconocido, hacia lo oculto, hacia el suspenso mismo. En "El Orfanato" no ocurre lo contrario por lo que la cinta no logra zafarse de los cánones clásicos que se han establecido a través de los años, sin embargo el argumento logra desmarcarse de lo cotidiano proponiendo un desenlace novedoso que a pocos deja indiferentes.

El joven director español Juan Antonio Bayona, quien antes de esta película sólo había incursionado en el área de los videos y cortometrajes, tuvo la suerte de encontrar a uno de los "Reyes Midas" que posee Mexico en la actualidad. Guillermo del Toro, director de la sobrevalorada "El Laberinto del Fauno" (2006) y que próximamente dirigirá los comienzos de las aventuras del anillo en la Edad Media en "El Hobbit", produjo la primera película de Bayona lanzándola antes de su estreno a las líneas de visión de los críticos del mundo. Sin duda que esa fue la estrategia de marketing que posicionó a "El Orfanato" dentro de las películas a ser apreciadas dentro del año ya que de hecho su sinópsis mostraba a Guillermo del Toro como presentador de la cinta, restándole importancia al director de ésta debido a que era su primera obra. Está bien que en la actualidad cada vez sea más importante el marketing previo al estreno de una obra, sin embargo se debe ser cuidadoso en esta etapa ya que muchos espectadores pensaron que el ideólogo de esta cinta era el "Midas" mexicano, cuando la realidad era otra...

"El Orfanato" posee un guión bastante liviano en el sentido que permite al espectador moverse a través del relato sin mayores problemas. Además, contiene la pizca necesaria de complejidad que hace de la historia algo menos banal de lo que se está acostumbrado a ver en este género dramático, transformando a la cinta en una obra aplaudible dentro de su clase. Sin embargo, la película patina y pierde el control en el momento del remate final. Los créditos finales se demoran más allá de lo necesario en aparecer impacientando al espectador y produciendo en éste algo de malestar. Una cinta puede ser genial en su inicio y desarrollo, pero si en el final ésta se desploma, el gusto que se lleva el espectador es amargo y el recuerdo de la obra no se instalará en el archivo mental de cada uno. De hecho es tal el nivel de importancia que tiene el desenlace en una cinta que hay películas que sin un argumento superlativo poseen un final impactante logrando situarse en la lista de "inolvidables".

De todas maneras, el desenlace de "El Orfanato" no es malo, sino que pierde un poco el ritmo llevado a través del desarrollo de la obra. Es como cuando una orquesta pierde el compás y distorsiona por momentos la armonía. Sin embargo, esto no logra ensuciar lo mostrado con anterioridad, en donde desde los créditos iniciales - diseñados con gran calidad y muy acorde a la trama - se vislumbra una película con una textura artística bastante sofisticada y con una puesta en escena que escapa de los negativos adjetivos calificativos. Esta es una cinta que sólo se basa en su argumento de fondo, en su dirección de arte, ya que el resto del crew no muestra grandes performances (aunque la fotografía y el sonido no están nada de mal). Si bien, Belén Rueda ejerce un papel bastante complejo que logra llevar a cabo, el resto de las actuaciones no presentan pasajes para valorar. De todas formas el guión no se prestaba para eso, ya que éste está confeccionado para que el espectador pase un rato agradable impactándose y sorprendiéndose con lo mostrado en pantalla.

Calificación: 4/7

Trailer de "El Orfanato"

Defensa a NCFOM & TWBB

DEFENSA
a
« NO COUNTRY FOR OLD MEN »
&
« THERE WILL BE BLOOD »

Estamos sin dudas frente a un momento histórico en lo que a cine norteamericano se refiere. Ya en el último Festival de Cannes, se había remarcado el nuevo opus de los hermanos Coen. Su tema sombrío, nihilista, donde el mal triunfa sin dejar lugar a los sueños ni a nada, daba un aire fresco a la producción norteamericana habituada a las comedias musicales en plástico tóxico y al cine de popcorn.

Lamentablemente en este espacio se han criticado esta película de manera dura e injusta. Considerando que posee metáforas de difícil digestión. Sin embargo, esa difícil digestión es precisamente lo que hace de « No Country… » un film arriesgado y valioso, hecho con un oficio que no se veía en los Coen desde hace varios años.

La frialdad del argumento aquí no es parte de un error, es una elección. Y si ésta no se acepta, es un problema de gusto, no del film en si. Hay que decir que ésta nace de la excelente novela original de Cormac McCarthy, que tiene los mismos vericuetos narrativos y estilo detallista que los Coen supieron llevar a la pantalla de manera muy certera y fina. Y esto no es cosa de fotografia tampoco, porque -a pesar de su talento- Roger Deakins no es el jefe del rodaje. Sino se trata de la puesta en escena de los Coen. De su dirección, donde cada plano esta minuciosamente pensado, montado y es parte fundamental de un relato rítmico y asombroso.

En este sentido, « No Country… » es una obra maestra de lo que hacer pasar emociones en imágenes significa.

Lo mismo podemos decir de « Petróleo Sangriento » y aún más. Estamos frente al único film que puede hacernos pensar en Welles o Kubrick en la escena americana actual.

Su director, Paul Thomas Anderson, ha dado un paso enorme desde su fallida « Punch Drunk Love » y nos entrega su mejor película en su corta y valiosa carrera.

Aquí se dejan sentir los ecos de « El Tesoro de la Sierra madre » de Huston, « Dias de Gloria » de Malick, de « Que verde era mi valle », una obra maestra de John Ford que le ganó el Oscar a «Ciudadano Kane » (algo que no importa a estas alturas).

Este es un film con una mirada radical y crítica al mundo actual, perdido entre la sed capitalista y la locura religiosa. ¿ No creen que Daniel Plainview es el hijo pródigo de la decadencia americana?

La banda sonora compuesta por el guitarrista de Radiohead, Jonny Greenwood, no es la música incidental típica , lejos de eso. Es una obra que más resonancias tiene con Luciano Berio o Gyorgy Ligeti (dos compositores admirados por Kubrick) , y que vive en total armonía con el Concierto para Violín de Brahms que juega el rol de leitmotiv.

En materia de actores. Daniel Day-Lewis y Paul Dano son verdaderos creadores de sus personajes. A tal nivel que sentimos que están poseídos por sus interpretaciones. Sólo escuchando la voz forzada de Day-Lewis, que trabajó por meses y meses, dando elementos para una actuación que sostiene el film de manera brutal, o a Paul Dano poseído por la locura religiosa, son momentos de gran fuerza, que bien meritan premios de la Academia, Palmas de Oro, Leones, Osos, Leopardos o lo que sea.

Pero sobre todo decir que a “ There Will be Blood” le falta una historia es algo que no puede dejarse pasar de manera impune. Y no por respeto a Upton Sinclair, sino porque es exactamente eso donde radica su valor. Esta obra capital nos presenta una historia compleja y única en su puesta en escena, depurada, de extraña simpleza, pero con una profundida tan evidente como uno de esos pozos petroleros construidos a punta de picana, sangre y sudor.

Ambas se merecen nuestro total aprecio. Si no es hoy, lo sera mañana.

NL

No country for old men

"No country for old men"
Director: Joel Coen y Ethan Coen
Guión: Joel Coen y Ethan Coen
Elenco: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Kelly Macdonald, Woody Harrelson
USA, 2007

Que una película gane el Oscar no necesariamente se debe calificar como "buena". Existen diferentes ejemplos de esto a lo largo de la historia. Tampoco se debe calificar a la película ganadora de la estatuilla como la mejor película de ese año ya que en diversas ocasiones es justamente otra, para la gran mayoría de las personas, como la acreedora de ese honor. Ni siquiera como la mejor de las nominadas al cetro ya que en 1991 "Goodfellas" sin lugar a dudas era mejor que "Danza con Lobos", en 1977 "Taxi Driver" era mejor que "Rocky" o en 1942 "Ciudadano Kane" - catalogada por muchos como la mejor película de la historia - era mejor que "¡Que verde era mi valle!".

Este año, "No country for old men" - traducida incorrectamente como "Sin lugar para los débiles" - se adjudicó el máximo galardón del cine estadounidense (no por esto el más importante del orbe) superando a obras que en un enmarcado general pudiesen haber sido superiores. Sin embargo, no por esto la película pasa a ser otra más del montón ya que "No country for old men" será recordada a lo largo del tiempo como aquella película que situó a Javier Bardem en lo alto del olimpo personificando a un sicópata que decidía la vida de las personas "amigables" con el lanzamiento de una moneda (a las "no amigables" no les daba oportunidad) involucrado en un guión potente típico de los hermanos de Minneapolis.

Joel y Ethan Coen se encargan de la dirección y del armado de esta película que muestra la delgada línea que separa lo compasivo de lo brutal y en donde un indiferente - y a la vez colosal - Javier Bardem desencadena una persecución demencial que arroja varias víctimas entre los que se incluyen aquellos espectadores no tolerantes a este tipo de situaciones. El tema del dinero y la poca importancia de la vida humana juegan roles sobre un campo minado que mantiene en vilo a la audiencia por largos minutos y en donde al final el aparato explosivo estalla sin dejar heridos graves, sino que varios confundidos.

Por momentos, el relato se pierde en metáforas de difícil digestión que empañan la línea argumental, sin embargo estos cortes que posiblemente descolocan a cualquiera son compensados por un material rico en escenarios en que la fotografía toca las emociones más profundas como sólo Roger Deakins lo sabe hacer. Deakins es parte de la familia cinematográfica que componen los Coen debido a que los ha acompañado en su periplo fílmico desde "Barton Fink" (1991). Además de Deakins, en la familia cinematográfica se encuentra Carter Burwell quien nació como compositor de películas el mismo día en que Joel y Ethan nacieron como directores - con "Blood Simple" (1984) -. Este cuarteto forma uno de los mejores equipos relacionados con la creación dentro de la industria norteamericana actual ya que por un lado está la genialidad y creatividad de los Coen que son capaces de plasmar un guión potente, y por el otro está la capacidad de captar el mejor ángulo a través del ojo de Deakins, además de la composición del oído de Burwell que otorga la calidez necesaria para balancear la "frialdad" del argumento propio de los creadores de "Fargo" (1996). Si por estos motivos no es necesario apreciar su obra, entonces ¿de qué depende?

Calificación: 6/7

Trailer de "No country for old men"

Petróleo Sangriento

"Petróleo Sangriento"
Título Original: There Will be Blood
Director: Paul Thomas Anderson
Guión: Paul Thomas Anderson y Upton Sinclair
Elenco: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, Kevin J.O'Connor, Ciarán Hinds

Upton Sinclair, escritor de la novela de donde se basa "Petróleo Sangriento", sedujo a directores de la talla de Victor Fleming ("El Mago de Oz" y "Lo que el viento se llevó" ambas de 1939) a mediados del siglo pasado. Casi un siglo después, es el joven director Paul Thomas Anderson quien embelesado frente a la obra de Sinclair lleva a la pantalla uno de los relatos más íntimos sobre el poder del oro negro en la norteamerica de comienzos del siglo XX. El argumento centrado en torno a la transformación del ser humano es sencillo y a la vez potente, en donde Anderson reafirma que su capacidad sigue intacta para contar historias pausadas, con detalles sutiles, diferenciándose de lo usual.

El director y guionista de "Boogie Nights" (1997) y "Magnolia" (1999) logró que Daniel Day-Lewis ejerciera el rol protagónico de su cinta, deleite que pocos directores han conseguido. Y cito la palabra "deleite" porque a mi parecer Daniel Day-Lewis está dentro de los cinco mejores actores contemporáneos, tal como lo propone Martin Scorsese al considerarlo en algunas de sus películas - "La edad de la inocencia" (1993) y "Pandillas de Nueva York" (2002) - luego de notar el tremendo talento que ese joven irlandés desplegaba en "Mi pie izquierdo" (1989) y en "En el nombre del padre" (1993), ambas dirigidas por Jim Sheridan. Sin embargo, Day-Lewis a pesar de su don innato no es un actor que se haya vendido fácil a la industria (como el caso de Robert De Niro) sino que ha elegido "con pinzas" las películas para sus personificaciones. Hay que tener en cuenta que desde "Mi pie izquierdo" - película que lo catapultó al éxito - Daniel Day-Lewis ha actuado en sólo 8 películas lo que corrobora su decisión de trabajar en roles que valgan la pena.

Con esa música incidental típica de las películas de Anderson, "Petróleo Sangriento" muestra la historia de Daniel Plainview, magnate petrolero quien luego de diez minutos de cinta se presenta ante sus clientes (léase como los potenciales inversionistas de petróleo y como los espectadores de la sala de cine). Desde el inicio, la película se nota diferente al retratar sin diálogo alguno la cruda vida del minero. Las posiciones de cámara llaman la atención entrometiéndose en los más oscuros niveles de emoción que irradian los personajes, logrando compartir con ellos la angustia del lugar y la difícil misión que se proponen.

La fotografía de la cinta es sin duda especial como también lo es su área artística. Escenas de la época abundan y la contraposición entre los obreros y empresarios muestra las diferencias que aún persisten un siglo después. La imagen de la picota identifica al obrero tenaz, buscador incesante de la fortuna formadora de cimientos sociales y emocionales. Sin embargo, la película tiene la facultad de invertir las situaciones, ubicando a la picota en un rol diferente: hechicera capaz de ocultar los rasgos que delatan la transformación del ser humano.

Si bien Daniel Day-Lewis realiza un papel que seguramente le otorgará su segundo Oscar, la película no puede estar sustentada en él. "Petróleo Sangriento" posee la calidad de las películas de Paul Thomas Anderson, la sutileza de sus escenas bien formadas, los ritmos pausados y armónicos al compás de la música ligera. Sin embargo, a "Petróleo Sangriento" le falta una historia capaz de embelasar al público masivo, llegando al espectador - a su ser interno - por varias aristas, atacándolo sin tapujos de manera que no escape ante la imponente fuerza del argumento. No todos somos Anderson o Fleming y Upton Sinclair lo tenía claro desde un comienzo...

Calificación: 6/7

Trailer de "Petroleo Sangriento"

Soy Leyenda

"Soy Leyenda"
Título Original: I am Legend
Director: Francis Lawrence
Guión: Akiva Goldsman y Mark Protosevich
Elenco: Will Smith, Alice Braga, Charlie Tahan, Salli Richardson, Willow Smith
USA, 2007

A Francis Lawrence, quien se inició en el mundo audiovisual dirigiendo video clips de figuras pop como Britney Spears o Jennifer Lopez, se le presentó la oportunidad de dirigir “Soy Leyenda” (2007), film de ficción en donde gran parte del crew pertenece a los departamentos de efectos visuales y especiales. Si bien hace un par de años el director de origen austriaco dirigió "Constantine" (2005) la cual también contiene escenas cargadas de fantasía, esta nueva propuesta posee un nuevo desafío: elaborar la idea de un guionista ya reconocido. La participación de Akiva Goldsman en la creación del guión es sin duda una de las ventajas que tiene el film. Goldsman - guionista de películas como “Una Mente Brillante” (2001) o “El Código Da Vinci” (2006) - arma la historia, basada en el libro de Richard Matheson, con un enfoque bastante audaz que por momentos atrapa al espectador intimidándolo con el futuro incierto del protagonista. Sin embargo, esta expectación culmina cuando la película cambia al rumbo esperado en donde la trama pasa a ser uno más de esos falsos argumentos que en películas de este estilo no caen de la mejor manera.

Will Smith desde hace un tiempo ha mejorado ostensiblemente sus primeros roles en la pantalla grande convirtiéndose así en un actor capaz de generar una personificación humana que encaja perfectamente con las sensaciones emitidas durante la proyección de la propia cinta. Si bien aun no es un actor que se desmarque de sus inicios - inevitable es recordar sus lamentables actuaciones en "Independence Day" (1996) o "Wild Wild West" (1999) en donde su sola aparición costaba credibilidad a la cinta - desde "The Pursuit of Happyness" (2006) ha escalado a otro nivel en el cual ya es posible definirlo con otro estilo. En "Soy Leyenda" Smith logra llevar el argumento por un caudal complejo en donde su relación con la perra Sam es más humana de lo que se podría imaginar demostrando el inmenso poder que la relación afectiva tiene transformandose en el principal pilar que sostiene la esperanza de un futuro mejor.

Si bien la cinta decae en su argumento cuando ocurre el giro "inesperado", es loable que la película atrape a la audiencia mediante escenas impactantes de un Nueva York vacío y un suspenso que por momentos mantiene inquieto hasta al más relajado. A pesar de que el objetivo de la película es la mera entretención y no abarca más allá de un razonamiento ligero sobre el poder de la relación afectiva, el balance final de la cinta no es negativo (aunque tampoco es positivo). Sin embargo, hay que tener claro que lo que se recordará es que nuevamente los gringos centran al planeta en Nueva York, que los seres infectados siguen siendo malignos y que Will Smith es el encargado de convertirse en leyenda para salvar a la humanidad...

¿Alguien recordará que la perra Sam era el único sustento que mantenía a Robert Neville luchando? Trabajar las relaciones afectivas es primordial para un argumento sólido. Esta película pudo haber sido un claro ejemplo de que el ser humano es por naturaleza "sociable" y es por eso que sigo creyendo que el enfoque dado por Lawrence y Goldsman fue errado...

Calificación: 3/7

Trailer de "Soy Leyenda"

Leones por Corderos

"Leones por Corderos"
Título Original: Lions for Lambs
Director: Robert Redford
Guión: Matthew Michael Carnahan
Elenco: Robert Redford, Meryl Streep, Tom Cruise, Michael Peña, Andrew Garfield, Peter Berg
USA, 2007

No es sorpresa que Peter Berg, quién desempeña un pequeño papel dentro los que pocos que tiene "Leones por Corderos", se haya asociado con el guionista de la misma Matthew Michael Carnahan para dirigir "The Kingdom" (2007) el mismo año en que se gestó la última película de Robert Redford. Y digo que no es sorpresa porque muchos directores les interesará trabajar en el futuro con este joven guionista quién como primera incursión en el séptimo arte hizo esta película protagonizada por su mismo director en la cual ha relucido una buena faceta crítica que no deja indiferente al espectador levantando su nombre a lo más alto de la industria actual.

Para algunos quizás les resulte extraño ver el nombre de Redford en el rol de director ya que se ha desempeñado pocas veces en ese papel contrastando con su larga trayectoria actoral. Sin embargo, realizando esa labor ha recibido bastantes elogios desde su primera incursión en 1980 llamada "Ordinary People" - con la cual ganó el Oscar a Mejor Director - y en esta última no es menor su trabajo. Con sutileza la película se basa en sólo tres puestas en escena que mediante cortes precisos se trasladan de lugar físico ligadas por un tema en común. Y es precisamente ese tema el que hace que "Leones por Corderos" no sea una película pasajera sino que es más bien una película incisiva que puede calar bien hondo en el espectador si éste ha meditado anteriormente sobre lo que el film propone.

Lo notable de la propuesta es que la película no requiere una parafernalia excesiva en que los efectos especiales y la ambición visual a la que puede llegar su equipo realizador opaquen la esencia del argumento. De hecho la obra podría ser representada en una obra de teatro de buena forma ya que el recurso escenográfico no es difícil de representar. Lo particular de la cinta es que el juego de escasos escenarios y la poca cantidad de personajes se contrapone con el poderío del argumento el cual se basa en conversaciones y diálogos que le otorgan el peso necesario para que la obra sea valorable. Por eso que nuevamente se corrobora lo que siempre he dicho: el guión es la base fundamental de una buena película.

¿Qué hemos hecho en nuestras vidas? ¿Estamos conformes con lo realizado? ¿Queremos seguir viendo la televisión de farándula, echados en nuestro sillón, mientras otros están sufriendo sin recibir ayuda? Quizás debemos replantearnos nuestro estilo de vida y pararnos del sillón para cambiar las cosas. ¡Debemos dejar de ser pasivos!... La forma en cómo "Leones por Corderos" realiza esta critica - centrándose en el gobierno norteamericano, pero abarcando más allá - hace que sus espectadores se cuestiones esas aseveraciones... Si una película logra eso, no puede ser calificada como "mala".

Calificación: 5/7

Trailer de "Leones por Corderos"

Promesas del Este

"Promesas del Este"
Título Original: Eastern Promises
Director: David Cronenberg
Guión: Steven Knight
Elenco: Viggo Mortensen, Armin Mueller-Stahl, Vincent Cassel, Naomi Watts
UK/USA, 2007

Cassandra's Dream

“Cassandra’s Dream”
(Inglaterra, Francia, EEUU. 2007)
Director y guionista: Woody Allen
Director de la Foto: Vilmos Zsigmond
Musica: Philip Glass
Montajista: Alisa Lepselter
Intérpretes : Ewan McGregor, Colin Farrell
Hayley Atwell, John Benfield, Jim Carter
Philip Davis, Sally Hawkins

El último film de Woody Allen viene a confirmar todo lo que he dicho de él a diestra y siniestra luego del estreno de « Match Point » hace un par de años: El gran Woody está de vuelta.

Para hacerlo breve, diré que “Cassandra’s Dream” es una película bien escrita, dirigida con flojera y con una gran sorpresa actoral.

Bien escrita, porque cada uno de sus vericuetos narrativos son delicados, bien pensados, con un final algo perezoso pero que está bien si no nos ponemos demasiado exigentes.

Su flojera en la puesta en escena recae en que Woody ha hecho un film efectivo, divertido (aunque sea un thriller, totalmente sombrío y un dramón al mismo tiempo) sin preocuparse de hacer pasar las emociones a través de sus imagenes por encima de sus palabras. « Match Point » tenía eso, y eso le daba el carácter de obra mayor : inolvidable el primer plano con la pelota de tenis que cae del lado equivocado.

Sin embargo, me quiero detener en alguien a quien siempre había subestimado y que en « Casandra’s Dream » juega un rol magnífico. Las chicas pueden gritar ahora, su nombre : Colin Farrell.

Luego de su paso por los terrenos de « Miami Vice », « Alexander », « SWAT », « Daredevil » y algunas joyitas dispersas como « El nuevo mundo » de Terrence Malick o « The War Zone » de Tim Roth, Farrell era un actorcillo que valía millones de dólares, y que estaba condenado a quedarse en el montón. Sin embargo, el mismo Woody lo dice, para cada actor es un honor actuar en “una de Woody Allen”. Y aquí no sólo es eso.

En este film Farrell hace un rol que va contra su imagen de chico bonito, dejando la puerta abierta a un papel donde se ve gordo, feo, mal afeitado, con las uñas negras (su personaje es el de un mecánico), jugador, bebedor, mitad drogadicto, idiota, obsesivo, depresivo... las tiene todas. Su contraste es un Ewan McGregor limpiecito, inteligente, con una bonita polola, que maneja su personaje al dedillo sin arriesgarse más de la cuenta. Ambos, más bien todos en la película, esconden un secreto negro como las hormigas. Sin embargo, Farrell es capaz de transportarnos al terreno de lo insondable, donde el riesgo de su actuación se siente en cada fotograma. Su trabajo brilla en medio de lo ya conocido.

Cosa aparte es la partitura de Philip Glass, maestro de minimalismo, quien colabora por la primera vez con Woody Allen. Su magnifica banda sonora se hace utilitaria por ser (en ciertas ocasiones) un mero apoyo de situaciones, pero es un deleite escucharla a pesar que venga en los momentos donde el cliché grita “presente”.

Releyendo lo que he escrito, parece que destruyo a Woody, pero no. El oficio del cineasta se nota a cada momento y “Cassandra’s Dream” es una mirada actual de viejos mitos griegos que aun deleitan a la gente. Woody Allen nos cuestiona sobre el rol de la familia, de la honestidad, del amor, de la culpa y de la perdición en un mundo cada vez mas podrido. Y nos presenta una película entretenida, inteligente, profunda, como solo Woody podría hacer.

NL (Paris).

Super Cool

"Super Cool"
Título Original: Superbad
Director: Greg Mottola
Guión: Seth Rogen y Evan Goldberg
Elenco: Jonah Hill, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse, Bill Hader, Seth Rogen, Martha MacIsaac, Emma Stone.
USA, 2007

El año 2007 para Jonah Hill será inolvidable debido a su participación en "Evan Almighty", "Knocked Up" y "Super Cool", tres comedias que han flotado en la laguna mediatica debido a una de las mejores bolsas de aire que se pueden adquirir en el mercado: el triunfo pasado de sus productores. Y es que el común divisor de estas tres películas es "The 40 Year Old Virgin" (2005) película que arrasó dentro de la comedia provocando risas estrepitosas entre sus espectadores y desatando una forma de entretención que pocas veces se demuestra en la pantalla.

Hill, quien interpreta a Seth, inició su carrera hace 3 años - cuando recién cumplía la mayoría de edad norteamericana - logrando situarse dentro de los elencos típicos que satisfacen a la audiencia que busca el humor. Por otro lado se encuentra Michael Cera, actor que personifica a Evan, quien a sus cortos 19 años posee un currículum extenso en cuanto a apariciones en la pantalla logrando así ser uno de los actores con mayor experiencia dentro del elenco de esta cinta. El otro extremo lo ocupa Christopher Mintz-Plass, quien interpreta al tercer integrante del grupo de amigos, para el cual "Super Cool" es su primera incursión en el cine. Y es que esta película está dotada de personas jóvenes, que si bien logran darle un sentido al argumento, su destino es tan obvio que la película pierde peso y cae en el apelativo típico de clasificación.

El ideólogo de "Super Cool" se puede apreciar dentro de la historia. Seth Rogen, quien interpreta a uno de los policías y que a su vez es protagonista de "Knocked Up" película próxima a estrenarse en nuestro país, es productor y guionista de esta cinta dirigida por el desconocido Greg Mottola. Como ópera prima para el cine, el desarrollo argumental no posee bajas fulminantes que quiebren la línea emocional lo que representa un buen indicio para este joven creador. Sin embargo, en materia de propuesta fílmica, "Super Cool" cae en el mismo juego que muchas otras películas de su género, formando el sinónimo (inexistente) entre entretención y banalidad.

La película no contiene actuaciones memorables, no posee una fotografía que impacte, no emite una música que emocione ni tampoco una escenografía que ilumine. La presentación es sencilla por lo que la ejecución de cada uno de esos de aspectos no es significativo. Quizás el director pudo haber jugado más con las imágenes sabiendo que el guión no lograría el peso suficiente para catalogar la película como "buena". Sin embargo, la cinta contiene un humor bastante ácido propio de la juventud actual, que acerca al espectador de ese rango de edad a la esencia de la película proyectando de alguna medida su forma de ver las cosas.

De todas maneras, lo sarcástico está siempre presente y es una de las grandes gracias del film. ¿O acaso todo debe ser tan serio? La vida por momentos no lo es tanto y es por eso que muchos de los espectadores se sintieron identificados en algún pasaje de la película desplegando esa sonrisa cómplice que surgen en esos momentos de recuerdos...

Nota: 4,7

Trailer de "Super Cool"

Desierto Sur

"Desierto Sur"
Director: Shawn Garry
Guión: Trinidad Jimenez Gili
Elenco: Marta Etura, Alejandro Botto, Carolina Varleta, Héctor Noguera, Héctor Morales
Chile, 2007

El viernes pasado se presentó por primera vez la película chilena "Desierto Sur" en el marco del Festival de Cine de Viña del Mar. Al siguiente día, en la premiación del citado festival, recibió la mayor cantidad de premios en la categoría de largometrajes situando su nombre en el medio fílmico y de alguna manera contraponiendo la mirada de este festival con la mirada de su "antagonista", debido a la exclusión que tuvo el mismo film dentro de la selección del Festival de Cine de Valdivia de este año.

Si bien la película presenta un argumento finamente hilado desde un comienzo, con personajes que presentan un potencial importante, llega a un punto que por una extraña razón la historia se descompensa, desencadenando un liviano final que cierra la película con un candado oxidado perdiendo así toda la belleza que la cinta podía lograr. Es quizás en el momento de la edición en donde el futuro de los tres personajes principales se ve truncado sin proponer una arista que dé forma al desarrollo ya gestado. Por esto, la película queda coja al determinar que su principal objetivo era sólo cerrar el ciclo de Sofía (Etura), sin considerar que las historias de Nadia (Varleta) o de Gustavo (Botto) eran de la misma importancia.

Pau Monrás, director de fotografía de la cinta, ejecuta la mejor labor del film. Sin duda que es en ésta área en donde "Desierto Sur" impacta de principio a fin, logrando planos del desierto chileno con una carga de colores asombrosa y ejecutando algunas miradas típicas de la zona transformándose en una buena postal del norte chileno. Si bien en el cine la labor artística es de una importancia elevada, lo esencial es el guión ya que este crea la armonía que dicta el compás de lo mostrado. Si el objetivo de una realización está bien definido, entonces el guión no debería tener problemas ya que es sólo el itinerario de cómo llegar el destino lo que varía. Pero hay que tener cuidado si a esta trama se le agregan historias anexas que ensombrezcan el objetivo final desligándolo de la palabra "principal" y planteando la disyuntiva de cuál historia es más importante.

El espectador tiene la facultad de decidir si los finales abiertos son aptos para una determinada película. Sin embargo, hay que establecer la diferencias entre "abierto" y "truncado", ya que por momentos este último adjetivo propone un corte casi de raíz podando a la obra del crecimiento natural a la cual estaba destinada. A pesar de estas críticas, prometedor se ve el futuro de Shawn Garry en el área cinematográfica ya que en su primera incursión como director logró crear una película bastante aceptable con actuaciones que no dejan de ser valorables. Aplaudible es el rol de Carolina Varleta y de Héctor Morales que por instantes logran la dualidad drama-comedia tan dificil de ejercer dentro del ámbito actoral.

Nota: 5,4

Stardust

"Stardust"
Director: Matthew Vaughn
Guión: Jane Goldman y Matthew Vaughn
Elenco: Charlie Cox, Claire Danes, Michelle Pfeiffer, Robert De Niro, Sienna Miller, Mark Strong, Peter O'Toole
UK, 2007

El joven director inglés Matthew Vaughn ya se había aventurado en la dirección de un largometraje cuando en el 2004 dirigió "Layer Cake", película protagonizada por Daniel Craig antes de que el actual James Bond fuera un personaje reconocido hasta para el más olvidadizo de los espectadores. Con esa cinta no llamó mucho la atención, recurriendo en su segundo intento a actores de renombre que le ejecutaran una campaña de marketing sin un esfuerzo significativo, de manera de situar su obra en la expectación del espectador. Es así como "Stardust", película de fantasía que sigue la línea de muchas otras que aprovechan el auge generado por "El Señor de los Anillos", llama la atención desde un comienzo integrando en su reparto a actores de la categoría de Robert De Niro, Peter O'Toole e Ian McKellen.

Fanático de los comics y de las fantásticas novelas de C.S.Lewis y J.R.R.Tolkien, Neil Gaiman escribió en 1997 la novela en que se basa esta película, narrando la travesía de un adolescente enamorado que busca el mejor regalo que podía recibir la mujer de su vida. Es así como los acontecimientos que por un momento parecen reales, escapan de lo cotidiano logrando un equilibrio entre la belleza de la ficción y ese hermoso mundo que por momentos albergan nuestros sueños. Con una fotografía típica que se nutre de las cámaras aéreas en explanadas montañosas y campestres, el desarrollo argumental de la película se sustenta con la propuesta de distintos géneros que apoyan la entretención del espectador durante la proyección.

En esta ocasión Vaughn presenta a Charlie Cox en el rol protagónico - actor que se le pudo ver en "El Mercader de Venecia" durante el 2004 - lo que es una nueva apuesta del director tal como lo hizo en su primera película con Craig. Si bien Cox se desempeña de manera aceptable, el personaje no posee las características para que un actor demuestre su calidad, por lo que no es posible predecir el futuro de este joven intérprete. Por otra parte Claire Danes, que con sus rasgos toscos intensifica su belleza, realiza un rol angelical que la situa dentro de los parámetros a los cuales se está acostumbrado a ver. Por último, Robert De Niro sigue en la senda de personificar a seres rudos con la faceta cómica, dilatando el retorno triunfal que recuerde sus años junto a Scorsese.

"Stardust" posee una historia infantil que puede ser resumida en una palabra: bonita. No se debe confundir infantil con banal debido a que cada uno de nosotros vivió esa etapa, esa que es clave para el desarrollo futuro, esa que es la causa de por qué cada uno de nosotros es así. Sin embargo, la puesta en escena no demuestra mayores complejidades debido a que su principal público objetivo no está acostumbrado a una participación activa, por lo que el rol del espectador es bastante pasivo recopilando la información que la película entrega sin realizar una mayor acción cerebral. La película entretiene y eso es bastante rescatable, sin embargo si la duración no sobrepasara las dos horas, el resultado hubiese sido mucho mejor.

Nota: 5,3

Trailer de "Stardust"

Hairspray

"Hairpsray"
Director: Adam Shankman
Guión: Leslie Dixon y John Waters
Elenco: John Travolta, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, Nikki Blonsky, Amanda Bynes, James Marsden, Queen Latifah, Zac Efron, Elijah Kelley
USA, 2007

El remake de la obra homónima dirigida por John Waters en 1988, se hace presente en las salas locales bajo la dirección de Adam Shankman quien se desempeña en la industria del cine como coreógrafo en la mayoría de las ocasiones. Si bien ha dirigido películas de bajo perfil dentro de su carrera, este polifuncional personaje no había logrado que su nombre se situara entre aquellos que han aportado a la industria cinematográfica en forma categórica. "Hairspray" es un intento de ello, sin embargo pocos recordarán su nombre ya que no es el único responsable de que la película logre salir a flote a pesar de su guión burdo cargado del típico sentimiento gringo.

Llamó la atención la participación de John Travolta dentro del elenco de esta cinta personificando a una mujer. Pero la caracterización en honor al transformista Divine quien ejerciera el rol de Edna en la original, cumple un papel fundamental dentro de la obra que en conjunto con la participación de Michelle Pfeiffer - que nos recuerda su comportamiento villano-sensual en "Batman Returns" (1992) - y Christopher Walken - que con sus movimientos rememoran el gran video de Fatboy Slim -, completan un elenco en donde la trayectoria se complementa con la juventud formando una sinergia positiva en donde el ritmo y el baile se roban la película.

No es desubicado que se recuerde a "Grease" (1978) con este musical. Muchos de sus componentes emulan a la legendaria cinta de Randal Kleiser, en donde los jóvenes con peinados perfectos bailaban durante toda la película bajo el compás de una música que por años se ha alojado en nuestra memoria. Y sin duda "Hairspray" tiene esa calidad auditiva y visual que un musical debe tener, proyectando los ritmos hacia el espectador de manera que éste sin vacilar comience a mover sus brazos y sus piernas al mismo tiempo que disfruta de las coreografías representadas en la pantalla.

Sin embargo, la película es sólo eso. Si bien los componentes coreográficos dispuestos por el director son acordes a la música pegajosa de Marc Shaiman, la cinta no posee un guión que impacte y emocione, sino que es otra película del estilo norteamericano en donde el final feliz está claro desde el comienzo y en donde la estupidez danza con esos temas interesantes que pueden ser explotados, pero que no son aprovechados. Si el guión no tiene un componente que llame la atención, la película no llegará a un buen destino. Sin embargo, si lo que se desea es crear un espacio de relajo mental en donde la banalidad se transforme en un analgésico, "Hairspray" lo logra y permite que el espectador pase un buen momento mientras está frente a la pantalla.

Nota: 5,0

Trailer de "Hairspray"

Radio Corazón

"Radio Corazón"
Director: Roberto Artiagoitía
Guión: Roberto Artiagoitía y Pablo Illanes
Elenco: Daniel Muñoz, Manuela Martelli, Daniel Alcaíno, Néstor Cantillana, Claudia Di Girolamo, Juana Viale, Tamara Acosta, Amparo Noguera, Felipe Braun
Chile, 2007

Cristián Galaz, quien se ha alejado del mundo cinematográfico para dirigir algunas obras televisivas como la serie chilena "Héroes", estuvo a cargo de "El Chacotero Sentimental: La Película" (1999) que se instaló como la producción chilena más vista de la historia hasta ser destronada por "Sexo con Amor" (2003). Sin duda alguna esta película tendría una secuela debido al impacto mediático que llamó la atención de muchos, sembrando el futuro auge que tuviera el cine chileno desde los inicios de este siglo al revelar que el celuloide puede ser un buen producto de mercado. Sin embargo, su secuela no llegó hasta este año luego de que algunos problemas internos entre sus creadores retardaran la iniciación del proyecto.

"El Chacotero Sentimental" es un programa radial que se ha transmitido por años en diferentes emisoras - últimamente se transmite en Radio Corazón - pero siempre liderada por un mismo hombre: El Rumpy. En este programa los auditores cuentan sus más diversas - e insólitas - historias sexuales de manera de que el locutor se transforme en una especie de consejero o psicólogo que los escuche y los aconseje guiándolos por ese camino que se torna oscuro y lejano cuando se están viviendo situaciones complejas. Esta fue la base para que en 1999 Galaz junto a su equipo realizaran la película en la cual El Rumpy contestaba los llamados de aquellos personajes que creaban el argumento de la cinta. Luego de ocho años, el mismo recurso es utilizado para llamar la atención.

En esta ocasión Roberto Artiagoitía, conocido dentro del ámbito local como "El Rumpy", es el encargado de dirigir la secuela de "El Chacotero Sentimental" titulada "Radio Corazón". En ella se muestran tres historias de distinta índole en la cual destaca la dinámica de cada una. Si bien el primer relato es el único que logra impregnarle alguna expectación debido a la disyuntiva que vive el protagonista hasta el último momento, el resto de las tramas no caen en un abismo logrando mantenerse fieles al desarrollo argumental en donde se encuentran.

Los recursos técnicos empleados no son de un carácter muy fino, llegando en algunas escenas a planos que llaman la atención de lo falso que son. Además, las actuaciones por instantes no se muestran muy prolijas, donde por momentos son los personajes secundarios los que levantan la calidad ejerciendo una mayor versatilidad. Sin embargo, se debe destacar el trabajo siempre interesante de Manuela Martelli, Néstor Cantillana y Amparo Noguera quienes cumplen sus diferentes roles en cada una de las historias de gran manera.

Difícil es cambiar de género dentro de una obra. Pocas son aquellas que logran pasar de la comedia al drama sin abusar de los tiempos necesarios que posee el ser humano para la transición natural. "Radio Corazón" no lo logra del todo. La película comienza de forma avasalladora, con imágenes de cómo el pueblo sintoniza el programa radial, presentando las diversas historias que serán transmitidas en esta oportunidad. La primera de ellas titulada "La Iniciación", despierta todos los sentidos del espectador debido al humor incesante que presenta, sin embargo los sentidos del espectador paulatinamente caen en un letargo que hasta el final de la cinta no despertarán. Si bien el segundo y tercer relato presentan un tema bastante complejo que bien podría ejecutarse dentro de un largometraje, el formato no deja que las situaciones tengan el peso que en realidad deberían poseer cayendo en el típico problema de tiempos. Quizás si el formato hubiese cambiado y en vez de tres historias hubiesen relatado tan sólo una, otro gallo hubiese cantado. Ya veremos como lo resolverán en la próxima entrega de "El Chacotero Sentimental" ya que sin duda ésta existirá.

Nota: 5,2

Trailer de "Radio Corazón"

La Vie en Rose

"La Vie en Rose"
Título Original: La Môme
Director: Olivier Dahan
Guión: Olivier Dahan y Isabelle Sobelman
Elenco: Marion Cotillard, Sylvie Testud, Pascal Greggory, Emmanuelle Seigner, Gérard Depardieu, Jean-Pierre Martins
France, 2007

Cuando les comentaba sobre esta película a mis amigos, ellos me preguntaban sobre la trama. La gracia de esta cinta es que cuenta la vida de un personaje que dejó una huella en la historia de la música por lo que no es muy dificil realizar una sinopsis para aquellos que averiguan primero de qué se trata una obra antes de ir a degustarla. "Es sobre la vida de Edith Piaf" les contestaba yo asegurando que con eso quedarían felices. Pero me di cuenta que muy pocos conocían a la cantante francesa situada dentro de las grandes voces del siglo XX. "Cultura General" me decía mi cuñado extrañado de que tan pocos la conocieran. "La educación cultural es bastante pobre" le contestaba yo...

Caminando por Père Lachaise hace un par de años encontré su tumba, aquella que albergará por siglos los restos de una de las voces francesas más importantes de la historia. Pero mientras apreciaba el lugar de su descanso eterno no imaginé que su vida hubiese sido tan tormentosa y tan difícil. La cultura general no llega a esos límites quizás opacados por la fama y la grandeza de aquellos personajes que estamparon su sello en la historia de la humanidad. ¿Cuántas veces hemos pensado en lo complicado que fue para ellos llegar a la cima? ¿Acaso pensamos en su niñez, en su juventud?

Olivier Dahan nos muestra una película con un argumento bastante dinámico en que la vida de Edith Piaf deambula entre sus últimos días y su desarrollo como mujer y cantante. Precisamente estos cortes temporales hacen que la historia despierte al espectador manteniéndolo expectante logrando así realizar la sinergia entre pasar un buen rato disfrutando una película y conocer la vida de la cantante francesa más importante del siglo pasado.

Dahan, quien el 2002 tuvo la suerte de trabajar con Isabelle Huppert - una de las mejores actrices del orbe - en "La Vie promise", nuevamente consiguió para el papel protagónico de "La Vie en Rose" a otra gran actriz. Marion Cotillard, una de las actrices francesas con mayor proyección, realiza un trabajo notable encarnando a Edith Piaf en sus distintas épocas. La caracterización es tan real que por momentos te olvidas de la actriz y sólo te concentras en el personaje. Si bien la película posee bajas de ritmo que te incita a mover el brazo para ver la hora, el trabajo de Cotillard es tan impactante que su belleza es desechada como muy pocos casting lo hacen otorgándole una mayor importancia al talento y dejando de lado el marketing de su apariencia, por lo que se debe aplaudir de pie el trabajo de reclutamiento de actrices y actores de "La Vie en Rose" ya que en general el elenco está conformado por un gran equipo.

El trabajo de decorados, vestuario y escenografía de la cinta también es bastante valorable logrando ambientar sin ambigüedad la época en que Edith se desenvuelve. Vemos como los años 30, 40 y 50 transcurren a través de la cinta reflejados tan sólo en el ambiente. Y el avance del tiempo no es demostrado solamente por el espacio físico ya que el crecimiento - o decrecimiento - de Edith Piaf se muestra tan natural y tan puro que el espectador logra una compenetración profunda con la cantante parisina logrando entender hasta sus más ínfimas miradas.

El desenlace de la cinta proporciona la emoción esperada. Con su canción más típica nos deja una lección de su vida... El consejo siempre será "amar". Que los niños amen, que los jóvenes amen, que los adultos amen, que los abuelos también lo hagan...

Nota: 6,0

Trailer de "La Vie en Rose"