Sección 90's: El Amante

"El Amante"

Título Original: L’Amant

Director: Jean-Jacques Annaud

Guión: Jean-Jacques Annaud, Gérard Brach, Marguerite Duras

Elenco: Jane March, Tony Leung Ka Fai, Frédérique Meininger, Jeanne Moreau.
Francia, 1992

Siempre he dicho que la música juega un papel esencial dentro del séptimo arte. Gabriel Yared, compositor de diversos soundtracks como “El Paciente Ingles” o “Cold Mountain”, crea el clima y la armonía que circunda esta obra de Jean-Jacques Annaud. En el mismo instante en que se escucha la primera nota del tema principal, se puede reconocer. Al principio se asimila inconscientemente a cierta película conmovedora que alguna vez se haya visto, pero a medida que transcurre la cinta, la intriga se va disipando y la melodía se va transformando en propia de “El Amante”.

Jean-Jacques Annaud (Francia, 1943) presenta la obra homónima de su compatriota Marguerite Duras (1914-1996) de una manera tal vez sencilla, sin grandes actuaciones, con modificaciones propias del realizador cinematográfico para imponer su sello, guiándose en la mayor parte de la trama por lo que dice la novela de Duras. Y esto no le resulta difícil ya que Marguerite presenta un relato apoyado en frases cortas, que no completan las ideas, pero que a su vez sugieren mucho, lo que se torna en un lenguaje muchas veces visual, basado en imágenes, influenciado totalmente por la afinidad de su autora hacia el idioma fílmico. La mujer nacida en Vietnam (lugar donde precisamente se desarrolla “El Amante”), posee un vasto curriculum en el área cinematográfica. Sus obras han colaborado a la industria desde fines de los cincuenta y ella, incluso, incursionó en la dirección desde 1967 (“La Musica”) hasta 1984 (“Les Enfants”) participando en alguna de sus películas como narradora.

“El Amante” es una novela de amor, destinada a un público femenino, debido a que toda la historia está contada desde el punto de vista de la protagonista (que es Duras, por ser un relato autobiográfico), y se habla del hombre desde un punto de vista lejano, sin saber lo que él piensa o siente. Pero de todas formas la novela ha sido acogida por la sociedad mundial otorgándosele distintos galardones donde destaca el Premio Goncourt (1984), el mismo que recibió Marcel Proust en 1919 y Jean Carrière en 1972. La versión fílmica de “El Amante” no se quedó atrás y fue nominada a varios premios entre los cuales resaltan el Oscar a Mejor Fotografía en 1993 y diversos Cesar franceses (Fotografía, Diseño de Vestuario, Edición, Película Extranjera) donde incluso se llevó el premio de Mejor Música Original.

El tema del despertar sexual de la protagonista es manejado por Annaud de una manera, quizás, extrema. Las mejores escenas de erotismo dentro del film no presentan aspectos del acto sexual en sí, sino matices del mismo. Ejemplar es el trabajo que le proporciona el director a la escena de las manos. El amante, interpretado por Tony Leung, sólo hace bailar sus dedos con los de la protagonista (Jane March) al compás de la melodía de Yared. Esta simple imagen, acompañada de la bella música, logra erizar los pelos del espectador transmitiendo toda la sensualidad que se desenvuelve entre los personajes. Las escenas de sexo que tienen los amantes, a veces se tornan monótonas y extendidas en tiempo. Quizás el papel que juega el sexo dentro de la sociedad haya sido un aliciente para que el director aceptara los tiempos y las imágenes mostradas en el film difundido.

El sexo es un motor que mueve a las masas. Las campañas publicitarias muchas veces tienen el tema sexual de trasfondo para incentivar y llamar la atención del potencial consumidor. Y esto ocurre dentro de la televisión para llamar la atención de los espectadores. La industria cinematográfica, al ser masiva, muchas veces trata de promocionar sus “productos” por medio del sexo. No nos debemos sorprender que en nuestra región “Sexo Con Amor” sea la película más vista en la historia del cine chileno. Una película con una trama absolutamente banal, la cual se basa en un tema que es “tabú” dentro de la sociedad chilena. Y es precisamente éste el motor de todo. Y es quizás el motor que le trató de asignar Annaud a su película.

Tanto sexo nos puede nublar la visión y desechar obras dignas de apreciar. Se puede perder a parte del público que no tolera ver tanto. Se debe estar en el equilibrio. Los excesos, a veces, nos juegan en contra. El tema del sexo es un arma de doble filo con el cual se debe ser cuidadoso si se quiere abordar dentro de una obra artística. Como ejemplo nombraré la obra de Lars von Trier “Los Idiotas” la cual pertenece al movimiento Dogma. En ella se ve a un grupo de jóvenes más o menos acomodados que se reúnen tras una consigna singular: vivir como si fueran retrasados mentales. En esta cinta el sexo se muestra en todas sus facetas llegando a escenas al borde de la pornografía. Y es esto lo que le quitó audiencia a la gran obra de von Trier. ¿Fue demasiado lo mostrado? Otro ejemplo es “Irreversible” de Gaspar Noé en donde se muestra una violación cercana a los ocho minutos de duración. Muchas personas no soportaron la escena y se marcharon. ¿Demasiado extenso el tiempo de exhibición o era lo necesario? Estas interrogantes son las que se debe haber planteado Annaud al momento de crear sus escenas. Los resultados ya los conocemos. Ahora nuestra labor es dar la opinión.

Nota: 5,4

Salvador Allende

"Salvador Allende"
Director: Patricio Guzmán
Guión: Patricio Guzmán
Productor: Jacques Bidou
Editor: Claudio Martínez
Bélgica, Chile, Francia; 2004

Alguna vez Michelangelo Antonioni, director de "Blowup" y "L'Eclisse", dijo que los documentales no podían ser catalogados como creaciones. Para él el hecho de hacer un documental no implicaba el acto de crear por lo que el valor que poseían aquellas obras era inferior al resto. El director chileno Patricio Guzmán, especialista en el área de los documentales y realizador de la trilogía de la "Batalla de Chile", tiene pruebas materiales para rebatir los dichos del director italiano.

"Salvador Allende" muestra la vida de un hombre que luchó por la justicia social, que trabajó para lograr la igualdad entre sus pares, que participó activamente en política desde muy joven y que fue reducido y eliminado por pensar de manera distinta. Expone la vida de uno de los protagonistas del período en donde surgieron las causas del quiebre social que impera en nuestro país... En definitiva, muestra una pincelada de la historia de Chile que se ha tratado de olvidar.

La cinta está llena de material histórico recopilado mediante un trabajo minucioso hecho por un gran equipo técnico. Presenta entrevistas que son de gran valor caracterizadas, la mayoría de las veces, por personajes comunes entregándole así un toque poético a la obra destacando los rasgos típicos de la sociedad chilena. Debemos ponerle atención al relato de Volodia Teitelboim: preocupante lo que ocurre con los íconos históricos. Las imágenes proyectadas, en su conjunto, contienen un singular contraste de sentimientos que aclaran en gran forma las viscisitudes acaecidas durante ese período. El armado del documental está bien estructurado, sin vacíos en el tiempo, con un ingenioso poema final de Gonzalo Millán que deja pensando a la audiencia sobre los vaivenes de la vida.

Es notable como se construye la historia en base a hechos. Conocer gracias a los propios protagonistas las realidades ocurridas en ese tiempo. Sin embargo, es peligrosa la facilidad en que se puede tergiversar la realidad manejando la información a conveniencia de algunos. Se debe tener cuidado con esto... Mucho cuidado si se desea tener alguna opinión en la vida que sea válida.

Para tener una opinión valorable de lo que pasó en aquella época, y en cualquier otra, se debe tratar de investigar desde diferentes fuentes, ya que sólo así es posible formar una idea propia sin el manejo, quizas inconciente, de las personas que te rodean. Es muy fácil ser cómodo y quedarse con una sóla opinión. Lo dificil es tener la valentía de buscar varias y tratar de encontrar "tú" verdad...

Nota: 5,5

La Caida

"La Caida"

Titulo Original: Der Untergang
Director: Oliver Hirschbiegel
Guión: Joachim Fest y Bernd Eichinger
Elenco: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes, Juliane Köhler
Alemania, 2004

Las guerras son siempre un tema atractivo para la industria cinematográfica y en especial la Segunda Guerra Mundial. De hecho Hitler está en la lista de los diez personajes más recurrentes dentro de la historia del cine donde se incluyen a Jesucristo y Dracula. "La Caida" muestra un lado que muy pocas veces es visto dentro de estas innumerables películas... Aquel lado de Adolf Hitler que se escapa a lo animal que representó. Ese lado humano que emerge de las sombras que lo opacaron. Ese lado que está magistralmente representado por Bruno Ganz.

La obra del director de 48 años muestra al Fuhrer en 1945 cuando éste, refugiado en su búnker, vive sus últimos momentos. La desesperación, la pasión, la ignorancia, el miedo; son algunos de los sentimientos que, al momento de ver el film, afloran desde lo más profundo de nuestras almas, llegando a un extremo de aceptación y compasión por el hombre del singular bigote.

El rol que cumple cada personaje en la obra es particular. Ninguno sobra debido a que fueron parte de la historia real, pero sin duda que los actores principales son abordados de una manera extraordinaria habiendo sido reconocidos con diversos galardones de actuación.

El desplante y la caracterización de Hitler es un tema aparte. Bruno Ganz efectúa, quizás, la mejor interpretación de su carrera, mostrando a un dictador acabado, desesperado, senil, con diversos problemas fisicos y sicológicos. La manera en que reaccionaba ante eventos que no eran de su agrado dejaba atónito al más inexpresivo. La gesticulación de su boca, el movimiento errante de sus manos afectadas por el parkinson, la saliva que escupía de su boca al momento de gritar en un alemán perfecto; proporcionaban un silencio y una inquietud entre los que lo rodeaban y transmitían ese mismo efecto entre los espectadores de la actualidad que observaban. Y este trabajo, a Ganz, le llevó un tiempo prepararlo ya que se instruyó de la vida y obra de Hitler mediante meses de estudio a través de libros, relatos, grabaciones y videos hechos por el mismo dictador. El resultado: extraordinario.

El hecho de hablar en el idioma original le da un toque de credibilidad aun más significativo y esto ocurre generalmente en todas las películas que se basan en momentos de la historia universal. No es lo mismo ver a Cristo hablando inglés que en su idioma original. No es lo mismo tener a Napoleón hablando otro idioma que no sea el propio. En este caso escuchar al Fuhrer gritar en su idioma natal produce un efecto que no es reemplazable por otro.

Las escenas de guerra dejan al público con el corazón en la mano. Ver a ancianos desvalidos escapando de la masacre, olvidados y desesperanzados en las salas de los hospitales abandonados, son parte de las escenas más impactantes de esta película. La pasión con que actuaban los seguidores del regimen Nazi los cegaba de tal manera que cometían actos diabólicos. El contraste entre la inocencia infantil y la desesperación adulta conlleva a la catástrofe.

Una película con actuaciones notables, con un guión que no sorprende del todo, pero con un trabajo digno de valorar, conducen a "La Caída" al sendero de lo "más que rescatable".

Nota: 5,9

La Vida es un Milagro

"La Vida es un Milagro"

Título original: Zivot je cudo

Director: Emir Kusturica

Guión: Emir Kusturica y Ranko Bozic

Elenco: Slavko Stimac, Natasa Solak, Vesna Trivalic, Vuk Kostic.

Yugoslavia, 2004

Para hacer una buena película hay que tomarse su tiempo. Kusturica desde que filmó "Underground" en 1995 ha sacado a la luz sus siguientes realizaciones con un lapso de tres años. El 98 llegó a la pantalla "Gato negro, Gato blanco", el 2001 llegó "Super 8 Stories" y el 2004 surgió "La Vida es un Milagro", cinta galardonada en Cannes el 2004 y en los César el 2005.
Tendremos que esperar hasta el 2007 cuando se estrene "Promise Me This" para ver si es que sigue esta racha... Ahora último se ha subido a un tren rápido por la manera en que ha sacado producciones que nos hace perder el sentido de "tomarse un tiempo". Por el momento parece que el documental de "Maradona", que se estrena el proximo año, estaría fuera de la categoría "Cada Tres Años".

"La Vida es un Milagro" no pierde esa mística yugoslava que entrega el director en cada una de sus obras. Las primeras escenas son hilarantes, llenas de situaciones sacadas de una mente ingeniosa, plagadas de alegría y entusiasmo, los cuales logran traspasar de manera casi natural al espectador que admira sentado desde su butaca.

¿Es una manera distinta de ver la vida? ¿Son situaciones que sólo se dan en regiones como aquellas? El mundo creado por Kusturica es tan fantástico que embelesa a cualquiera, elevandolo a tal magnitud que deja enterrado en el suelo al nuestro. La simple fantasía es la generadora de la impresión. Ver un burro que llora penas de amor, un oso que abre la puerta de una casa, un auto diseñado para avanzar por los rieles del tren, son características que le entregan a la película un punto de vista de creación que no se ve muy a menudo. Y lo interesante es que todas estas situaciones pueden ser posibles en el "mundo real", por lo tanto hacen que la historia no pierda el sentido de la realidad.

Pero no todo es color de rosa en la última obra del director y compositor nacido en Sarajevo. Como bien dije, la película comienza con un ritmo increíble que no permite pestañear, sin embargo al poco rato comienza a decaer de manera estrepitosa. El hilo conductor de la historia original se comienza a enredar y se transforma en otra historia la cual se torna lenta y plana. Sólo al final retoma el ritmo del comienzo cuando, de alguna u otra manera, vuelve a la historia original. Pero ya han pasado 155 minutos...

Siempre critico los tiempos. Hay que darse cuenta que son importantes. Cada instante debe tener su valor... Como la vida... Aprovecharla al máximo.

Nota: 5,3

Buenos Aires 100 Kilómetros

"Buenos Aires 100 Kilómetros"

Director: Pablo José Meza

Guión: Pablo José Meza

Elenco: Juan Ignacio Pérez Roca, Emiliano Fernández, Alan Ardel, Hernan Wainstein, Juan Pablo Bazzini

Argentina, 2004

Siguiendo con la tónica de las óperas primas, nos encontramos con la primera realización del director trasandino Pablo José Meza presentada recientemente en el XVII Festival Internacional de Cine de Viña del Mar en la competencia de largometrajes, en la cual ganó finalmente la obra del jóven realizador chileno Matías Bize: "En la Cama".

Nuevamente Argentina lidera la calidad de las producciones sudamericanas (ya que la pelea es ardua con España si de Cine Latino hablamos). Películas como "El Rey" de Colombia o "Cafundó" de Brasil no tienen el peso que caracteriza a "Buenos Aires 100 Kilómetros". El grupo de niños que protagonizan el film muestran sus vidas de tal manera que la alianza que se produce entre la obra y el espectador llega a instancias comprometedoras. Sin embargo, la belleza del film radica sólo en eso, ejecutando una historia bastante banal, típica y sin muchas sorpresas.

El desarrollo de personajes es de una riqueza incalculable. Cómo de manera tan simple podemos llegar a conocer con tanta riqueza la forma de pensar de cada uno... Ese talento entregado por el director a través de los actores es más que loable, y más si éstos son jóvenes cercanos a la edad en que comienza la adolescencia sin ningun trabajo previo cinematográfico. Es inevitable relacionar la cinta con la obra de Rob Reiner "Stand by Me" en donde las amistades de juventud son capaces de generar diversas anecdotas las cuales siguen una analogía común dentro de cada ser humano. Esta es la clave del éxito dentro de "Buenos Aires 100 Kilómetros": la relación que hace el espectador entre las imágenes y sus propias vivencias.

Y es así como sigo insistiendo en que la base de una buena película es la alma que conlleva. Es el espíritu... y este es conformado por su historia, por los diversos aspectos técnicos que transforman la imagen y el sonido en algo palpable, en algo estimulante. Por las sutilezas que producen en el espectador los rasgos entregados por el director y su equipo de trabajo... Es todo esto lo que conforma un trabajo valorable.

Es precisamente esto lo que tienen muchas películas argentinas, seguramente inspiradas en su maestro Adolfo Aristaraín, que es sin duda uno de los mejores directores contemporaneos. Sin embargo nuevamente está en juego el volumen de realizaciones que se producen en ese país comparado con el nuestro. Quizás ahora que el cine nacional está en alza logremos equiparar nuestras fuerzas...

Una última crítica. La organización del XVII Festival Internacional de Cine de Viña del Mar me pareció mediocre. No puede ser que siempre fallen los proyectores, que se desencuadren las imágenes en plena función o que el audio no aparezca dejándonos espacios de cine mudo. No puede ser que siempre ocurran imprevistos tales que las funciones deben ser suprimidas o cambiadas de horario. Llevo más de diez años yendo al festival. Siempre han pasado estas cosas. Si se arreglan quizás pierda su estilo...

Nota: 5,1

Play

"Play"

Directora: Alicia Scherson

Guión:Alicia Scherson

Elenco: Viviana Herrera, Andrés Ulloa, Aline Küppenheim, Coca Guazzini

Chile, 2005

Este año ha sido abundante en operas primas... Gracias al auge del cine nacional en los últimos años, y por el hecho de tener una mayor cantidad de realizaciones, alcanzamos a recoger buenos resultados dentro de la basura. Uno de estos casos es "Play", el primer largo de Alicia Scherson.

Amparada por los reconocimientos internacionales, la película llegó a las salas nacionales con una expectativa poco antes vista. Escapándose de lo típico, muestra bajo conceptos más bien sicológicos el Santiago... un Santiago que está en las mentes de muchos, pero que muy pocos han conseguido materializar.

Las actuaciones de nuevos rostros sorprenden. Viviana Herrera (Cristina Llancaqueo) hace un rol maduro, lleno de sutilezas que convierten a su personaje en totalmente creíble. Lo mismo ocurre con Andrés Ulloa (Tristán Greenberg). Sin embargo, deberemos observarlos a lo largo de su trayectoria ya que sus personajes no tienen mayores complicaciones de interpretación. Pero es elogiable que Scherson se juegue por actores que no sean parte de la parrilla local, dándole mayor creíbilidad a la historia tal como lo hacía Fellini dentro de sus obras.

El buen dialogo dentro de la obra es escaso. Pero esto no le quita en mayor medida calidad al film, ya que es la imágen la que contagia de sentimientos al espectador. Es la atmósfera la que obsequia. Es la música la que da. Los diálogos incluso a veces son innecesarios y nos retornan a la sala de cine dándonos cuenta de que estamos viendo una película. Podría ser muda y entregarnos lo mismo. Puramente lenguaje musico-visual.

"Considero al espectador como alguien que ya ha visto películas" dijo alguna vez la directora...

Creo que sólo pensó en aquello al determinar que su intención no era hacer una película con un tema netamente comercial como ha sido la tónica, sino todo lo contrario, teniendo como referente a un ser como Hal Hartley. Todo esto la acerca a la tan connotada vanguardia independiente que rinde frutos en festivales y que gracias a ellos tienen dividendos en el ámbito comercial.

La pregunta es... ¿Hubiese sido distribuida en nuestro país si no hubiese tenido tales reconocimientos internacionales?

Creo que nuestra sociedad debe romper las barreras del hollywoodismo... Si no es así nos perderemos los aportes de artistas dignos de valorar...

Por último hay que dejar en claro que nutrirse de buen en cine en nuestro país es poco viable. Las escuelas que lo enseñan son de una calidad nefasta. Se debe viajar y estudiar en el extranjero... Para eso uno debe tener en claro el sacrificio que conlleva, por lo que generalmente nuestros compatriotas que hacen esto realizan trabajos que a los ojos nuestros nos parecen increíbles...

Scherson estudió cine en Cuba y en Chicago... ¿Por algo será, no?

Nota: 5,0

La Sagrada Familia

"La Sagrada Familia"

Director: Sebastián Campos

Guión: Sebastián Campos

Elenco: Néstor Cantillana, Patricia López, Sergio Hernandez, Coca Guazzini, Macarena Teke.

Chile, 2004

Tendrán que esperar que sea Semana Santa nuevamente para poder ver la opera prima del jóven director nacional Sebastián Campos, si es que no viajan por el mundo para poder verla en los diversos festivales donde se presenta. Y esto de que se estrene en Semana Santa no es mera coincidencia ya que la película se desarrolla en un fin de semana santo...

Campos ocupó el cargo de director, junto a su amigo Antonino Ballestrazzi, en la producción del año 2002 "Fragmentos Urbanos". Desde esta época ha estado bajo los ojos de la crítica debido a su buena labor en esta serie de cortos que conforman un largometraje, muy común desde que este estilo era sinónimo de éxito... desde la época en que Andrés Wood creó "Historias de Fútbol" (1997) o en que Cristián Galaz desarrolló "El Chacotero Sentimental" (1999). Ballestrazzi en esta ocasión ocupa el cargo de Productor Ejecutivo de "La Sagrada Familia" el cual le va a rendir más utilidades que el bodrio que produjo un año más tarde: "Juego de Verano" (actualmente en las "peores" salas del país).

Hablo de utilidades ya que el director juega con un elemento que pocas veces es usado dentro del ámbito nacional: la originalidad. Ser original es fácil si se quiere llegar a los ojos de las masas. Generalmente, las masas sólo ven lo que se les presenta y no van más allá de sus límites. No tienen el poder de "querer conocer más". Sebastián Campos utiliza un elemento muy famoso dentro del cine europeo, masificado por el movimiento Dogma, que es la cámara en mano. Es esto lo que le da a la obra mayor realismo y un compromiso más cercano con el espectador incluyendolo como si éste fuera parte de la escena. Aunque no llega a tener tanto sentimentalismo como "El Chacal de Nahueltoro" o "Valparaiso Mi Amor", ambas de 1969, que eran las obras tomadas como referencia según el propio director.

Esto de crear una cinta que es diferente a las demás le impone un aliciente que destaca sobre el resto. Sin embargo, el guión siempre ha sido la base de una buena obra. Si este es débil, la obra por más que tenga recursos novedosos, se desploma. Esto no le ha ocurrido a "La Sagrada Familia"... aunque estuvo a punto. Los roles de Juan Pablo Miranda y Mauricio Diocares son tan inútiles que si desaparecen de la obra ésta queda igual. Diálogos sin sentido abundan dentro de la cinta a tal punto que da risa. A pesar de esto, estos impases son arreglados gracias al desarrollo de algunos personajes y la personificación que les dan a ellos mismos los actores. Algunos, sin mayor diálogo, ejecutan sutilezas que transforman a la obra en rescatable.

Rescatable... Creo que ese es el adjetivo que le pondría...

Nota: 5,0

compañias seguros medicos

Se Arrienda

"Se Arrienda"

Director: Alberto Fuguet
Guión: Alberto Fuguet y Francisco Ortega
Elenco: Luciano Cruz-Coke, Felipe Braun, Ignacia Allamand, Francisca Lewin, Benjamin Vicuña.
Chile, 2005

Claude Chabrol fue critico de cine antes de filmar su primera pelicula. Hay muchos realizadores de gran categoria que primero se dedicaron al mundo de las letras antes de poner en juego su talento audiovisual. Ahora tenemos a un compatriota que siguió los pasos de estos ejemplos... Su resultado: lejos de los otros...

"Se Arrienda" (2005) pierde los sentidos del tiempo desarrollando una trama que termina aburriendo pasados los treinta minutos de pelicula contraponiendose a los canones clásicos de un buen film. Fuguet, entusiasmado por la dirección de su primer largometraje, extiende los tiempos fuera de lo soportable pretendiendo que el espectador resista las ideas elaboradas con detalles inútiles que caen en lo absurdo. Diálogos eternos, sin sentido, pudieron ser suprimidos sin perder en mayor medida el sentido otorgado. El mismo resultado se pudo haber reducido a un mediometraje, pero lamentablemente en nuestro país no se está adaptado para presenciar dichos espectáculos.

La película tiene que ser comercial, gracias a todos los auspiciadores y patrocinadores (pueden corroborarlo si ven en los créditos finales la lista interminable) a los cuales se les debe responder, debido a que la película no posee fondos del estado como muy pocas otras en nuestro entorno nacional. Esto les debe haber sido relativamente fácil conseguir por ser Fuguet el hombre detrás del proyecto. Este es el pilar que es la ayuda fundamental para el sustento de la obra.

El elenco, mayoritariamente iconos de la farandula local, aportan a la comercialización de la película. Sólo dos se salvan... Y se salvan sólidamente... Luciano Cruz-Coke (Gastón) realiza un personaje creíble... Y digo creíble porque se personaje no tiene nada que ver con su persona. Digno de aplauso. Por otro lado se encuentra Ignacia Allamand quien con un personaje sencillo construye un futuro bastante prometedor como actriz. ..

La fotografía, mostrada en mayor medida en la película que está dentro de Se Arrienda, da toques de sutileza que son ayudados por la imagen en blanco y negro. Del resto de la película... mejor no hablemos de "Fotografía".

El resto del film no muestra grandes astucias del director usando planos típicos y sin mayores creaciones. Esto demostraría que la base de la película y lo único que es posible rescatar (que es propio del director) es la historia... Y si es así... Mejor que Fuguet se dedique a escribir...

Nota: 4,6