Criticas de Cine

Regreso... ¿?

2011-08-23T15:04:00.001-03:00

Nuevamente he estado desaparecido. ¿Por qué? Pues porque el trabajo me absorbe y el tiempo desaparece. Sin embargo me he transformado en un genio del tiempo y lucho por no dejar morir este espacio que hace casi 6 años creé en la biblioteca de mi universidad.

Vuelvo... Vuelvo a hacer lo que me encanta...

Corazón Valiente

2011-03-14T21:45:00.006-03:00

"Corazón Valiente"
Tïtulo Original: Braveheart
Director: Mel Gibson
Guión: Randall Wallace
Elenco: Mel Gibson, Patrick McGoohan, Sophie Marceau, Catherine McCormack, Angus Macfadyen, Brendan Gleeson, Tommy Flanagan, David O'Hara
USA, 1995

En 1993 Mel Gibson incursionó por primera vez en la dirección cinematográfica con "El hombre sin rostro", la cual no fue una gran película, pero que le dio el impulso para estar presente dos años después en "Braveheart".

La película sobre la historia de la liberación escocesa, especificamente basada en el personaje de William Wallace, se enmarca en el guión escrito por Randall Wallace (quien no está comprobado que sea descendiente de William), quien a su vez es el cerebro de otra películas mediaticas como "Pearl Harbor" (2001) o "El hombre de la mascara de hierro" (1998). Ahora bien, es justamente eso lo que hace que "Braveheart" no sea del gusto de algunos, sin embargo la película posee una carecterística que muy pocas pueden adjudicarse: la enseñanza en la búsqueda de los objetivos.

Podríamos criticar a la obra mediante su tratamiento audiovisual, quizás pobre en recursos, recurriendo a la majestuosidad del paisaje para atribuirse logros en fotografía; dejando de lado grandes actuaciones que podrían servir como sustento para maravillar aún más al espectador; o elementos de lenguaje cinematográfico no aprovechados del todo por sus cabecillas tecnicos (aunque también se rescatan puntos altos como el vestuario y la dirección de arte). Sin embargo, hay dos elementos que sí destacan en esta obra y que con la facultad de la experiencia, debo decir que si están bien logrados, pueden situar a la película en un nivel superlativo. Es así como la historia (no necesariamente ligada al guión, sino que a la propuesta global que representa), como a su vez la simbiosis que esta tiene con la música compuesta magistralmente por James Horner - ganador del Oscar por "Titanic" (1997) -, hacen que "Braveheart" sea una de las películas que se tienen que ver.

Da lo mismo si Gibson es un mal o buen director. Quizás sus futuras películas no revelan mucho y no se destacan del resto; pero esto más que opacar al norteamericano criado en Australia, engrandecen a la película en cuestión, ya que demuestran que su historia es la importante y la conexión que logra esta con el espectador es de una magia inusual. A pesar de sus casi 3 horas de duración, el film posee un imán que atrapa a cada transeunte adicto al zapping, que sin proponerselo se debe quedar ante la pantalla hasta que los créditos finales comienzan a aparecer.

¿Y esto por qué pasa? Es sin duda por esa magia de la cual hablo. La emoción que entrega el personaje y su fuerza, son de una pureza y una convicción que entusiasman hasta el más parco, de manera tal de que un punto de inflexión puede ser generado en sus pensamientos para así cambiar el switch y pensar que nada es imposible, que con fuerza y perseverancia todo se puede lograr aunque parezca muy lejando. Sólo necesitamos creer en nosotros, sólo basta el poder de nuestras ideas para generar el cambio que queremos... y son aquellas personas que creen en las cosas, que no pierden las esperanzas, los que son conmovidos en aquel momento en que se grita "libertad".

Clasificación: 7/7

Escena de "Corazón Valiente"

Vuelta...

2011-03-13T19:58:00.004-03:00

Hace días, que ya se han transformado en semanas, que quería volver a escribir en este sitio. Han pasado más de 4 meses sin que me apareciera por este lugar con mi pluma adicta al séptimo arte. Y es que ahora terminé con el nicho que comencé junto a un grupo de amigos en vemoscine.com, enfocando mis fuerzas en sólo dos blogs: lasnibat.com y este, en el que ustedes se encuentran. En el primero discutiré sobre temas que a mi parecer parezcan relevantes (publicando dos veces a la semana), y en el segundo me enfocaré en una de mis pasiones: el cine (publicando cada lunes).

Si bien tenemos varias películas en cartelera que bien valen la pena ser comentadas, iniciaré este reencuentro con una película que se ha transformado en un clásico de las nuevas generaciones. Así que preparense para el próximo post, que se viene...

Comer, Rezar, Amar

2010-10-29T16:18:00.004-03:00

"Comer, Rezar, Amar"
Título Original: Eat Pray Love
Director: Ryan Murphy
Guión. Ryan Murphy y Jennifer Salt, basado en el libro de Elizabeth Gilbert
Elenco: Julia Roberts, Billy Crudup, Viola Davis, James Franco, Richard Jenkins y Javier Bardem
USA, 2010

Bastante tiempo ha permanecido en cartelera esta cinta dirigida por Ryan Murphy, el director que se ha encargado de crear series como "Nip/Tuck" o la aclamada "Glee", y es peculiarmente inusual su estadía en los cines ya que su trama no entrega todo lo que se espera. Quizás motivado por la expectación que genera una película ya vista en varios países y que ha recaudado hasta mediados de octubre casi el triple de su costo (60 MMUS$); es que la cinta escala puestos antes de ser vista y de un sopetón cae al suelo sin lograr alcanzar la cima.

Con un metraje absurdo que exacerba el aburrimiento en los primeros minutos - para no decir horas -, la cinta deja su talón de Aquiles al descubierto logrando ser derribada a pesar de contar con un Best Seller de base. El guión adaptado es lo que hace a "Comer, Rezar, Amar" sucumbir dentro de un foso que ni siquiera el dinamismo entregado por el personaje de Javier Bardem - los últimos minutos de película - logran salvar. Si bien el film posee algunas características que bien merece rescatar como son los cortes rítmicos y rápidos en pasajes diversos, la fotografía en los exteriores, o la actuación de Richard Jenkins como un hombre que va a buscar la paz espiritual a la India; el tratamiento argumental mal equilibrado descompensa la obra llevandola a la cesta de las películas mal presentadas.

Permítanme hacer hincapié en el desarrollo argumental de una obra audiovisual. Esta no puede tener instantes demasiado largos que caigan en la monotonía. Esto lo único que hace es afectar al público en un sentido negativo, haciéndole perder la concentración y el interés, llevandolo a un estado no receptivo. Hay películas que si bien abusan de algunos pasajes, estos son absolutamente necesarios para entender el fin de la trama, sin embargo este no es el caso de la película en cuestión, donde Murphy peca de su vaga experiencia en largometrajes y Salt no le ayuda en lo más mínimo para enmarcar la obra dentro de un metraje apropiado.

Quizás en un par de años más, se haga el remake de esta cinta - como es la moda hoy en Hollywood - y el nuevo director entienda bien el concepto y saque a relucir lo mejor de la historia ya que ésta no es la mala, sino la adaptación a la pantalla grande. Temas como los expuestos son interesantes de observar y analizar, y es un pecado que se desaprovechen instancias como estas, donde todo un público acude al cine en busca de algo que nos deje contentos y pensativos, razonando, por ejemplo, las ventajas que tienen esas otras culturas lejanas a la occidental.

Calificación: 4/7

Trailer de "Comer, Rezar, Amar"

Volver al Futuro

2010-10-14T17:00:00.004-03:00

"Volver al Futuro"
Título Original: Back to the Future
Director: Robert Zemeckis
Guión: Robert Zemeckis y Bob Gale
Elenco: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson, Claudia Wells
USA, 1985

Hace 25 años se estrenó una de las películas que me abrió las puertas a este amor que siento por el cine. No por su factura técnica ya que para ese entonces tenía apenas 3 años y no entendía todo lo que involucraba realizar un film, sino por la capacidad que tiene una película de transmitir emociones a tal nivel de involucrarse con los personajes como si fueran parte de tu familia. La historia de "Volver al Futuro" llamaba la atención y encendía la imaginación de todo aquel que la viese, entreteniendo con una historia dinámica que en los años 80 instauró una moda, colapsando las tiendas de skate y los comerciales que vendían la zapatilla nike que usaba Marty McFly.

Robert Zemeckis, director de la cinta, se reunió con su socio Bob Gale - con quien ya había hecho "I wanna hold your hand" (1978) y "Used Cars" (1980) - y además reclutó a Steven Spielberg - con quien ya había trabajado en "1941" (1979) -, para llevar esta idea a la pantalla grande. Junto a Gale - quien tenía una gran experiencia como escritor - escribieron el guión y Spielberg, quien ya tenía varios contactos en Hollywood luego de sus éxitos como "Tiburón", "E.T." e "Indiana Jones", produjo la cinta que en un comienzo iba a ser protagonizada por Eric Stoltz. Y este "comienzo" de Stoltz duró 5 semanas de rodaje, protagonizando incluso escenas que son todo un clásico dentro del film, sin embargo a Zemeckis nunca le convenció su estilo cómico y pidiendo permiso a la producción decidió cambiarlo por el joven Michael J.Fox quien en ese entonces estaba protagonizando a cuadras del set la película "Teen Wolf" (1985). El parecido con Stoltz era notorio por lo que no complicó en demasía el tratamiento del film, no obstante el carisma que entregaba Michael era del completo gusto de Zemeckis quien dio "el vamos" convencido de que por fin había encontrado al protagonista ideal.

Michael J. Fox lideraba este cast en donde también estaban presentes otras figuras, pero que no eran sus nombres la base de la cinta - como suele suceder hoy en día - sino que su trabajo formaba parte de una obra que en la actualidad es reconocida y que se recuerda con alegría. La original historia es quizás la clave de todo. Un auto que viaja en el tiempo - que se le permite romper todas las leyes físicas -, que juega con el pasado, presente y futuro como si éstos pudieran ser manejables; transformaban la fantasía como algo cercano bajo conceptos que sólo el lenguaje de Zemeckis y Gale conocían. Como dije al comienzo, es el puente que se construía, el que dejaba fluir las emociones y la empatía con todo lo que mostraba la cinta. Los espectadores le tomaban un cariño que a pocas obras se les da, y no por nada su historia por más de 25 años ha estado presente dentro de la conciencia cinematográfica mundial.

Hoy, nuevamente sale a la luz la obra de Zemeckis, por cumplir un cuarto de siglo y sus fanáticos - entre los que me incluyo - esperan con ansias que se haga un re-estreno a nivel mundial de la película que lanzó a Michael J. Fox a la fama. Aunque debo decir que su trilogía no es lo que yo admiro, ya que "Volver al Futuro 2" (1989) y "Volver al Futuro 3" (1990) no son para nada de mi predilección ya que sólo fueron realizadas por la ambición de su equipo creativo de obtener más ganancias con su idea original. Es a la primera, a la única, a la que comenzó con tropiezos y que se instaló como una de las mejores películas de la historia, a la que tiene un soundtrack de lujo que vale la pena tener, a la que le hago un homenaje por esta celebración de sus 25 años de vida.

Calificación: 7/7

Teaser de "Volver al Futuro"

El Origen

2010-08-15T09:36:00.007-04:00

"El Origen"
Título Original: Inception
Director: Christopher Nolan
Guión: Christopher Nolan
Elenco: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Ken Watanabe, Dileep Rao, Cillian Murphy, Tom Berenger, Marion Cotillard
USA/UK, 2010

Los sueños se sienten reales cuando estamos en ellos. Es sólo cuando despertamos donde nos damos cuenta que en realidad había algo extraño.

Hace un poco más de dos años, escribí la crítica de la penúltima película de Christopher Nolan - y una de las mejores de la saga de "Batman" - titulada "The Dark Knight". En ese tiempo, dicha película lideraba el ranking público de IMDB. Ahora, su última película "Inception", se instala nuevamente dentro de las Top 10 del ranking, dejando en claro que Nolan no pasa desapercibido entre los espectadores.

A su vez, hace más de dos meses que no escribía por estos lados, debido a problemas de tiempo. Varias películas he visto, pero el momento de escribir se desvanece rápidamente. Sin duda que esto lo tendré que mejorar, pero con una película como "Inception" es imposible dejar de lado las letras.

Christopher Nolan se ha transformado en un maestro de la narrativa audiovisual. Su tempo está a una revolución poco ejercitada dentro del mundo fílmico, creando un ritmo absolutamente dinámico influenciado por la constante música que marca los compases de la obra. Esto ya es parte del sello Nolan, comprobado con éxito en "The Dark Knight" junto a escenas/situaciones cortas y precisas que mantienen alerta a todo su público objetivo.

Otro factor mágico de la cinta, son sus efectos visuales acompañados de una fotografía que calza perfectamente con la propuesta del director. La foto liderada por Wally Pfister - quien ha acompañado a Nolan desde "Memento" (2000) - en momentos juega con el público fanático de los efectos especiales - que por momentos roza lo extraordinario - y en otros con el espectador más técnico, ligado al mundo del cine, con el cual se deleita en escenas como la del espejo infinito en donde la posición de la cámara es un enigma. Esa gracia, pocos realizadores la tienen. Su público objetivo no es sólo el comercial, sino que a su vez, aglomera desde el menos hasta el más culto del género, logrando así abarcar a una masa absolutamente considerable.

Las actuaciones son aplaudibles. Con un elenco de lujo, en que varios nombres de "The Dark Knight" se repiten, pero que en los principales destacan Leonardo DiCaprio - que ya nos está acostumbrando a actuaciones notables -, Joseph Gordon-Levitt - realizando un papel absolutamente diferente al de "500 días con ella" (2009)- y Ellen Page - a quien recordamos de "Juno" (2007), pero que en esta película no logra estar a la altura del resto.

Sin embargo, todo lo anterior no sería suficiente, si es que no estuviera presente un sólido guión. Y el guión es del mismo Nolan. Un trabajo que le tomó diez años en llevar a cabo y que lo demuestra en pantalla con un argumento sin decaimientos, con una línea bastante fuerte que mantiene al espectador expectante, atento a lo que ocurre, imaginando lo inimaginable, dejándose llevar por una idea un poco sobrenatural, pero que en la pantalla parece más cercana de lo pensado. El mundo de los sueños es algo que ha llamado la atención de muchos. El subconsciente - descrito por Freud - participa en este papel, situándolo en un mundo fantástico que se alimenta de hechos que para la gente son ciertos. La comparación entre el tiempo real y el tiempo del sueño, la llamada "patada" que nos despierta cuando sentimos que caemos; son ejemplos de lo cotidiano que establece un lazo de unión entre la ciencia ficción y el mundo real.

Y ya lo he dicho un sin fin de veces... Cuando una película te deja pensando luego de terminada la proyección, cumplió con creces su objetivo. E "Inception" lo hace.

Calificación: 7/7

Trailer de "El Origen"

Nostalgia de la Luz

2010-06-02T13:23:00.006-04:00

"Nostalgia de la Luz"
Director: Patricio Guzmán
Guión: Patricio Guzmán
Directora de Fotografía: Katell Djian
Elenco: Gaspar Galaz, Lautaro Nuñez, Luis Henriquez, Miguel Lawner, Victor Gonzalez, Vicky Saavedra, Violeta Berrios
Francia, 2010

"Ojalá los telescopios pudiesen atravesar la tierra para ubicarlos..."

Hace tiempo que no iba al cine, y es que la cartelera local no me atraía lo suficiente para deleitarme con alguna de sus películas. Ni siquiera para pasar un buen momento, algo entretenido con olor a pop corn. Sin embargo, ayer recibí la invitación del Festival Internacional de Documentales de Santiago donde se estrenaba la última película de Patricio Guzmán titulada "Nostalgia de la Luz". Con la leyenda "hay demasiada ficción en el mundo; el documental es cine de verdad", se abrió el certamen santiaguino con la obra de Guzmán que acaba de recibir los aplausos de Cannes y el galardón de la Revista Premiere como una de las 10 mejores películas del festival francés. Y no estaban en lo incorrecto los entendidos europeos, ya que la película tiene precisamente lo que contiene su título: luz.

El tiempo presente no existe. Siempre he dicho eso y el documental lo reafirma. El pasado es el tiempo en el que vivimos y Patricio Guzmán lo aclara con su relato, destacando la importancia de este y haciendo el paralelo entre la búsqueda de respuestas entre los astrónomos y los familiares de detenidos desaparecidos. Con algunos personajes extremadamente interesantes - de los cuales se pudo haber realizado íntegramente un documental - y otros que caminan al borde de lo prescindible, la película se mueve en una línea ascendente que por momentos comienza a perderse, pero que logra llegar a un final dignamente a pesar de que por momentos los 96 minutos de metraje se hicieron notar. La calidad visual no es lo que caracteriza plenamente a "Nostalgia de la Luz" - a pesar de tener paisajes sumamente hermosos -, sino que es lo interesante de la propuesta y la sencillez con que sus personajes hacen de la memoria algo intrínseco del ser humano.

La emoción no está del todo presente a través del film. Quizás le falte una cercanía con el espectador de manera de integrarlo plenamente en el relato, el cual plano a plano trata de desarrollar una armonía capaz de sensibilizar al más rudo de los videntes. Sin embargo, Guzmán se posiciona desde una perspectiva más informativa que sólo gracias a personajes como Lautaro Nuñez, Violeta Berrios o Gaspar Galáz, encuentra un nicho de emoción que logra despertar las neuronas del público. "Existe una diferencia fundamental entre los astrónomos y los familiares de detenidos desaparecidos: los primeros si no encuentran las respuestas de lo que buscan en el pasado pueden dormir tranquilos; los familiares de detenidos desaparecidos, no."

Es Lautaro Nuñez el que cita una de las verdades más irrefutables del relato. Es absolutamente inconsecuente que los chilenos estemos más preocupados de lo que ocurre hace miles de años - en mención al trabajo astronómico - y no nos preocupemos de revelar lo que ocurrió hace 30 años atrás. Debemos dejar que los tribunales de justicia hagan su trabajo, que los acusados se defiendan, que se sigan los protocolos tradicionales; sin embargo, no podemos tapar el pasado y olvidarlo, ya que es un deber ético revelar y descubrir lo ocurrido para que todos podamos dormir tranquilos al haber obtenido las respuestas que buscábamos.

Escena de "Nostalgia de la Luz"

El Secreto de sus Ojos

2010-04-06T10:01:00.009-04:00

"El Secreto de sus Ojos"
Director: Juan José Campanella
Guión: Juan José Campanella y Eduardo Sacheri
Elenco: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Javier Godino, Guillermo Francella, José Luis Gioia
Argentina/España, 2009

Un hombre puede cambiar cualquier cosa. Su cara, su casa, su familia, su novia, su religión, su Dios. Pero hay una cosa que él no puede cambiar. Él no puede cambiar su pasión...

Hace tiempo que no veía una película latinoamericana tan bien lograda. El cine argentino por años ha liderado la industria de esta zona de América con estandartes y creadores de la talla de Adolfo Aristaraín. Bajo la sombre de este gran director y patrón del país trasandino, ha surgido una nueva generación entre los que destacan Alberto Lecchi, Rodrigo Moreno, Carlos Sorin, Fabián Bielinsky (Q.E.P.D) y Juan José Campanella, siendo este último el que se muestra con mayores proyecciones a nivel mundial por su portafolio de obras entre las que se incluyen, aparte de sus producciones nacionales como "El Hijo de la Novia" y "Luna de Avellaneda", series de televisión norteamericanas como "Ed", "Law & Order", "Six Degrees", "House M.D." o "30 Rock".

De esta manera, Campanella ha sido valorado en la meca del cine desde hace tiempo y ya conoce el lenguaje que satisface a la audiencia del país del norte. Sin embargo, es capaz de enarbolar un lenguaje narrativo que no sólo deleita a las masas, sino que entrega obsequios a aquellos que se involucran con el séptimo arte más allá de la mera entretención. El argumento de "El Secreto de sus Ojos" posee un dinamismo que despierta hasta al ser más cansino, incluyendo giros inesperados que llaman a la sorpresa y diálogos constructivos que mueven las neuronas por sobre lo normal.

Aparte del guión que posee un nivel superior - aunque haya abusado en el metraje de la cinta -, la cinta incluye actuaciones humanas y reales que giran en torno de la verdad, entablando una conversación con un espectador mudo que recibe la información para formarse "la objetividad" del film. Y esta "objetividad" está aliñada con escenas poco comunes, de una factura impresionante, en la cual el joven cinéfilo queda boquiabierto y el espectador común aplaude por la perfección de la misma. De hecho, ya se habla como una de las escenas más espectaculares del cine de los últimos tiempos en la que Benjamín y Pablo buscan al asesino en las gradas del estadio de Racing (y que sin duda fue una de las características importantes para que la película se ganara el Oscar a Mejor Película Extranjera).

Con imágenes que le valieron premios importantes a Félix Monti, la fotografía de la cinta también juega un rol importante dentro de la sinfonía que propone Campanella y en la cual lo inteligente de su argumento y los cambios de ritmo que melódicamente componen la obra, hacen del film un imperdible de los últimos tiempos. Distintas facetas son reveladas a lo largo de "El Secreto de sus Ojos": la importancia del amor, lo difícil de lo cotidiano, lo vil de la envidia, lo destructivo de la venganza; entremezclado con el momento histórico que vivió Argentina en ese tiempo y en el cual los poderes estatales eran corrompidos ante los ojos impotentes de "los cuerdos".

Calificación: 7/7

Trailer de "El Secreto de sus Ojos"

500 días con ella

2010-03-21T10:37:00.005-03:00

"500 días con ella"
Título original: (500) Days of Summer
Director: Marc Webb
Guión: Scott Neustadter y Michael H. Weber
Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Moretz, Matthew Gray Gubler, Minka Kelly
USA, 2009

La ópera prima de Marc Webb ha traído demasiados frutos. Desde situar al director en lo alto de la noticia tras ejercer un rol superlativo hasta que se le asocie con una de las superproducciones que más dólares ha rendido en los últimos años como es "Spiderman". Sin embargo, esto no es comparable con lo mostrado en "500 días con ella" que desde el título comienza a jugar junto al espectador en una propuesta novedosa, llena de momentos y desafíos argumentales, situando a la película en un carro en movimiento que se olvida de la pasividad adormecedora que mancha a miles de obras audiovisuales.

Igual de novatos son los guionistas de la cinta, quienes luego de este batatazo han firmado contrato para escribir la segunda parte de "La Pantera Rosa" protagonizada por Steve Martin. Y es que a Scott Neustadter y a Michael H. Weber le surgieron diferentes oportunidades luego de ser partes de la columna vertebral que sostiene a "500 días con ella", la película en la cual nuevamente volvemos a ver a Joseph Gordon-Levitt en una obra cargada de simbolismo como lo fue "Brick" (2005) o a Zooey Deschanel quien parte del público recordará su trabajo en "Almost Famous" (2000) de la mano de Cameron Crowe.

La cinta narra la simpática visión sobre la media naranja, la cual como un torbellino convierte al protagonista en un pasajero de una montaña rusa emocional que por momento grita al viento su felicidad - notable es la escena post sexo - y que por otros maldice su extraña relación con una mujer que nunca sintió lo mismo por él. Lo interesante de la puesta es el constante movimiento temporal al cual está sujeto el argumento, trasladándose en todo momento entre los días que componen los 500 de relación mediante una imagen que refleja el paso de la estación, sin perder en ningun instante el sentido base de la línea argumental de la película.

"500 días con ella" es una obra basada íntegramente en su argumento, dejando de lado otras aristas importantes del largometraje que para la visión del director, no son parte del engranaje fundamental del film. Para hablar en términos de actualidad, la base estructural de la película está en su guión; y los daños - si es que hubiesen - sólo se presentan a nivel actoral (aunque los trabajos de cada uno, cumplen a cabalidad con el agumento), fotográfico, de edición, entre otros aspectos superfluos para la perspectiva de este tipo de películas (no menciono la música, ya que el producto realizado por Webb integra una variedad musical de calidad). Sin duda que es una apuesta segura para pasar un agradable momento en el cine junto a la novia, un grupo de amigos o simplemente en soledad, ya que la trama permite reaccionar e interactuar con el espectador de manera de proponer un tema de conversación que nunca pasará de moda.

Calificación: 6/7

Trailer de "500 días con ella"

Invictus

2010-02-14T11:27:00.004-03:00

"Invictus"
Director: Clint Eastwood
Guión: Anthony Peckham y John Carlin
Elenco: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Adjoa Andoh, Marguerite Wheatley, Matt Stern
USA, 2009

"How a man could spend 26 years in prison, and forgive the men who did it to him."

El 2009 fue el año de Anthony Peckham. Saltando de obras de bajo calibre, comenzó a trabajar con directores ya consagrados del séptimo arte como Clint Eastwood y el aún joven Guy Ritchie en "Sherlock Holmes". Con estos títulos, el guionista se ha situado en el ojo del huracán ya que ambas cintas poseen un guión dinámico muy acorde a lo que busca el espectador. Sin embargo, es partícipe de uno de los pocos puntos bajos que presenta la última película de Eastwood - sin contar a "Hereafter" que está en postproducción -, ya que si bien el dinamismo juega a su favor, presenta demasiadas escenas cliché y frases de ese estilo, que terminan por acostumbrar al público dentro de los 133 minutos de duración de la cinta.

El acostumbramiento no es amigo de las buenas obras, ya que éstas por momentos están cargadas de sorpresas. Sin embargo, en esta obra específica, la habituación no agota y es motor del encanto por conocer la sabia forma de pensar del líder sudafricano Nelson Mandela. En torno al Campeonato Mundial de Rugby desarrollado en Sudáfrica en 1995, la película transcurre y vive cómo Mandela logró la unidad nacional a través de dicho deporte. Quizás el uso de imágenes relacionadas a los partidos del campeonato fueron usadas en exceso en el desarrollo de "Invictus", las cuales nuevamente invitaban al espectador a ser pasivo dentro de la cinta; éstas no generaban anticuerpos sobre el objetivo primordial de la película: el mensaje de Mandela.

Morgan Freeman cumple un rol extraordinario. Adaptando su voz al dialecto sudafricano, el quintuple nominado al Oscar, representa al lider apresado por 26 años durante el apartheid de una manera en que nadie ha quedado indiferente. De igual forma, Matt Damon con su rol de capitán del equipo de rugby, consiguió una nueva nominación al Oscar, luego de 12 años de su último llamado por la Academia con "Good will hunting" (1998). Y esto sin duda que es gracias al trabajo magistral de Clint Eastwood, quien como director ha logrado relucir los mejores dotes de sus actores como ocurrió con "Río Místico" (2003) - Sean Penn y Tim Robbins ganaron el Oscar a Mejor Actor y Mejor Actor Secundario, respectivamente -, "Million Dollar Baby" (2004) - Morgan Freeman y Hilary Swank ganaron el Oscar a Mejor Actor Secundario y Mejor Actriz, respectivamente - y con "Changeling" (2008) - Angelina Jolie fue nominada al Oscar a Mejor Actriz -. Ahora es el turno de Freeman y Damon que sin duda estarán dentro de los favoritos para quedarse con la estatuilla.

Más allá del trabajo de dirección y guión que es donde está la base de una película, es el mensaje de la obra lo que saca aplausos en "Invictus". Y no es el mensaje propio del film, sino que es lo que Nelson Mandela quiso transmitir en ese momento y que Clint Eastwood le obsequia a través de su trabajo para difundirlo al mundo entero. ¿Cómo un hombre puede pasar 26 años preso y perdonar a quién se lo hizo? ¿Cómo se puede ser tan consecuente con las ideas, si está el orgullo y la posible venganza de por medio? El bien hacia la humanidad está en nuestra manos y por medio de la eduación del prójimo y nuestro propio ejemplo, debemos difundirla entre los que nos rodean. La típica frase "no hagas al otro, lo que no te gustaría que te hicieran a ti" está tan manoseada que muchos la pasan por alto. Sin embargo, quizás sea bueno tomarla en cuenta y ponerla en práctica día a día, de manera tal que los otros sigan tu ejemplo y Mandela se sienta orgulloso de que sus actos al fin rindieron los frutos que él siempre quiso para la humanidad.

Calificación: 6/7

Trailer de "Invictus"

Una Enseñanza de Vida

2010-02-04T19:53:00.004-03:00

"Una Enseñanza de Vida"
Título Original: An Education
Director: Lone Scherfig
Guión: Lynn Barber y Nick Hornby
Elenco: Carey Mulligan, Olivia Williams, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Cara Seymour, Dominic Cooper, Rosamund Pike
UK, 2009

A veces los títulos en español suelen confundir. Si bien en este caso se acerca al título real - no como "Mi pobre angelito" vs. "Home Alone" -, la traducción no es del todo correcta. "An Education" es una película que se sustenta en la idea de uno de mis escritores favoritos. Nick Hornby posee una pluma digna de alabar en donde a través de un dialogo sin bajos, mueve la manivela del argumento en función de una idea con un objetivo simple y preciso: lograr llegar al público. Sus historias caen en lo cotidiano, permitiendo así que el lector se sienta partícipe de ella llegando a sus personajes de manera fácil. Imposible olvidar "Alta Fidelidad" o "Fiebre en las Gradas", ambas llevadas al cine por Stephen Frears y los hermanos Farrelli, respectivamente.

Esta película dirigida por la danesa Lone Scherfig llamó la atención desde su estreno, no sólo por la calidad de la obra en sí basada en un guión potente, sino que a su vez por la tremenda actuación de la joven Carey Mulligan. La directora de "Italiano para Principiantes" (2000) y ganadora del Festival de Berlín, desarrolló en la joven actriz inglesa un personaje que la catapultó a un nivel bastante interesante y en donde se ha mantenido en las nominaciones a los premios más importantes de la actuación mundial. Mulligan, quien comenzó sus pasos actorales cinematográficos el 2005 con la obra "Orgullo y Prejuicio", desempeña un rol fundamental sobrellevando la historia de Hornby y dándole un dinamismo único bajo el carisma y autenticidad que refleja en pantalla. Sin embargo, no es sólo ella quien cumple una actuación notable, sino que también los secundarios se complementan de una forma vital creando así una estructura indeleble en esta película producida por el mismo Hornby.

Gabriel García Márquez, escritor colombiano ganador del Nóbel de Literatura, decía en su libro "Vivir para contarlo" que tuvo que interrumpir su educación para ir a la escuela. ¿Qué hay de cierto en esto? La educación estructurada y robótica no es la opción para fomentar el alma humana. Cada vez más la educación mundial cae en eso, dejando de lado aquellas experiencias que en realidad hacen crecer a uno. La educación emocional está presente en el día a día, en los viajes, en las experiencias de vida. ¿Qué mejor que conocer el mundo a través de sus propios protagonistas? Viajar... viajar por el planeta, con los sentidos alertas y recogiendo todo para seguir creciendo. La educación no son sólo los años de escuela, no es el sistema que nos ha interpuesto un esquema a seguir; sino que es la vida misma de donde se recogen las vivencias para formar un todo.

"An Education" va en esa línea. Una alerta a lo estándar y elaborado, una vía de escape y una propuesta a un éxito distinto, sin dejar de contemplar los riesgos que eso implica y lo relevante que puede llegar a significar una decisión en la vida. El amor inocente, la vida fácil puede llevar a uno a cometer errores... sin embargo de esos errores es que aprendemos y es de esas decisiones que nos formamos y nos convertimos en seres sabios, en seres con experiencia.

Calificación: 6/7

Trailer de "Una Enseñanza de Vida"

Actividad Paranormal

2010-01-15T18:06:00.005-03:00

"Actividad Paranormal"
Título Original: Paranormal Activity
Director: Oren Peli
Guión: Oren Peli
Elenco: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs, Amber Armstrong
USA, 2007

Cuando hace 10 años surgió "The Blair Witch Project" (1999), el mundo fílmico por momentos se quedó pensativo del poder que puede tener un video casero. El marketing gestionado en ese entonces daba a todas luces de que el material era real y que efectivamente lo mostrado en pantalla le ocurrió a un grupo de jóvenes. En esa misma época,llegaba a las pantallas chilenas "Alien Abduction: Incident in Lake County" (1998), la cual también se prendaba de hechos reales para llamar la atención de la audiencia amante de lo desconocido. Sin embargo, la multitud asustada en un comienzo logró reaccionar dándose cuenta de todo el montaje de ficción realizado por los creadores, tomando las cintas como simples momentos de diversión de la misma manera como se predispone uno al presenciar una película de suspenso o terror.

Cuando ya ha pasado tanta agua bajo el puente, los videos caseros ya parecen ser infantiles y no proponen nada novedoso al público. Quizás gracias a los avances tecnológicos y a la accesibilidad de una cámara casera, este tipo de películas se acerca más a un trabajo de colegio que a un formato profesional. "Actividad Paranormal" es una obra que no entrega nada y que sólo funciona por brevísimos momentos, dilatando un final obvio que echa más tierra a la sepultura de este formato obsoleto, pasado de moda y cargado de aburrimiento.

Los actores, desconocidos absolutamente para darle realidad al argumento, desempeñan un noble papel acorde a la estupidez norteamericana sin caer en sutilezas y demostrando lo exagerados y poco auténticos que pueden llegar a ser. Sin embargo, ante este escenario, es un tema de ciencias sociales lograr descubrir el por qué a esta película le ha ido tan bien en su circuito comercial, logrando ganancias estratosféricas en comparación con la cantidad invertida en el film. Sin duda que este dato ha llevado al cine a más de algun personaje - en donde me incluyo -, sin embargo debe existir otro componente que activa el ánimo del público para "gozar" obras de este formato, que por un lado carecen de un lenguaje novedoso y que a su vez son tan poco generosas con el aporte audiovisual.

Las similitudes de "Actividad Paranormal" con la película chilena "La Nana" - que el domingo próximo compite por el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera - son varias en torno a su realización. Ambos films fueron desarrollados casi íntegramente en la casa del director, con un formato digital de bajo presupuesto y con actores sin presencia mediatica. Sin embargo, la gran diferencia entre ambas obras es que la norteamericana tiene un sólo propósito: asustar al espectador; en cambio la chilena presenta un argumento sólido, estructurado en torno a actores capaces de ejecutar roles creíbles y con un fin muy diferente: motivar al espectador para que raciocine en torno al papel que cumplen las asesoras del hogar puertas adentro. He aquí la diferencia entre una gran película y una mediocre: entregar un mensaje del cual el público pueda ser partícipe.

Pero si a alguien le gustó esta cinta, puede esperar hasta el 2012 ya que en ese momento se estrenará la segunda parte de esta saga según se afirmó en octubre pasado. Aunque quizás no alcancen... recuerden que ese año se acaba el mundo.

Clasificación: 2/7

Trailer de "Actividad Paranormal"

Avatar

2009-12-28T15:43:00.006-03:00

“Avatar”
Director: James Cameron
Guión: James Cameron
Elenco: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Joel Moore
USA/UK, 2009

Doce años tardó James Cameron en lanzar a la pantalla esta idea que había sido detenida sólo por problemas técnicos. Gracias a las nuevas tecnologías, la barrera cedió y el campo fue amplio para que Cameron junto a su equipo, pudiesen realizar una de las obras de ciencia ficción más impactantes de los últimos tiempos. “Avatar” tiene ese componente fundamental para que la película prescinda del metraje: una sólida línea argumental cargada de dinamismo, junto a imágenes y sonidos que mantienen alerta los sentidos – sin hacer diferencias etarias - de todos los espectadores. La propuesta del director, a pesar de estar exigida por las inevitables expectativas previas generadas por el abundante marketing, satisface en varios aspectos logrando dibujar una sonrisa y disfrutando esa gran sensación de haber vivido un momento diferente.

Sin duda que el material en 3D debe ser un acontecimiento de otro planeta. Sin embargo, a lo que nos abocaremos es a la estrategia pura de la cual Cameron ya está obteniendo grandes resultados. La inclusión de actores fuera de portada es sin duda un riesgo, sin embargo el director logró situar la historia por sobre los nombres dejando bien en claro que su apuesta es sólo la obra que representa y nada más. De esta forma el trabajo de Worthington, Saldana, Weaver, Rodriguez y – el por momentos odiado – Lang, transcurren sin establecer explosiones lumínicas que encandilen al espectador, sino que cumplen el papel entregado por el director demostrando una vez más que James Cameron no se empeña en dirigir grandes interpretaciones.

“Titanic” (1997), la película dirigida por Cameron que obtuvo 11 premios Oscar y que se transformó en uno de los títulos más ganadores de la historia, no consiguió ningún reconocimiento en materia de actuación. “Terminator” (1984) – también dirigida por el canadiense - generó un hito en la industria fílmica al crear un personaje recordado hasta el día de hoy y en la cual los efectos especiales – especialmente en su segunda parte de 1991 - cumplieron un pilar fundamental para llevarlo a ese sitial. Esto refuerza la idea de que Cameron se preocupa de dos conceptos fundamentales y en los cuales no se cuenta el aporte que pudiesen entregar sus actores: la historia y la forma de ejecutarla audiovisualmente. Cuando me refiero al tema “audiovisual”, es justamente esa separación, ya que aparte de los efectos visuales, Cameron le entrega mucho énfasis al sonido y a la música incidental, que en el caso de “Avatar” fue compuesta por James Horner, compositor de otras grandes obras como “Braveheart” (1995) o el mismo “Titanic”.

Más allá de la extraordinaria imagen, el sorprendente sonido, la calidad imaginativa del equipo para crear todos aquellos aspectos que componen la obra como es la naturaleza del planeta (flora y fauna), máquinas e instrumentos que son parte de esta “realidad virtual”; la obra se posa en ese argumento que si bien es sólido y dinámico, posee varias aristas algo trilladas en el ámbito fílmico como es la eterna lucha entre el bien y el mal, que hacen por momentos algo obvia la trama. El enfoque macro que entrega la cinta es similar al que nos mostró “WALL•E” hace un año cuando resaltaba “el escape masivo” de la Tierra por la destrucción total de ésta; la ayuda de todas las razas y tribus del planeta para salvarlo es lo mismo que presentó Tolkien a través de Peter Jackson en “El Señor de los Anillos”, George Lucas en “Star Wars”, etc, etc. Sin embargo, a pesar de estas similitudes, “Avatar” se mantiene en pie, mostrando todo el potencial que puede tener una película con la tecnología de hoy y dejando entrever que Cameron aún sigue muy vigente.

Calificación: 6/7

Trailer de "Avatar"

Coco antes de Chanel

2009-12-16T11:38:00.006-03:00

“Coco antes de Chanel”
Título Original: Coco Avant Chanel
Dirección: Anne Fontaine
Guión: Edmonde Charles-Roux (novela) y Anne Fontaine
Elenco: Audrey Tautou, Benoît Poelvoorde, Alessandro Nivela, Marie Gillain, Emmanuelle Devos
Francia, 2009

Ayer se presentaron los nominados a los Globos de Oro, siendo esta la instancia preliminar a la entrega de los Oscar. Si bien las películas escogidas a Mejor Película Extranjera tienen atributos bastante ponderables, hay que destacar que dejaron atrás a varias otras que también tenían lo suyo como la última de Juan José Campanella – “El Hijo de la Novia” (2001) - o de Fernando Trueba – “Belle Epoque” (1992) -. Sin embargo, existía una larga lista de candidatas que bien podían ser descartadas de cualquier certamen fílmico por su precariedad en el relato y su nimio aporte a la industria audiovisual. Una de esas es “Coco Avant Chanel” que, a pesar de tener rasgos de calidad como una limpia imagen y un vestuario de lujo, cae en un letargo colosal del cual es imposible despertar.

¿Qué ocurriría si el personaje principal no fuera Coco Chanel? Simplemente la película no valdría mucho la pena. El gran plus de la obra es que relata la vida esforzada de Coco antes de fundar el imperio del cual todos conocemos hoy en día, sin embargo si el personaje fuese otro, la película pasaría sin pena ni gloria ya que no posee esa característica especial que demarca a las grandes obras del séptimo arte. Y no es que el personaje principal tenga que ser conocido para que su historia sea digna de filmar, ya que un claro ejemplo de ello es el de “La Escafandra y la Mariposa” (2007), la gran película francesa que relata la vida de Jean-Dominique Bauby - editor general de Elle en los 90’s - la cual podría tener como personaje principal a un ser anónimo y de todas maneras implicaría una obra con argumento potente que aprovecha en su plenitud el poder comunicacional que tiene la cinematografía.

“Coco Avant Chanel” dirigida por Anne Fontaine – que se reveló como promesa en 1997 cuando realizó “Nettoyage à sec” – tiene un paso cansino que por momentos termina por incentivar la visualización de la hora. El pensar que el tiempo ha sido desaprovechado en la sala de cine, es lo peor que le puede pasar a un director y lamentablemente en esta nueva obra de Fontaine aquello ocurre. Sin embargo, una gran gracia de la cinta es que Autrey Tautou logra desmarcarse de su personaje de Amélie Poulain, realizando un papel creíble y sujeto a la interpretación demarcada por la directriz de la cinta; fruto del trabajo de Fontaine quien logró sacar a relucir el talento de la joven actriz francesa quien luego de su trabajo con Jean-Pierre Jeunet quedó encasillada en un rol fantástico sin poder ejecutar otros roles de calibre en los futuros años.

Es cierto que el cine francés posee un aura especial y que el gusto por él es bastante extravagante. Sin embargo, quizás la forma de abordar esta cinta por la directora fue errónea al ejecutar un relato poco profundo sin ahondar en esos detalles que interiorizan al espectador con los sentimientos vivos de la obra. El juego que se establece entre la audiencia y lo mostrado en pantalla es primordial para el aplauso espontáneo, y si éste no se presenta a través del relato, pone en riesgo el buen resultado de la cinta mediante el cual todos sus engranajes calcen a la perfección.

Calificación: 4/7

Trailer de "Coco antes de Chanel"

2012

2009-11-26T09:10:00.005-03:00

“2012”
Director: Roland Emmerich
Guión Roland Emmerich y Harald Kloser
Elenco: John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Thandie Newton, Oliver Platt, Woody Harrelson, Danny Glover
USA, 2009

Roland Emmerich sabe cuál es el gusto de la gente. Su público desea ver la calidad de los efectos especiales más que cualquier otra cosa. Sin embargo, esto no le da crédito para desaprovechar dos horas y media de exhibición, abusando de los efectos y sin darle ningún propósito al argumento que propone. Muchos directores de esta índole se salvan ya que son designados exclusivamente para la dirección sin poder participar en el guión, pero el caso de Emmerich es distinto ya que él ha sido uno de los impulsores de la obra participando tanto en la idea original, escritura y producción de la misma.

“2012” es una película mala. Así de simple. Si bien sus efectos por momentos sorprenden, existe una cuota de agotamiento que termina por abrumar del todo pidiendo por favor que la película termine lo antes posible. La historia no tiene nada original, salvo en sus inicios cuando explican el por qué ocurrirán los acontecimientos naturales. Sin embargo, esto sólo se extiende durante el 1% del metraje, dejando el resto para que Emmerich se entretenga con los desastres naturales, la destrucción masiva, el aniquilamiento humano y la típica misiva de que Estados Unidos nuevamente logra salvar al mundo.

En todo aspecto, la posible calidad visual y sonora mezclada con la ciencia ficción, es corrompida por un guión lleno de chistes inútiles, escenas dramáticas innecesarias alejadas del realismo capaz de impregnar de sentimientos la pantalla y una historia bastante obvia que no genera mayor expectación dentro de la audiencia. Es por esto que la película se debería haber encasillado en los efectos especiales y en una muestra escénica que pudiese entregar temor al público, advirtiendo así que el 2012 es una fecha inminente. Sin embargo, la obra se baña de surrealismo al nivel de desaprovechar la veracidad de este vaticinio de la civilización Maya que informa un nuevo ciclo del planeta.

Si usted quiere ir a ver buenos efectos, vaya a verla ya que tendrá la posibilidad de ver esos que estamos acostumbrados a ver en las películas de Roland Emmerich, como son “Independence Day” (1996), “Godzilla” (1998) y “The day alter tomorrow” (2004). Sin embargo, si le importa algo la trama de la película, descártela de plano e invierta su tiempo en algo más productivo ya que las dos horas y media se hacen eternas.

Clasificación: 3/7

Trailer de "2012"

Siete Almas

2009-11-20T12:49:00.005-03:00

"Siete Almas"
Título Original: Seven Pounds
Director: Gabriele Muccino
Guión: Grant Nieporte
Elenco: Will Smith, Rosario Dawson, Woody Harrelson, Michael Ealy, Barry Pepper
USA, 2008

La esperanza es algo que a veces no se consigue mantener dentro de uno. Más aún cuando los pilares de la vida se derrumban en un abrir y cerrar de ojos, transformando así la perspectiva mucho más nebulosa y radical, dejando que las determinaciones de acabar con todo sean mucho más próximas a lo racional.

“Seven pounds” es una película que si bien puede ser criticada con bastantes prejuicios, deja algo al espectador que se valora y aprecia ante tanta oferta banal dentro de la cartelera cinematográfica. La película dirigida por Gabriele Muccino - mismo director de "The Pursuit of Happyness" (2006) - y protagonizada por Will Smith, en un principio puede ser una más de entre muchas obras que se sujetan al respaldo rentable de su actor protagónico, sin embargo el guión atrapa y muestra un argumento que bien vale la pena estar consciente de él, tal como lo hizo el director con Smith años atrás demostrando que entre ellos resultan buenas obras cinematográficas.

La película no cuenta con aspectos técnicos que destaquen, sus actuaciones transcurren sin sobresaltos a través del argumento, el formato entregado no genera sentimientos que maravillen ni tampoco puntos que llamen demasiado la atención; sin embargo, todo esto es dejado de lado por la historia. Todo a partir de un accidente que de cuajo desagarra la vida del protagonista y que lo lleva a tomar una de las decisiones más conflictivas en torno a la vida. Quizás esto es lo que deja a todos perplejos, incentivando a dejar el paquete de pop corn de lado y agudizando los sentidos en dirección a esa película que pareció ser otra cosa.

El manejo argumental es lo destacable. Tan interesante que mantiene la tensión en todo momento, develando capa tras capa cada uno de los acontecimientos que componen el objetivo final de la obra. Ante esta ilusión el espectador queda pensativo en qué es lo que vale más en estos casos, poniendo en tela de juicio lo bueno y lo malo, lo correcto y lo incorrecto, tal como hace algunos años nos posicionábamos en un estrado jurídico para juzgar la “bondad de la eutanasia” motivados por “Mar Adentro” de Alejandro Amenábar. ¿Qué ocurre en un caso como el de “Seven Pounds”? Es más una opción personal, aunque la bondad hacia el prójimo se transforma en uno de los mejores regalos de generosidad mostrada en la pantalla de los últimos años.

Calificación: 5/7

Trailer de "Siete Almas"

Distrito 9

2009-11-07T16:07:00.006-03:00

"Distrito 9"
Título Original: District 9
Director: Neill Blomkamp
Guión: Neill Blomkamp y Terri Tatchell
Elenco: Sharlto Copley, Jason Cope, Nathalie Boltt, Sylvaine Strike, John Sumner, Nick Blake
USA/Nueva Zelanda, 2009

¿Por qué Nueva Zelanda está entre los países realizadores de esta cinta? Simplemente porque Peter Jackson - director de la trilogía de "El Señor de los Anillos" - es nacido y criado en esa zona, y aprovechando este título logró acceder a capitales neozelandeses con el rol de productor de esta gran película. ¿Pero habrá sido diferente el futuro de esta obra sin la producción de Jackson? Nunca lo podremos averiguar, aunque gran parte especula que el marketing acarreado por el Rey Midas oceánico fue muy favorable para Neill Blomkamp, creador de este relato de ciencia ficción que se originó a través de un cortometraje realizado años atrás (2005) y por el cual Jackson se enteró del tema.

La película cuenta con algo que muy pocas obras alrededor del mundo poseen: un novedoso guión que está fuertemente ligado tanto a la entretención como a un trasfondo social que promueve el racionamiento del espectador. Sin duda, que esto es lo que los críticos piden como base para gestar un análisis de las obras que a diario deben visualizar. Con estos cimientos, es muy difícil que la expresión artística tambalee ya sea en cada una de las diferentes ramificaciones que han surgido a través de la historia. "Distrito 9" la tiene insertada en su columna vertebral, posicionando al espectador en un estrado en el cual cumple el rol de juez y acusado a la vez.

Con un lenguaje audiovisual no habitual dentro de la cartelera, la película se transforma en una ficción tratada en instantes como documental que acerca la realidad ante las narices del público, quebrando así ese eterno vidrio que separa lo auténtico de lo meramente imaginativo. De esta manera nos plantea una nueva visión del ser humano, mucho más crítica, ante la cual nuevamente nos posiciona como "los malos de la película" ante las visitas extraterrestres. Y digo nuevamente ya que por mucho tiempo los alienígenas sólo venían a destruir la Tierra, siendo los seres humanos las víctimas de aquello y mostrando como Estados Unidos nos salvaba de la destrucción. Quizás la última gran película que situó a los seres humanos en el "bando enemigo" fue "E.T: El extraterreste" (1982), por lo que tuvieron que transcurrir casi 30 años para que una nueva cinta tocara la ciencia ficción de una forma tan sensible, permitiendo así que el público se encariñase con los seres desconocidos, dejando de lado a sus pares planetarios.

La fotografía, la música, las actuaciones, la edición: todo queda opacado por el poder argumental que cumple cabalmente la propuesta entregada por el director. Si bien, los efectos especiales fomentan la grandilocuencia de "Distrito 9" sin caer en esos abusos que seducen a varios, la película es aplaudida por converger esas líneas que parecen tan poco compatibles, pero que algunas obras demuestran sus puntos de similitud. La entretención puede escapar de la banalidad señores, y esto bien lo demuestra "Distrito 9".

Calificación: 7/7

Trailer de "Distrito 9"

Malditos Bastardos

2009-10-28T19:26:00.006-03:00

"Malditos Bastardos"
Título Original: Inglourious Basterds
Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Elenco: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Diane Kruger, Daniel Brühl, Eli Roth
USA/Alemania, 2009

Plástica y caricaturesca. Eso es lo primero que se viene a la mente luego de apreciar la última cinta de Quentin Tarantino, aquel joven - aunque ya no tanto - director que en los 90's nos impresionó de sobremanera con "Reservoir Dogs" (1992) y "Pulp Fiction" (1994). El nombre de Tarantino pasó a ser de culto y sus películas se transformaron en una obligación de ser vistas. Pocos directores han tenido ese privilegio y Tarantino bien lo sabe, por lo que se permite dar aires de divo que por momentos comienzan a agotar, permitiendo así que el pensamiento del espectador se centre en su grandilocuencia más que en su trabajo. ¿Acaso Scorsese lo ha hecho a través de sus años? Marty sigue siendo humilde y por esta sencilla razón supera aún más a sus pares que llevan el adjetivo de "arrogantes".

Pero fuera de todo el marketing que al director oriundo de Tennessee le gusta generar, se encuentra su obra que a través de los años ha crecido inversamente proporcional entre las expectativas y su calidad. "Malditos Bastardos" se había anunciado con fanfarrias, pero a la crítica mundial no le llamó mucho la atención, quizás por su excesivo metraje como a su vez por el poco impacto argumental de su relato. La obra presenta una historia curiosa y anecdótica que logra ser novedosa, sin embargo el bombardeo de figuras ridículas o escenas cuasi plásticas, decantan en que la línea argumental se precipite en lo banal siendo saturada por tiempos muertos que sólo aportan a que el público comience a bostezar.

A pesar de todo, la película tiene sus puntos fuertes como la extraordinaria interpretación de Christoph Waltz - ganador de Cannes por dicho rol - quien a pesar de ejercer un personaje extremadamente caricaturesco, logra establecer una unión con la credibilidad que el espectador logra apreciar. No es el caso de Brad Pitt o el resto del elenco, quienes no fueron afortunados - o bien recompensados por el director - al personificar roles que no presentaban un espacio para poder liberar el acto escénico. Pero esto no es problema de ellos, sino que de guión ya que éste no ahondaba en la vida de los personajes - salvo quizás Shosanna Dreyfus - desarticulando así las proyecciones que cada interprete podía ejercer.

Lo que Tarantino tiene y de sobra, es el buen uso del lenguaje audio-visual. Y lo separo ex profeso en audio y visual, ya que el director de "Kill Bill" (2003) es un genio en las bandas sonoras de sus cintas, desatando una fiesta en cada una de las salas de cine tal como lo demuestra con "Malditos Bastardos". Desde sus primeras cintas lo ha demostrado, con soundtracks de culto que se han transformado en piezas obligadas dentro de las colecciones de los melómanos. Y este talento aún no lo pierde Quentin como tampoco el de su fotografía, ya que la posición de la cámara es fundamental para el lenguaje que ha desarrollado a través de los años y que ya se instala como marca registrada dentro de la industria cinematográfica mundial. Los planos de esta obra son por momentos verdaderas odas a la imagen, que compensan la somnolienta historia mostrada luego de lo mejor de la película: su primera parte.

Calificación: 5/7

Trailer de "Malditos Bastardos"

Dawson, Isla 10

2009-10-08T00:03:00.005-04:00

“Dawson, Isla 10”
Director: Miguel Littin
Guión: Miguel Littin
Elenco: Benjamín Vicuña, Bertrand Duarte, Pablo Krögh, Cristián de la Fuente, Sergio Hernandez, Luis Dubó
Chile/Brasil/Venezuela, 2009

Cuando se toca un tema tan sensible e importante como este, la exigencia que se pide es superior. No se necesitan actores atrayentes para que la película funcione, ya que el valor agregado no va por ahí. La propuesta debe ser una obra informativa-artística que para un no conocedor del tema, sea una simple forma de culturizarse sobre la historia de una nación. Chile vivió un período de dictadura militar que llevó a cometer atrocidades en Derechos Humanos como la que se vivió en una remota isla del fin del mundo. Lo vivido en Dawson es relatado por uno de sus prisioneros – el actual Ministro de Obras Públicas Sergio Bitar – y es llevado a la pantalla grande por el director Miguel Littin. ¿Pero de qué forma? Cayendo en un relato plano, sin ninguna interiorización de personajes, con actuaciones que no aportan para nada al argumento, con chistes sin sentido que pretenden imponer algo de comedia en una historia dramática y con un desorden escénico que no permite descifrar cuál es el motor de la cinta.

Si bien el libro en que está basado puede ser interesante al detallar la vida en cautiverio político, el valor agregado del audiovisual es desaprovechado por el director, sólo amparado por la belleza del paisaje que protege de alguna manera la calidad del film. Sin el bello entorno de la patagonia chilena, la película podría ser olvidada en cuestión de minutos al no aportar nada y sólo ser un instante de “entretenimiento” para el espectador. Si la trama fuera banal como lo es el 50% de las películas hollywoodenses amantes del dinero, no habría problema y el espectador estaría consciente de que sólo irá a pasar un buen rato. Sin embargo, la historia real escapa de ser ligera al representar el duro momento que muchos chilenos vivieron en ese entonces.

La inclusión de actores mediáticos como Cristián de la Fuente sólo demuestran que el foco del director es otro, descartando la profundidad como debe ser tocado un tema de esa trascendencia. De la Fuente es un actor que no inspira ninguna credibilidad manteniéndose en el mundo del espectáculo sólo por su apariencia física. Caso contrario es el de Benjamín Vicuña que ha insinuado vestigios de buen actor en obras pasadas, pero que sin embargo no es aprovechado por el director al desarrollar una línea argumental bastante confusa en que no existe actor protagónico. Problemas de ejecución se notan y por momentos llegan a cansar. Ejemplo de ello es el uso/abuso del doblaje que más que aclarar los diálogos de los personajes, funciona como otro elemento de irrealidad que aporta negativamente al producto final.

Ante tantas cosas negativas, existen algunas que bien son valoradas y agradecidas. Tal es el caso del registro audiovisual de la época en donde Salvador Allende se muestra en el momento del bombardeo a La Moneda, o el siempre notable Luis Dubó, que en un papel menor logra robarse el protagonismo siendo el rol mejor llevado a pesar de sus diálogos inoportunos impuestos por el guión. Sin embargo, esto no logra revertir el error de desaprovechar una historia que bien valía la pena desarrollarla con más sentimientos, transformándola en una película emotiva que dejara pensando tanto a los partidarios como a los opositores de la dictadura de Pinochet.

Calificación: 3/7

Trailer de "Dawson, Isla 10": el Trailer es Mejor que la Película

Entre los Muros

2009-09-25T16:57:00.004-04:00

“Entre los Muros”
Título Original: Entre les murs
Director: Laurent Cantet
Guión: François Bégaudeau
Elenco: François Bégaudeau, Esmeralda Ouertani, Louise Grinberg, Franck Keïta, Wei Huang, Boubacar Toure, Rachel Regulier
Francia, 2008

Premios: Ganadora Palma de Oro, Festival de Cannes; Ganadora del Cesar francés, Mejor Guión Adaptado

El lenguaje audiovisual es tan amplio que a veces sorprende. Las pinceladas de sus creadores son tan propias que es posible identificarlos tal como se diferencia un Van Gogh de un Dalí. En el caso de “Entre los Muros”, su director ejecuta una obra de ficción tan real, que por momento espanta al desconocer – y no poder visualizar – el límite entre la pantalla y la realidad. Con un ritmo pausado, sin prisa y ausente de música incidental, el film sitúa la cámara como una especie de ventana indiscreta que permite al espectador ser cómplice del sistema educacional francés en torno a las clases marginales.

La palabra “suburbio” se define como el barrio situado a las afueras de la ciudad, especialmente habitado por pobres. Y es en esta área donde se desarrolla el film, concentrado en su integridad en un colegio estatal liderado por profesores capaces de soportar lo inaguantable. El relato al borde del documental, muestra cómo día a día profesores y alumnos luchan por salir adelante desde cada una de sus visiones humanas. Por un lado, los adultos se mueven con el único fin de enseñar y aportar ese grano de arena capaz de cambiar la vida de los niños, y por el otro están los jóvenes que sin consciencia aún de lo que viven, se preocupan de banalidades por estar y sentirse totalmente ajenos al sistema.

Por ahí pueden existir los críticos que expresen su descontento por la iluminación o por lo cansino que se torna el argumento, sin embargo esto no logra opacar ni en lo más mínimo el tremendo desarrollo, ejecutado de gran manera tanto por su equipo técnico como artístico. Laurent Cantet, director de “Recursos Humanos” (1999), a través de las imágenes, no permite alzar los relojes de la audiencia a pesar de las extensas escenas y el precario mix de locaciones desplegado. Por otro lado, los actores se abstraen de tal forma de la cámara, que esta pareciera ser una ventana que permite al espectador apreciar, además de cada uno de sus gestos, sus emociones más internas. El elenco es de una calidad para aplaudir de pie, en donde el casting se realizó con un detalle preciso, cogiendo a jóvenes que por su sola presencia demostraban ser lo que eran en su papel.

François Bégaudeau, escritor del libro homónimo en que se basa la película y personaje principal de “Entre los Muros”, crea una atmósfera ideal para sentir la difícil situación que viven los “marginados” tanto en Francia como en todo el mundo. La constante lucha que se gesta motivada por los vacíos de esperanza, colapsa tanto para aquellos que tienen las ganas de surgir como para quienes ayudan con el fin de sacarlos adelante. Este círculo vicioso es el que se debe destruir y es el fin que nos propone la cinta. Ella sólo nos prende la luz para ver, para observar la irracionalidad, para comprender que esto no puede pasar más. No se puede permitir que las circunstancias desvíen a aquellos con más problemas hacia un camino sin esperanzas, y que día a día éste se transforme en algo más normal para ellos. Las herramientas las tenemos y sólo se deben aplicar. ¿Por qué tanta demora? ¿Acaso podemos permitir que otra niña nos diga con un temor inconmensurable que no ha aprendido nada durante todo un año escolar? Las películas son para esto también. No sólo nos deben entretener, sino que también deben ser capaces de despertar a las neuronas de los espectadores y aprovechar este inmenso medio de comunicación llamado “cine”.

Calificación: 7/7

Escena de "Entre los Muros"

La Nana

2009-09-22T09:51:00.007-04:00

“La Nana”
Director: Sebastián Silva
Guión: Sebastián Silva y Pedro Peirano
Elenco: Catalina Saavedra, Claudia Celedón, Alejandro Goic, Andrea García-Huidobro, Mariana Loyola
Chile, 2009

Hace dos años me rehusé a realizar la crítica del primer largometraje de Sebastián Silva titulado “La Vida me Mata” (2007), debido a que mi hermana realizaba un pequeño rol en dicho largometraje lo que podía conllevar algún comentario poco objetivo. Sin embargo, ahora me es imposible abolir la crítica de este segundo largometraje de Silva en donde Catalina Saavedra protagoniza uno de los mejores papeles ejecutados en una cinta chilena. Hace poco más de un mes, pude apreciar dicha cinta en su avant premier, y a partir de entonces he estado sobrecogido por la representación de la actriz principal. Es por eso que me he dado un tiempo para escribir este comentario, ya que el tiempo es el mejor decantador de ideas que pudiese existir. Y claro está! Catalina es mi hermana.

Siempre han existido películas que se llevan el sello de calidad casi exclusivamente por el trabajo realizado por su actor protagónico. Es el caso de “Despertares” (1990) que sin Robert De Niro no sería lo que es, o “Perfume de Mujer” (1992) que sin Al Pacino nadie la recordaría. Muchas otras obras son salvadas por su actor o actriz protagónica debido a un rol notable que ha quedado grabado en la historia del séptimo arte, dejando de lado el resto de las aristas de importancia que componen un film como lo es el propio argumento.

“La Nana” es una de esas películas, en donde Catalina Saavedra arremete con todo su talento para impresionar a la audiencia con un papel cargado de dramatismo e intriga, dejando entrever la dura realidad con la que conviven las miles de Asesoras del Hogar del planeta. Si bien la cinta se desarrolla en una acomodada casa chilena, esta no deja de traspasar las fronteras demostrando que su trama no se encasilla en una localía, sino que muy por el contrario es posible extrapolarla a las distintas geografías del globo.

La película relata una historia escrita por Sebastián Silva y Pedro Peirano, mismos creadores de “La Vida me Mata”, que contiene toques de dramatismo y comedia justos para el equilibrio de un argumento preciso y sin deambulos innecesarios, respaldando los elogios que ha recibido en zonas tan dispares como Estados Unidos, Suiza, Australia, México o Colombia. Si bien, este podría llegar a ser por momentos monótono, esa misma monotonía es la que siente el personaje de Raquel en torno a su vida cotidiana lo que permite al espectador vivir su misma sensación. La historia es precisa, muy bien llevada a lo largo de la línea argumental, superior en todas sus caras a la primera obra de Silva en la que se notaba el aire innovador que presentaba el creador, pero que aún en ese entonces no estaba bien pulido.

La crítica internacional ha alabado a “La Nana”. Ha sido una de las cintas más premiadas en la historia del cine chileno. Por primera vez, Chile ha sido reconocido por uno de los festivales más importantes del mundo como es Sundance. Catalina Saavedra ha sido galardonada en cuanto festival se ha presentado y recientemente el NY Times le ha dedicado una nota especial. Sin embargo, esto no ha sido suficiente para que Chile la propusiera como su carta para representarlo en la próxima edición de los premios Oscar. ¿En qué falló? Creo que sería bueno que alguien aclarara este embrollo de proporciones ya que este país se está perdiendo la oportunidad de su bicentenario.

Calificación: 7/7

Trailer de "La Nana"

Enemigos Públicos

2009-08-08T12:23:00.005-04:00

"Enemigos Públicos"
Título Original: Public Enemies
Director: Michael Mann
Guión: Ronan Bennett y Michael Mann
Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Channing Tatum, Stephen Dorff, Christian Stolte, David Wenham, Stephen Graham
USA, 2009

Michael Mann ha establecido una trayectoria bastante particular. Con "El Ultimo de los Mohicanos" (1992) comenzó su deambular, creando un film que hasta el día de hoy tiene adeptos. Luego transcurrió un tiempo de instrospección en el que desarrolló quizás sus mejores films de la mano de Al Pacino con "Heat" (1995) y "The Insider" (1999), hasta tomar a uno de los grandes deportistas americanos para crear su biopic en el año 2001. Sin embargo, en el 2004 propuso una nueva tendencia en la que desarrollaba con maestría el tratamiento audiovisual digital con su film titulado "Collateral". Luego de ésto, se pegó el porrazo de su vida al llevar a la pantalla grande la clásica serie "Miami Vice" que sin duda alguna fue una mancha dentro de su filmografía, quizás hipnotizado por el vil y sucio dinero.

Ahora, nuevamente se agarra de un actor idolotrado por los productores debido al rendimiento económico que conlleva - sin desmerecer su tremenda calidad actoral - y crea la historia de John Dillinger, personaje de la historia criminal norteamericana, el cual ha sido interpretado en el cine en diversas ocasiones.

A través de una imagen notoriamente distinta a la que estamos acostumbrados a presenciar dentro de una sala, el argumento se desarrolla de forma pausada en la ruta de un guión cansino, que no presenta mayor dinamismo ni giro alguno que provoque un cambio de ritmo que simule a un despertador. De esta forma, la obviedad se transforma en un atributo presencial que inunda la obra hasta ahogar al espectador.

Lamentablemente, el guión es bajo en cambios de ritmo provocando la somnolencia gratuita, lo que logra derrotar el gran plus que tiene la cinta - el sello que está dejando Michael Mann dentro de su filmografía actual - que es la imagen. Con una textura digital, y ante la libertad que otorga este recurso, el director impregna de sentidos el film de manera de que el espectador se interiorice en él, pudiendo visualizar de mejor manera la fotografía limpia y el decorado antiguo que siempre vale la pena apreciar. Si bien, estos aspectos hacen de la cinta una buena obra, el pobre desarrollo argumental provoca que el armado se derrumbe a pesar de tener buenos elementos que nos hacían recordar otras obras.

Por ejemplo, la posición excesivamente estúpida en que sitúan a la policía, es un tema ya habitual en las películas de la época. Hace poco "El Sustituto" proponía algo similar, aunque con un carácter mucho más serio que despertaba al espectador con sentimientos de impotencia ante brutales errores de conducta humana,sin embargo, en "Enemigos Públicos" el desorden ya no tiene límites y la policía se presenta como una tropa de enfermos, que siguen a un lider interpretado por Bale que al parecer tiene un único fin: resultar vencedor en el juego de capturar al "malvado" Dillinger.

¿Es ésto una propuesta interesante? A mí parecer no lo es, y está muy lejos de serlo. Si no fuera por la novedad técnica que muestra Michael Mann, la fotografía que despliega o algunas escenas que sí llaman la atención por sus detalles - además de la buena actuación de Depp y Cotillard de la que ya estamos acostumbrados -, la película pasaría al olvido. Sin embargo, ¿logra pasar?

Calificación: 5/7

Trailer de "Enemigos Públicos"

La Era del Hielo 3

2009-07-24T11:24:00.011-04:00

"La Era del Hielo 3"
Título original: Ice Age: Dawn of the Dinosaurs
Director: Carlos Saldanha y Mike Thurmeier
Guión: Peter Ackerman, Michael Berg, Yoni Brenner, Jason Carter Eaton y Mike Reiss
Elenco: John Leguizamo, Denis Leary, Queen Latifah, Ray Romano
USA, 2009

Después de que Chris Wedge dejó la dirección de "La Era del Hielo", la secuela no volvió a ser lo mismo. La simpática historia de la primera película tenía el aderezo de que el ser humano también era partícipe de los roles principales. Quizás esto hiciera que la cinta fuese más cercana al espectador, viéndose representado en pantalla y sintiendo que las criaturas principales eran parte de su historia. Si bien, Wedge no tenía una carrera para implementar su experiencia y es quizás sólo suerte de que justamente ese guión era el que contenía algo más interesante que los posteriores, la historia a veces muestra los indicios para descubrir los errores.

"La Era del Hielo 3" tiene pocas cosas positivas y muchas cosas negativas. Podemos destacar dentro de lo bueno y original, el nuevo personaje "Buck" quien se muestra capaz de mantener expectante al público por todo el tiempo de exposición. Sin embargo, las historias y situaciones que se proyectan no poseen trascendencia alguna dentro del argumento cayendo en típicas bobadas y situaciones cliché que más que divertir terminan por desgastar. Por un lado está Scrat que esta vez se enamora: ¿cuántos corazones se "dibujaron" para estas escenas? ¿cuál era el fin?. Por otro lado están los dinosaurios: ¿qué tienen que ver los dinosaurios con la era del hielo? ¿para qué fueron incluidos? ¿sólo para que Sid tuviese el sentimiento paternal/maternal o para agregarle a la historia algo novedoso?.

Creo que la historia no propone nada novedoso. Si bien hay momentos en que bien puede crear una risa en la audiencia debido a su creatividad, como cuando pasan por el gas que afecta la voz tal cual lo hace el helio o por lo simpático que es Sid al dibujarle caras a sus "hijos", estos instantes son mínimos en comparación con toda la historia presentada, perdiendo así la oportunidad de entregarse al público que por un marketing regalado cae en masa dentro de las salas de cine mundiales.

La base de una buena película es su buen guión. No hay que ser muy inteligente para darse cuenta de ello. Si bien hay pocos que logran realizar una buena obra sin contar con un gran guión - como ocurrió con "Slumdog Millionaire" -, hay una gran cantidad que no es capaz ni siquiera de presentar un argumento sustentable que se logre posicionar sin problemas en las mentes de su público objetivo. "La Era del Hielo 3" es de ese porcentaje: carente de una idea potente que resbala y cae por el abismo de las películas olvidables, salvada en momentos por escenas que provocan risas que siempre son agradables de recibir.

Calificación: 4/7

Trailer de "La Era del Hielo 3"

El Ilusionista

2009-07-13T23:16:00.001-04:00

"El Ilusionista"
Título Original: The Illusionist
Director: Neil Burger
Guión: Neil Burger y Steven Millhauser
Elenco: Edward Norton, Paul Giamatti, Jessica Biel, Rufus Sewell, Aaron Johnson, Eleanor Tomlinson
USA, 2006

El mismo año que se estrenó "El Ilusionista", otra película de magos apareció en el mundo cinematográfico bajo la tutela del gran Christopher Nolan. Y es justamente luego de su gran incursión en el área de los comics con Batman, cuando Nolan propone esta nueva obra al mundo que cae nuevamente rendido a sus encantos, opacando a cualquier película que le tratase de hacer el peso. No es algo novedoso que películas de formatos y temáticas parecidas salgan a la luz en fechas similares - sólo se debe recordar "Armageddon" e "Impacto Profundo" que en 1998 lanzaron el tema de los meteoritos al tapete -, y cuando esto ocurre sólo una resulta ser la vencedora. Lamentablemente para Neil Burger, su película sucumbió ante el poder de "El Gran Truco", sin embargo no por esto "El Ilusionista" deja de ser una película digna de apreciar.

Hay algunas cosas que son trascendentales en el desarrollo de una obra. Un buen inicio, un desarrollo potente que deje intrigado al espectador y alerta al desenlace, y un final que impacte de manera de dejar un gusto dulce al momento de leer los créditos culmines de la cinta. "El Ilusionista" tiene esas tres características, con algunos aderezos que la hacen más dulce o más amarga durante algunos pasajes, pero que en un balance general se logran obtener cuentas alegres de la producción. Si bien, el desarrollo argumental no aporta una mirada culta que regale sabiduría al espectador, la película tiene bien claro que su función es entretener y es por ello que su línea se mantiene al alza durante todo su desarrollo, proporcionando una tensión que es aplaudida por lo constante que se presenta.

El gran Edward Norton personifica a Eisenheim, un eximio mago que impresiona de sobremanera con sus actos, provocando ilusiones en su público a un nivel de llegar a ser idolatrado. Sin embargo, la gran gracia de la película es que la ilusión va más allá de la ficción y logra estrechar con el espectador un lazo de interacción de manera que éste sea partícipe de los actos mágicos del personaje, provocando una extraña relación que maravilla a la audiencia. Con un final potente e inteligente, "El Ilusionista" se posiciona como una obra capaz de despertar los sentidos del más moribundo, activando las sensaciones y llamando al ser lúdico para que se siente a disfrutar de una entretenida historia que bien puede servir de distracción.

La película no cuenta con una fotografía que maraville, ni con actuaciones sobresalientes - aunque de todas maneras destacan los papeles de Norton y Giamatti -, ni con una música armoniosa. Puede ser que destaque su preocupación de la escena artística como a su vez del vestuario. Sin embargo, "El Ilusionista" será recordada por ser una obra que no destacó del todo en las salas mundiales, a pesar de tener un guión dinámico que bien logra entretener al espectador, moviendo y agitando más neuronas que aquellas típicas películas "tontas" americanas desarrolladas exclusivamente para entretener.

Clasificación: 6/7

Trailer de "El Ilusionista"

Ella se fue

2009-07-05T23:43:00.003-04:00

"Ella se fue"
Título Original: Grace is gone
Director: James C. Strouse
Guión: James C. Strouse
Elenco: John Cusack, Shélan O'Keefe, Gracie Bednarczyk, Alessandro Nivola, Doug Dearth, Katie Honaker
USA, 2007

Hace poco en Chile se hizo conocido el Festival de Sundance debido a que una película de este país logró el Premio a Mejor Película. Sin embargo, se debe criticar la poca cultura de esta larga franja de tierra en materia cinematográfica, ya que es bien conocido a nivel mundial la importancia que tiene ese festival en el mercado del cine independiente. "Ella se fue" obtuvo hace dos años el Premio del Público y el Premio a Mejor Guión del certamen estadounidense, posicionándose de esta forma en el ojo de las distribuidoras del globo. A pesar de esto, tuvimos que esperar dos años para que la opera prima de James C. Strouse aterrizara en las salas locales de manera que el público pudiese apreciar el por qué John Cusack fue aplaudido de pie en diferentes muestras internacionales.

Con la música de Clint Eastwood la película deambula entre lo conciso y lo formado, encontrando aristas de emoción que no logran llegar a un buen termino por la falta de carácter que presenta la obra. Si bien Cusack crea un personaje que representa de gran manera el complejo problema de comunicación que vive, el resto de sus protagonistas no ejerce un rol que construya dentro del argumento una línea de comunicación directa con el espectador. Es así como la emoción que se forma no es capaz de conmover como debería, considerando que el guión original basado en una idea real tiene todas las características para hacerlo.

La pérdida de una madre es siempre un tema que conmueve. De hecho, personalmente puedo decir que una de las sensaciones más terribles que he tenido en mi corta vida es despertarme luego de haber tenido el mal sueño de que mi madre moría. Es así como el tema siempre estará latente dentro de la historia de la humanidad - y más aún si se sitúa en el contexto de las guerras -, con la misma potencia y la complicada tarea de informarlo para aquellos que aún pertenecen al mundo de los vivos. ¿Cómo se hace esto? ¿Cuál es la mejor forma de decirle a un hijo o hija que su madre acaba de partir para siempre? El problema es esa palabra: siempre. La absolutez temporal que posee acaba por desgatar las mentes racionales, cayendo en la compleja situación del desamparo.

Las líneas de perspectiva que el director propone, hacen de la trama algo monótono con un final conocido desde el comienzo que sólo tiene la emoción de la espera. Si bien se debe valorar que con un reducido elenco se logra mantener la tensión sin caer en el bostezo fácil, la película deja un gusto a poco acompañado de no haber aprovechado una buena idea. Lo nuevo de Strouse al parecer se viene más potente que esta obra reflejando que haciendo cine se aprende y probando con "The Winning Season" que la comedia podría ser el género al cual se debe dedicar.

Calificación: 4/7

Trailer de "Ella se fue"

Up

2009-06-24T22:19:00.004-04:00

"Up"
Director: Pete Docter y Bob Peterson
Guión: Pete Docter y Bob Peterson
Elenco: Edward Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai, Bob Peterson
USA, 2009

Pixar siempre nos sorprende. Sin embargo, debemos tratar de encasillar su majestuosa animación dentro de otro plano, para así lograr comparar su obra con el resto de las películas animadas, ya que hasta el momento tiene muy pocos competidores. De hecho existen algunas obras de la gran productora que pueden ser comparadas con películas no-animadas, ya que su estilo narrativo no se deja atrapar por el típico estereotipo de las películas infantiles, logrando atravesar las barreras generacionales, para abarcar el más amplio espectro de espectadores que una película puede tener.

De todas maneras la idea no es comparar a "Up" con otras películas animadas, sino que se pretende ser lo más objetivo posible de manera de no dejarse impresionar tan sólo por la calidad de su imagen o la limpieza con que los rasgos son expuestos. Porque en esta batalla Pixar tiene un arma sin precedentes, bajo la cual se ampara y logra destruir a sus rivales sin importar lo presentado. Sin embargo, la gracia de la productora es que no sólo tiene ese recurso para posicionarse dentro de lo más alto de la industria, ya que sus argumentos tienen el impacto necesario para lidiar con las grandes historias que se han presentado en la historia del cine.

"Up" es una de ellas. Pete Docter - creador de "WALL·E", "Monsters Inc." y "Toy Story" - se reunió con Bob Peterson - creador de "Ratatouille" y "Finding Nemo" - para formar una dupla atómica capaz de sorprender al mundo con una historia bastante sencilla, que tiene la capacidad de encantar tanto a los más chicos como a los más viejos de la sala. Y es que la historia expande las pupilas de los espectadores desde un comienzo, cuando en menos de 5 minutos se relata la historia de amor del protagonista Carl Fredricksen junto a Ellie demostrando que en ese espacio de tiempo podemos experimentar tantas sensaciones como fotográmas se muestran en pantalla. De hecho, la relación que se entabla con el personaje es tan cercana, que se puede comprender cada una de sus emociones facilitadas por su lenguaje corporal a pesar de ser sólo una animación.

La historia, cargada de originalidad, comienza de forma potente elevándose tal cual como lo hace la casa del protagonista, declinando sólo en el momento que los perros parlantes aparecen en escena. Estos, junto al pájaro prehistórico Kevin, no hacen más que ponerle una nota de humor fuera de contexto a la cinta, que por momentos la saca de su línea coherente para pintarla con rasgos de superficialidad. Quizás la forma de promover el humor no es la precisa para el sólido argumento presentado, ya que se desvía un poco la atención inteligente sin aprovechar situaciones que bien pudiesen haber elevado el impacto de la historia. Sin embargo, esto no obstaculiza que la cinta llegue a buen puerto para ser aplaudida de pie, transformándose así en una de las buenas películas del año, tal como lo hiciera "WALL·E" el año anterior.

Calificación: 6/7

Trailer de "Up"

Rebobinados

2009-06-10T19:57:00.004-04:00

"Rebobinados"
Título Original: Be Kind Rewind
Director: Michel Gondry
Guión: Michel Gondry
Elenco: Jack Black, Mos Def, Danny Glover, Mia Farrow, Melonie Diaz, Chandler Parker, Irv Gooch, Arjay Smith, Sigourney Weaver
USA, 2008

Michel Gondry se sitúa como un director de renombre en la industria del audiovisual. Y no digo industria del cine propiamente tal, ya que el hombre tiene una historia más que exitosa en el ámbito del video clip y del spot televisivo, desarrollando extraordinarios trabajos para grupos como Chemical Brothers, Björk, Beck, Cibo Matto, Kylie Minogue, The White Stripes y Rolling Stones; o para marcas como Levi's y Absolute. Hace algunos años incursionó en el mundo del cine obteniendo, a su vez, grandes resultados como lo es su película "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (2004) que escapa de la normalidad, instaurando un mundo fantástico del cual el espectador quedó prendado. Sin embargo, su auge de creador se estancó desarrollando largometrajes cada dos años sin agregarle esa chispa característica que sus seguidores aplauden.

"La Ciencia del Sueño" (2006) es una película que trata de escapar de lo usual, mostrando las típicas ideas y efectos que son ya un distintivo del nombre Gondry, pero que no acompañan a la columna vertebral de una producción cinematográfica como es su guión. En esta nueva producción del director francés titulada "Rebobinados", el sello característico de Gondry se muestra difuso y sólo a ratos genera simpatía en el espectador, provocando que éste se sienta extraño ante una obra de un artista conocido, en la cual no se vislumbra del todo la firma de su autor. Son sólo chispazos de ironía, vestigios de humor, pinceladas de sueños, que van indexadas a una historia más bien lineal que muestra todo su contenido en un par de escenas.

Eso es lo que complica el trabajo de Gondry, ya que su película llama la atención la primera media hora, para luego desfallecer en un desenlace lento, sin mucho sentido y con un cierre que da espanto con tan sólo recordarlo. Problemas serios de guión y estructura son los que impiden que la trama se muestre dinámica durante todo su metraje, cayendo en un vacío del cual no se logra escapar. Sin duda alguna que el gran plus de la cinta se puede ver en su sinópsis, por lo que uno espera que la película te entregue mucho más... Sin embargo lo que defrauda es que este aderezo no existe.

Como siempre Jack Black genera empatía. Además su co-protagonista Mos Def se complementa de gran manera, creando una dupla que quizás sirva para futuras producciones. Pero el resto del elenco no aporta mucho más, afectados por la poca libertad de expresión que proporciona el argumento, situando a la cinta en una película que tuvo una idea fenomenal, pero que no logró ejecutarla al nivel adecuado. De hecho, imagínense que la película está orientada a personas con una cultura cinematográfica normal al recordar de forma lúdica escenas clásicas de un sinnumero de films. ¿Pero qué ocurre con las personas que nunca han visto "Ghostbusters" o "2001: Odisea al Espacio"? Al parecer Gondry las abandonó y no les dio un arma apropiada para defenderse en la película.

Esperemos que el próximo trabajo de Michel Gondry sea como sus video clips o sus spot televisivos - o mejor aún, como "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" -, ya que es ahí donde el francés cumple una labor monumental.

Calificación: 4/7

Trailer de "Rebobinados"

De regalo una exclusiva: el Trailer de "Rebobinados" Sweded, protagonizado por Michel Gondry

Wolverine

2009-06-06T16:34:00.010-04:00

"Wolverine"
Título Original: X-Men Origins: Wolverine
Director: Gavin Hood
Guión: David Benioff y Skip Woods
Elenco: Hugh Jackman, Liev Schreiber, Danny Huston, Dominic Monaghan, Kevin Durand, Ryan Reynolds, Daniel Henney
USA, 2009

Hay películas que siendo secuelas, no necesitas de las ediciones anteriores para que te atrapen. Si lo logran, tienen un punto a favor ya que no sólo su público es aquel que ya las ha seguido desde hace tiempo, sino que tiene material para “ganarse” al espectador nuevo que no posee ninguna pizca del argumento en su materia gris. “Wolverine” es en parte una de esas películas, ya que si bien la historia del mutante es conocida para los seguidores de X-Men, no lo es del todo para aquellos que nunca han tenido la oportunidad de contemplar el argumento de la historia; sin embargo, la película logra entretener y mostrar una dinámica que tanto los espectadores entendidos del tema, como los neófitos, resultan favorecidos.

De todas maneras, la película tiene la ventaja de presentar el origen de uno de sus personajes, por lo que el pasado no importa y es el futuro lo que el espectador entendido conoce. Sin embargo, el inculto del tema, no debe por qué saber esos detalles para seguir la línea argumental de la película, dándole esa ventaja al guionista y desatándole las manos de manera que pueda escribir el guión con mayor libertad. Es así como David Benioff y Skip Woods pudieron formar una película que contiene sutilezas que regalan indicios de lo que se viene en el futuro - provocando así la euforia de los fanáticos de la saga -, sin deformar la historia hasta el punto de hacerla exclusiva.

Hugh Jackman se posiciona fielmente en el personaje, desarrollando un papel lúcido que le impregna realismo a su historia, a pesar de estar en la categoría de absoluta ciencia ficiión. El resto de los actores, logran realizar lo que sus personajes demandan sin caer en sobreactuaciones que pudiesen afectar al espectador de manera de rechazar en parte a la obra final. Si bien el director Gavin Hood ensambla de buena forma las piezas con que dispone, demostrándo que su lápiz crea obras de calidad tal y como fue su película "Tsotsi "(2005) - ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera -, no puede transformar esta historia de mutantes en algo que sea trascendente a través de la historia cayendo en la típica categoría de sana entretención.

Sin embargo, el director junto a su equipo de guionistas, le abren la ventana a los otros personajes de la saga, para que también posean la película sobre su origen. De esta forma, los guionistas ya se pusieron manos a la obra en la creación de los origenes del resto de los mutantes, invitando y seduciendo a su vez al otrora director Bryan Singer para que vuelva a sus origenes. Y es que quizás el director de "Los Sospechosos de Siempre" (1994) le entregue una nueva frescura a la historia, desplegando todo su talento para situar a la saga en un sitial de honor en el cual están aquellas películas que aparte de entretener, le entregan al espectador emociones y pensamientos que trascienden a través de los años, con el fin de aportar algo nuevo a la sociedad.

Calificación: 5/7

Trailer de "Wolverine"

Angeles y Demonios

2009-05-25T23:20:00.006-04:00

"Angeles y Demonios"
Título Original: Angels & Demons
Director: Ron Howard
Guión: David Koepp y Akiva Goldsman, basado en el libro homónimo de Dan Brown
Elenco: Tom Hanks, Ayelet Zurer, Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Pierfrancesco Favino, Armin Mueller-Stahl, Nikolaj Lie Kaas, Cosimo Fusco
USA, 2009

Hace algún tiempo tuve el placer de leer el libro de Dan Brown en el cual se basa esta película. Un tremendo libro que no deja indiferente a nadie con sus datos curiosos y con el dinamismo que le impregna el escritor a cada una de sus oraciones. ¿Alguien notó que subrayé "basado" en la ficha técnica de esta crítica? Si alguien espera ver a Robert Langdon volando en el Jet que lo traslada desde Estados Unidos a Suiza, cómo encuentran el cuerpo del padre de Vittoria, o las mismas dependencias del CERN por donde se mueve el Director Kohler; saldrán absolutamente desconcertados de la sala de cine. Es que al parecer Koepp con Goldsman metieron en una juguera el primer libro de Dan Brown, resultando así una serie de acontecimientos extraídos del libro original que fueron estampados en un "nuevo libro" al que se le llamó guión adaptado.

Lamentablemente, Ron Howard siguió los líneas creativas usadas en "El Código Da Vinci" (2006) de forma exagerada, resultando así una obra tan recargada que tuvo que ser podada para ajustarse a los formatos de taquilla. Si bien en "El Código Da Vinci" la forma de contar la historia no se perdía del todo y era fehaciente al libro, en "Angeles y Demonios" la tijera de los guionistas se volvió activa y comenzó a recortar secuencias bastante importantes del film hasta la medida de estar obligados a crear nuevos acontecimientos que nunca fueron parte de la historia original. Resulta impactante cómo Howard busca la manera de plasmar la historia de Brown en la pantalla, ya que al parecer sus años de trayectoria no le aclaran el sendero para notar que es justamente el guión la parte que falla en su obra.

Ya lo he dicho un sinnumero de veces: el guión es la clave de todo. Y en este caso queda expuesto. Los guionistas de "Angeles y Demonios" son los mismos que están detrás de "Soy Leyenda" (2007) y "Yo, Robot" (2004) por el lado de Goldsman, e "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" (2008) y "La Guerra de los Mundos" (2005) por el lado de Koepp. Si bien, han tenido aciertos fílmicos como "Una Mente Brillante" y "Mission: Impossible" - Goldsman y Koepp, respectivamente -, en términos generales no son buenos guionistas y menos lo serán bajo la compleja labor de la adaptación. Desde este punto de vista, mejor es la labor de Peter Morgan quien fue el guionista del trabajo anterior de Ron Howard llamado "Frost/Nixon" (2008) y de quien ya conocíamos obras como "El último Rey de Escocia" y "La Reina", ambas del año 2006. ¿Por qué Howard no siguió bajo su línea argumental? Sólo por marketing. Y es que la publicidad y la taquilla fueron las grandes destructoras de "Angeles y Demonios", tomándola como una obra para el culto y desfigurándola hasta el punto de tener el sello del olvido.

Será mejor no referirse al resto de las aristas que componen la cinta para no despedazarla, sin embargo es necesario tocar algunas. Tom Hanks realiza un trabajo plano sin emoción alguna como lo mostrara años atrás en la secuela de "Angeles y Demonios" (¿conocen otra obra en que la secuela salga primero a la luz?). Si uno pensaba que entre Hanks y Audrey Tautou no existía esa pasión que debe aflorar entre las parejas fílmicas, al compararlo con el lazo de unión entre los protagonistas de esta nueva cinta parece ser un amor pasional descontrolado. ¿Cuál es el punto de intersección? ¡Mr. Tom Hanks! Entonces habrá que darle una nueva oportunidad a Forrest Gump ya que sin duda está perdiendo su tiempo junto al equipo marketero de Ron Howard.

A continuación un Spoiler

Y para no seguir con las críticas negativas, citaré algo que me impactó positivamente. Dan Brown en su libro no lograba traspasar la majestuosidad de la explosión de la antimateria. Sin duda alguna que lo mejor del film es la escena del cielo iluminado. El efecto liderado por Howard bien vale la pena apreciarlo un día domingo en la tarde en la comodidad del hogar. Y es que en ese momento los Illuminati se hicieron presentes.

Calificación: 3/7

Trailer de "Angeles y Demonios"

Vicky Cristina Barcelona

2009-05-16T17:21:00.004-04:00

"Vicky Cristina Barcelona"
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Elenco: Javier Bardem, Scarlett Johansson, Rebeca Hall, Penélope Cruz, Christopher Evan Welch, Patricia Clarkson, Chris Messina
España/USA, 2008

La espera fue larga para que "Vicky Cristina Barcelona" aterrizara en suelo chileno, generando así expectativas altas proporcionadas exclusivamente por la fama de Woody Allen a nivel internacional, el marketing y revuelo que causó en Barcelona el rodaje del film el año anterior y los premios de la crítica mundial como fueron el Globo de Oro a Mejor Película Comedia y el Oscar a Mejor Actriz de Reparto para Penélope Cruz. Es así como la disposición de ver la película cambió y quizás se ingresó con ciertos prejuicios, sin embargó a la salida del cine luego de una evaluación profunda de lo visto, se puede comentar que la película presenta una historia que bordea lo intrascendente sin caer en ello, jugando con lo peculiar de la vida, en base a una vivencia estival de dos americanas que viajan a Barcelona. Si bien no provoca sensaciones que te dejan pensando en el argumento desarrollado, "Vicky Cristina Barcelona" permite reflexionar sobre algunos detalles propios de la trama, que despliega su parte más lúdica con el fin de que el espectador se entretenga y pase un buen rato en su hora y media de duración.

Woody Allen tiene la capacidad y categoría de realizar películas tan personales como se le apetezca. Si quiere filmar una planta durante una hora lo puede hacer, y la audiencia mundial de alguna u otra forma va a buscarle el sentido a la obra. El hombre nacido hace 74 años ya lleva 45 películas a su haber de las cuales el 25% es de este siglo. Sin embargo, este "nuevo" Woody está reinventándose constantemente, ya que atrás quedó su estilo impregnado en sus obras setenteras "Annie Hall" (1976) y "Manhattan" (1979) o sus ochenteras "Hanna y sus hermanas" (1986) o "Días de Radio" (1987); demostrando así que él aún sigue vigente, sin perder el peso que pudo haber perdido si se toma en cuenta que su época de oro comenzó treinta años atrás. De hecho su última obra estrenada - la cual se sitúa como el retorno del director a suelo americano luego de 4 films en europa - ha recibido elogios de distintas latitudes, por lo que esperamos con ansias su estreno.

Y es justamente ese talento el que hipnotiza a muchas estrellas mundiales que quieren trabajar con Woody Allen. Es el caso del director de fotografía de esta película, el español Javier Aguirresarobe, quien acudió a trabajar con el neoyorquino sin poner problema alguno, no importando su tremenda carrera alabada por éxitos como "Beltenebros" (1991), "Hable con ella" (2002) o "Mar Adentro" (2004). De esta misma forma, Scarlett Johannson se ha vuelto su musa y Javier Bardem, habiendo conseguido el Oscar recientemente, no reparó en ningún item para participar en su película. De hecho, es gracias a Woody Allen, que Penélope Cruz - quien aparece por primera vez cuando la película lleva 45 minutos transcurridos - haya conseguido el Oscar a Mejor Actriz de Reparto, ya que sólo por el peso de la película en sí la Academia Hollywoodense la premió, dejando de lado a tantas otras actrices que desempeñaron papeles más valorables que el de la española.

Bajo estos conceptos, uno pudiese haber esperado una obra categórica y potente, sin embargo la película muestra un argumento coloquial que no penetra dentro de la sensibilidad del espectador, transformándose así en una obra divertida y extravagante que no llega a impactar en demasía. Alguna risa y un buen momento pudiese llegar a generar "Vicky Cristina Barcelona", sin embargo no logra posicionarse más allá. No son las actuaciones, ni la fotografía, ni el decorado, lo que salva a esta obra de Woody Allen, si no que es el siempre genuino sello de su director y guionista: el relato afable, dinámico e ilativo que le entrega a sus películas, mostrando así la capacidad de entretención que tiene el cine.

Esperamos que la nueva constelación de estrellas que está formando Woody para su nuevo film - que incluye a Nicole Kidman, Antonio Banderas, Freida Pinto, Naomi Watts, Josh Brolin y Anthony Hopkins - sí nos impresione más allá y nos deje algo que nos pueda servir personalmente. "Vicky Cristina Barcelona" está muy lejos de dejarnos algo interesante para el crecimiento de cada uno, aunque bien se pueden rescatar hechos simbólicos en ella que, en casos particulares, quizás sirvan como un ánimo espiritual para realizar actos irracionales que están fuera de los cánones clásicos bajo los cuales está regida la sociedad.

Calificación: 4/7

Trailer de "Vicky Cristina Barcelona"

Milk

2009-05-08T21:09:00.002-04:00

"Milk"
Director: Gus Van Sant
Guión: Dustin Lance Black
Elenco: Sean Penn, Emile Hirsch, Josh Brolin, Diego Luna, James Franco, Alison Pill
USA, 2008

Hace poco Robert McKee aterrizó en suelo chileno para dictar su clásico curso del cual han participado figuras de la talla de David Bowie, Carrie Fisher o Kirk Douglas. En él Bob McKee, como es conocido, presenta la importancia que tiene el guionista en el film y cómo es en base a su creación la manera en que se forja la obra. Si bien el director es parte de un equipo de trabajo, no es el único que se debe llevar el aplauso del público cuando se presenta una buena película, ya que gran parte del aporte al trabajo audiovisual ya viene escrito en el papel.

En esta cinta dirigida por Gus Van Sant, se relata la historia de Harvey Milk, político y activista gay estadounidense que se adjudicó el cetro de ser el primer hombre abiertamente homosexual en ser elegido a un cargo público en Estados Unidos. El guión, basado en hechos reales y que produjeron gran impacto a nivel mundial, fue ejecutado por el joven Dustin Lance Black que desde sus inicios ha estado enfocado en la creación de obras relacionadas al mundo gay como fue su primer corto "Something Close to Heaven" (2000) y largometraje "The Journey of Jared Price" (2000). Black, quien pertenece al Movimiento Activista LGBT (del inglés Lesbian, Gay, Bisexual, Transgender), relata la historia de un personaje que dio su vida por sus creencias y que es caracterizado en la pantalla por el gran Sean Penn.

El actor, que con esta película se llevó el Oscar a Mejor Actor - obteniéndolo así por segunda vez luego de haberlo ganado con "Río Místico" (2004) -, realiza un trabajo formidable representando de manera auténtica a un hombre elevado por sus ideas y movido por su conciencia. Con un histrionismo que a veces parece exagerado, Penn presenta a un personaje que si bien tiene su lado amable y humano, es querido por la audiencia logrando establecer un contacto con el público. Sin embargo, no todo es positivo en materia de actuación ya que, a pesar de ejecutar un casting de lujo contemplando la semejanza de los actores con sus representativos reales - como el caso de Cleve Jones interpretado por Emile Hirsch -, con ciertos personajes cae en una incredulidad máxima que no se logra sostener a través del film exponiéndo a un calificativo negativo a actores como Diego Luna.

Pero la historia sigue una línea argumental definida que por momentos se torna cansina, alargando su desenlace hasta un punto que el espectador logra sentirse incómodo, pero aliñada con la calidad del director. Y en este juego Gus Van Sant se sabe manejar como lo demostró con su film titulado "Elefante", el cual fue galardonado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del 2003. En este drama protagonizado sólo por chicos desconocidos hasta ese entonces, el director de "Drugstore Cowboy" (1989), "My Own Private Idaho" (1991) y "Good Will Hunting" (1997), logra mantener expectante a la audiencia con un relato pausado y lento, excluyéndolo de un peso somnoliento, a pesar de utilizar el recurso de la cámara en mano que sigue a sus personajes. De hecho el final de "Milk" es para aplaudirlo de pie, ya que a pesar de que la audiencia conoce el desenlace con anterioridad, aún así logra impactarse y sobrecogerse al ser tratado en la pantalla con una calidad que sólo directores como Van Sant podrían ejecutar.

La película logra dejar un sabor para degustar luego de presenciarla. Y eso es sólo por efecto del trabajo en conjunto que logró realizar el guionista con la historia, potenciando los dichos de Bob McKee a través de sus presentaciones. La homosexualidad sigue siendo un tema que es evitado dentro de la sociedad, a pesar de haber transcurrido 30 años desde esos hechos. Sin embargo, cada vez más los hombres y mujeres de esta tendencia sexual, han sabido expresarse gritando al viento su condición sin temor a los prejuicios e injurias que muchos podrían propinarles. La libertad está presente y nadie es dueño de ella, por lo que Harvey Milk debería estar orgulloso de que tres decadas después, aún se le recuerde como uno de los primeros que logró enfrentarse a la sociedad, dando su verdad y demostrando que la naturaleza no tiene sólo dos colores.

Calificación: 6/7

Trailer de "Milk"

El Luchador

2009-04-30T13:04:00.005-04:00

"El Luchador"
Título Original: The Wrestler
Director: Darren Aronofsky
Guión: Robert D. Siegel
Elenco: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Mark Margolis, Todd Barry, Ernest Miller
USA/Francia, 2008

Robert D. Siegel durante el 2008 comenzó una carrera en el mundo del cine como guionista de uno de los directores "jóvenes" más extravagantes, para luego probar suerte como director con su película titulada "Big Fan" la cual fue seleccionada este año en el prestigioso Festival de Sundance. Nada mal para un comienzo sin muchas expectativas, y más aún cuando la crítica internacional elogió de sobremanera esta película escrita por su persona y protagonizada por Mickey Rourke. Sin embargo, hay que dejar en claro que si abstraemos la cinta de la actuación de Rourke y de la dirección de Aronofsky, sin duda que la película no hubiese tenido el impacto que tuvo, ya que si bien la historia propone una idea interesante, ésta no posee el dinamismo esperado en cintas de estas características.

Lo interesante de la película de Aronofsky va justamente en la forma en cómo el director relata la historia. El argumento es acompañado por las cámaras que se transforman en acompañantes del personaje, emulando su sombra, y en muchas ocasiones personificando a un guardaespalda invisible que lo sigue de cerca. Bajo esta perspectiva, el espectador es un protagonista más que vive las emociones experimentadas dentro de la obra, atrapando así todas las sensaciones que irradian los personajes. Sin embargo, no sólo por esto el público es capaz de atrapar las emociones que nos porporciona la imagen y el sonido, sino que también es una facultad propia de la calidad de los actores. En este caso, Mickey Rourke realiza una actuación sobresaliente que bien le hubiese valido el Oscar, aunque de alguna u otra forma más que una actuación, representa parte de su vida personal.

Mickey Rourke por siempre será recordado como el actor por el cual miles de mujeres de a fines de los ochenta se volvían locas. Su actuación en "Nueve semanas y media" (1987) junto a la espectacular Kim Basinger, lo convirtió en un sex-symbol de talla mundial. Sin embargo, la fama le jugó en contra, llegando a extremos que impactaron a la prensa de entonces. En 1991 se alejó del cine y comenzó a boxear - deseo que poseía desde su niñez - retirándose de los cuadriláteros cuatro años después, dejandole secuelas en su rostro que hasta el día de hoy son posibles de apreciar. Pocos creían que volvería a renacer ya que con suerte era llamado para películas de nivel. Sin embargo, el año pasado quedará marcado en la vida de Rourke, ya que el director de "Requiem for a Dream" lo llamó para protagonizar su último film, dejando de esta forma plasmado en la historia del cine la resurrección del galán de los 80's veinte años después de dar su primer salto a la fama.

Si bien el estilo de filmación - con rasgos de decadencia en la imagen que van muy acorde con el argumento presentado - y la actuación de Rourke - no dejando de lado la participación de Marisa Tomei que bien vale la pena destacar -, hacen que la cinta posea características aplaudibles, la historia no logra sostenerse por sí sola. El guión es flojo, presentando una historia algo monótona y obvia, que por momentos termina por aburrir al espectador. A pesar de tener un argumento que a grandes rasgos pudiese haber sido aún más potente, la trama no potencia de buena forma la decadencia que se presentan en paralelo de estas dos almas solitarias. Por un lado el Luchador en edad avanzada que se sostiene en pie gracias al aplauso y la euforia de su público, y por el otro la Bailarina con años de experiencia que se muestra enclaustrada en un mundo sucio y difícil. Ambos siguen sus caminos, apoyándose mutuamente y tratando de hacer lo correcto. ¿Pero qué es lo correcto en esos mundos de excesos? Quizás la pregunta queda planteada en la película de forma vaga, dejando esos puntos suspensivos que no logran convencer del todo...

Quizás el mejor análisis es hacer el paralelo entre el actor y el personaje, dejando de esta forma la puerta abierta para que esos puntos suspensivos se transformen en algo más concreto al ver la vida del propio Mickey Rourke. Sin lugar a dudas que su posición dentro de la cinta cambió, abriéndole las puertas de la vida de nuevo ironicamente gracias a un personaje similar al que se las cerró. De esta forma se deja escrito que el renacer siempre es posible... o sino pregúntenle al señor Rourke.

Calificación: 4/7

Trailer de "El Luchador"

La Sociedad de los Poetas Muertos

2009-04-21T17:18:00.007-04:00

"La Sociedad de los Poetas Muertos"
Título Original: Dead Poets Society
Director: Peter Weir
Guión: Tom Schulman
Elenco: Robin Williams, Robert Sean Leonard, Ethan Hawke, Josh Charles, Gale Hansen, Dylan Kussman, Kurtwood Smith, James Waterston, Allelon Ruggiero
USA, 1989

Hay algunas películas que tienen a personas dentro de su crew que se han transformado en íconos del cine, como lo ha ido demostrando la propia historia. Es el caso de "La Sociedad de los Poetas Muertos", que en base a un guión potente escrito por Tom Schulman, se transformó en una película de culto adorada por muchos profesores alrededor del mundo. Extrañamente, Schulman ese mismo año escribió la historia de "Querida encogí a los niños" protagonizada por Rick Moranis, que no tiene ningún ápice de lo grandilocuente que llega a ser la historia de estos jóvenes estudiantes, mostrando lo irónico que puede llegar a ser la vida situando en diferentes extremos las ideas de un guionista escritas durante un mismo año.

La película dirigida por Peter Weir - director de obras como "La Costa Mosquito" o la gran "Testigo en Peligro" - tiene un aura que proyecta en la cinta un argumento mágico, que baila por pasajes de delicadez extrema al borde de lo puramente emocional. Si bien la historia posee un peso propio al ser trabajada por un artesano dedicado, se ve influenciada positivamente por una fotografía de gran calibre a cargo de John Seale, que participó junto a Peter Weir en sus anteriores películas ya citadas, y en otras obras para ser consideradas como "Rain Man" o "Gorilas en la Niebla", que es recordada por sus espectaculares imágenes selváticas.

Además, cuenta con una composición musical que es imposible pasar por alto, que está a cargo del gran Maurice Jarre, el que hace algunas semanas atrás ha dejado este mundo llevándose consigo su cuerpo, pero heredando a la humanidad obras como "Doctor Zhivago", "Lawrence de Arabia", "Ghost" o "Testigo en Peligro". La obra de Maurice compuesta para "La Sociedad de los Poetas Muertos" aún sigue siendo utilizada en diferentes espacios televisvos, trascendiendo a través de los años y corroborando así que su música va más allá de las modas generacionales.

Si bien luego de esta película, Peter Weir sólo nos ha regalado "Truman Show" como obra potente a asimilar, no es motivo para decir que el director perdió su impronta. Esta película realizada en 1989 posee todo lo necesario para que Weir haya dejado su huella a través de la historia. Es una crítica a las reglas, a las normas, a las rigideces de los sistemas educacionales, a la estrechez que demarcan las tradiciones... Es una herramienta motivacional para albergar la libertad, una ventana al mundo que es posible de alcanzar, es un utensilio capaz de romper las cadenas a las posibles celdas mentales que tenga el espectador, invitándolo a levantarse y hacer algo en la vida. La escena en que todo colapsa es de una calidad abismante. El corte de sonido, la cámara lenta, el grito al vacío, hacen que los sentimientos queden a flor de piel, machacando el ánimo hasta el punto que el engranaje mental se mueve proponiendo una distinta visión al mundo.

"Carpe, carpe diem, seize the day boys, make your lives extraordinary" decía el magistral profesor John Keating, interpretado por Robin Williams. Aprovechen el día y hagan sus vidas extraordinarias... Ojalá todos nuestros profesores hayan seguido su postura, su tradición, permitiendo que a sus alumnos les creciesen alas de forman que volasen donde ellos quisieran, no impidiéndoles sus sueños. De esta forma, siempre los hubiésemos valorado, a pesar de las injusticias que pudiesen afectarlos a raíz de esas estúpidas tradiciones de enseñanza inefectiva. Estoy seguro que si el mundo estuviese lleno de John Keating, la cosa sería otra y orgullasemente nos hubiésemos recordado de nuestros profesores diciéndoles "O Captain my Captain".

Calificación: 7/7

Trailer de "La Sociedad de los Poetas Muertos"

El Sustituto

2009-04-17T17:17:00.004-04:00

"El Sustituto"
Título Original: Changeling
Director: Clint Eastwood
Guión: J. Michael Straczynski
Elenco: Angelina Jolie, John Malkovich, Gattlin Griffith, Michael Kelly, Jeffrey Donovan, Colm Feore, Jason Butler Harner, Devon Conti
USA, 2008

Es complicado cuando el director obligatoriamente debe cambiar a su director de fotografía. Es por eso que pocas veces los directores se desligan de ellos y cuando, bajo su criterio, encuentran al indicado, se quedan con ellos para toda la vida. Y eso fue lo que le ocurrió a Clint Eastwood cuando encontró a Tom Stern en "Blood Work" (2002), película que se transformó en la primera cinta de Stern cumpliendo el rol de líder en el ámbito fotográfico de un film. Desde aquel entonces, este hombre llegó al trabajo que más de algun Director de Fotografía del orbe quisiera tener, subiendo poco a poco entre los trabajos que le fueron asignados con anterioridad especializándose en el rol de gaffer, hasta llegar a ser el brazo derecho en materia de imagen de Clint Eastwood.

La dirección de fotografía de este film es bastante llamativa. Junto a una dirección de arte que no se queda atrás, desde el comienzo en que la cinta muestra a un Los Angeles de los años 20 en blanco y negro degradándose poco a poco al color, "El Sustituto" persigue entrometer al espectador en la época, con pinceladas de cámara que no pasan desapercibidos, bajo un arsenal de detalles de antaño que más de alguna sonrisa simpática puede hacer florecer en la audiencia. Sin embargo, es quizás un exceso de luces y sombras al momento en que a su protagonista Angelina Jolie le obsequian sus primeros planos, dejando entrever la "máscara de diva" que al parecer es compleja de eliminar en la actriz, permitiendo que los recuerdos de "Girl, Interrupted" (1999) - que se hacen aún más presentes en las escenas del manicomio - se transformen en bellos pasajes de la historia, al parecer parte del pasado, en donde Jolie ejecutaba personajes creíbles.

La trama se sustenta en un guión de J. Michael Straczynski, quien muestra su incapacidad por darle término en el tiempo adecuado a la historia basada en un momento de la vida de Christine Collins. Straczynski, al parecer, confundió los distintos metrajes entre el cine y la televisión, revelando que su curriculum despliega su trayectoria televisiva como guionista de series de varias temporadas como lo es "Babylon 5". Lamentablemente, cuando un film cae en un letargo y en una dilatación, se pierde la perspectiva de lo ya visto, nublando los buenos momentos y opacando las grandes enseñanzas que te puede dejar la obra. En este caso, "El Sustituto" presenta una historia bastante llamativa que bien podría ser tema de debate en cualquier reunión social, sin embargo, la película en su totalidad no se logra sostener, cayendo en su final y dejando de esta forma un sabor extraño en el espectador.

Pero la historia es rescatable a grandes rasgos por lo que la película se aplaude y se agradece que el cine sea también un elemento de comunicación masivo. La crítica que realiza la obra es bastante potente en varios sentidos y quizás sea un buen ejercicio recordar cada uno de los detalles que transforman a "El Sustituto" en una película para ser analizada. Por un lado está el sentido de dejar en claro el abuso de poder por parte de la policía - que casi un siglo después sigue presente en la sociedad -, de demostrar que a veces se debe desobedecer para realizar las acciones que uno cree que están correctas, de caracterizar a esos típicos médicos soberbios que sin dar explicaciones convincentes creen tener la verdad absoluta, de plasmar la dedicación y entrega por la cual una madre no dará su brazo a torcer hasta que la última gota de esperanza se evapore. Clint Eastwood, como ya fue dicho en un post anterior, tiene la sutileza y la sensibilidad para demostrar esos elementos en pantalla de forma que el espectador los asimile sin complicaciones. Eastwood se transforma así en un ícono que apoyado por sus propias composiciones musicales, se desenvuelve en la pantalla como un grande, ya sea delante de ella cumpliendo un rol actoral, o detrás, como ya lo ha demostrado en estos últimos años.

Calificación: 5/7

Trailer de "El Sustituto"

Gran Torino

2009-04-13T20:40:00.007-04:00

"Gran Torino"
Director: Clint Eastwood
Guión: Nick Schenk y Dave Johannson
Elenco: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, John Carroll Lynch
USA/Australia, 2008

La calidad se nota a simple vista y desde lejos. Al menos eso ha demostrado la historia que por el momento no se ha equivocado. Clint Eastwood es uno de esos hombres que siendo partícipes de una obra, llaman la atención de la audiencia. Esto lo fue cuando en los 50's y 60's protagonizaba películas que sorprendían a más de alguno por la fuerza que desplegaban su personajes llegando a ser nombrado como el "Duro" de Hollywood - cetro que aún no es posible arrebatárselo -, o cuando el rol de actor pasó a ser vestido como el de director realizando obras de un nivel excepcional entre las que se cuentan "Los Imperdonables" (1992), "Río Mistico" (2003) o "Million Dollar Baby" (2004).

Ahora es el turno de "Gran Torino", que siguiendo con la tradición de las últimas entregas del hombre nacido en San Francisco hace 79 años, fue estrenada el mismo año que otra película de la autoría del protagonista de "El bueno, el malo y el feo" llamada "El Sustituto". Sin embargo, esta cinta en que Eastwood también es protagonista posee algo que "Changeling" - título original de "El Sustituto" - no cuenta y es que el valor humano no se pierde en el glamour ficticio que irremediablemente posee la cinta protagonizada por Angelina Jolie. En "Gran Torino" la relación existente entre los personajes es sustentada por un aura de credibilidad que transforman a la cinta en un verdadero film para apreciar.

Con una historia que mide cada paso, construida sobre frases de antología surgidas de conversaciones simples que le otorgan al guión estrellas de calificación por sobre lo que uno está habituado a apreciar en las salas de cine, la película desarrolla una trama con un final quizás predecible, pero acorde a lo mostrado. Basado en la consecuencia, "Gran Torino" sigue una línea argumental bastante acabada que impregna la pantalla de puentes de unión entre el espectador y el film, dejando un paso de libre acceso para la compenetración con la historia. Si bien ésta peca de escenas obvias que por momentos se transforman en algo cliché, la película logra escapar de ellas no ensuciando así el argumento central de la obra.

Y es que Clint Eastwood hace todo fácil. A sus casi 80 años sigue intimidando con esa voz característica como hace 30, sigue actuando como si nunca dejara de aprender y sigue dirigiendo preocupándose de cada detalle formando así una película de todo su gusto, que muy dificilmente, no coincide con el gusto del espectador. Es así como "Gran Torino" es una película fácil de llevar, con rasgos de "liviana", pero con una carga de valores que como un virus se ramifican dentro del espectador de manera que razone entre lo correcto y lo incorrecto, entre lo valiente y lo cobarde, entre la xenofobia y la endofobia, de manera de juzgar cuál es el próximo paso que pudiésemos dar nosotros mismos en la vida... quizás emulando a un veterano que no sólo se hace llamar Walt Kowalski en esta película, sino que tiene un nombre que perdurará para la eternidad. Bravo señor Eastwood.

Calificación: 6/7

Trailer de "Gran Torino"

Che: Parte Uno

2009-03-11T14:47:00.005-03:00

"Che: Parte Uno"
Título Original: Che: Part One

Director: Steven Soderbergh
Guión: Peter Buchman, basado en la novela de Ernesto "Che" Guevara
Elenco: Benicio del Toro, Rodrigo Santoro, Demián Bichir, Santiago Cabrera, Catalina Sandino Moreno
Francia/España/USA, 2008

Al parecer la vida del Che Guevara fue monótona o así lo plantea Soderbergh o su novato guionista Peter Buchman (y digo novato ya que considerar "Jurassic Park 3" o "Eragon" dentro del currículum no es una buena señal). Y no creo que haya sido su intención, ya que todos sabemos que la vida del Revolucionario fue una vida cargada de sorpresas y aventuras en pos de los mejores ideales que a él no le parecían imposibles. Sin embargo, lamentablemente el director de "Traffic", "Erin Brockovich" y "Ocean's Eleven", no fue capaz de entregarle dinamismo a la cinta haciéndola caer en el sopor del cual muy pocos espectadores lograron zafarse.

Benicio del Toro - Mejor Actor en el Festival de Cannes por este rol - es sin duda el pilar de la cinta que la lleva a paso cansado hacia lo que podría ser un buen final. Si bien el desenlace comienza a transformarse en emotivo, no logra convencer del todo para que volvamos a visitar la sala con el fin de deleitarnos con la parte dos, la cual tuvo que ser transformada en una nueva película debido al extenso metraje de la película entera. Lamentablemente así resultó ser la película de Soderbergh, el cual por estos días lanza una intensa campaña de manera que los distribuidores norteamericanos lo tomen en cuenta y puedan lanzar al "Che" dentro de las salas del país de norte. No creo que sea sólo política la acción tomada por los distribuidores... aunque pensándolo bien, si distribuyen cintas como las que vemos semanalmente en nuestra televisión por cable, demás que es sólo política.

"Che: Parte Uno" es una película biográfica de grueso calibre en la cual por momentos se ve intensificada la dura lucha que se generó en la guerrilla de la Revolución Cubana, pero que en otro momentos se visualiza una monotonía como si la línea argumental perdiera su destino. Con escenas que pueden llegar a ser impactantes, el film se desarrolla y deambula contando la historia de uno de los principales líderes de la Revolución, con una forma de presentación en pantalla que es lo rescatable de la producción. Los rasgos de documental que el realizador le entrega a la cinta hacen que el "Che" (hablaré de ahora en adelante en el conjunto de las dos partes) sea una entrega de archivo que quedará en las estanterías de las bibliotecas por su alto contenido informativo y en el cual la fotografía desarrollada por el propio Soderbergh hacen un juego de luces y sombras rescatando las grandes semejanzas entre "El Argentino" y el actor de origen puerto riqueño.

La armada latina en actuación se hace presente el film. Los acentos son vistosos (audibles) lo cual se transforma en un juego adivinar el origen del que interpreta al personaje de la pantalla. Es así como Santiago Cabrera da señales de origen chileno, empleando algunos modismos que llaman la atención de los más perceptivos. Pero la película no se dirige a aquello, sino a que la historia del "Che" Guevara sea conocida por las masas, destacando su tremendo esfuerzo por hacer de este mundo un mejor emblema y en el cual todos seamos mejores personas. No sé si Soderbergh lo logró en su cinta, sin embargo puedo decir que el intento está ahí a la espera de que el público tenga su propia opinión. Esperamos que la parte 2 sea recomponedora y logre salvar a esta primera parte que dejó mucho por entusiasmar.

Calificación: 4/7

Trailer de "Che: Parte Uno"

Slumdog Millionaire

2009-03-04T18:09:00.006-03:00

"Slumdog Millionaire"
Director: Danny Boyle
Co-Director en India: Loveleen Tandan
Guión: Simon Beaufoy basado en la novela de Vikas Swarup
Elenco: Dev Patel, Madhur Mittal, Freida Pinto, Azharuddin Mohammed Ismail, Ayush Mahesh Khedekar, Rubiana Ali, Tanay Chheda, Ashutosh Lobo Gajiwala, Anil Kapoor, Saurabh Shukla
UK, 2008

Permítanme comenzar con destacar la fotografía de esta película. Anthony Dod Mantle, el mismo director de fotografía del primer Dogma "La Celebración", es quien está encargado de la ejecución perfecta de este film en donde los planos sorprenden por la audacia de su imagen. Esas vistas aereas de la India cuando los niños escapan de la policía, o esas visuales entre la gente que poseen una textura que llama al olfato a ser parte de la película, transforman a "Slumdog Millionaire" en una película que bien vale la pena apreciar en la pantalla grande.

Por otro lado la música escogida para la película es sin lugar a dudas uno de sus puntos altos, en donde el genio de Danny Boyle se sobrepone entre sus pares para ejecutar la elección del audio incidental que acompañará a sus personajes, ya sean estos acordes originales o simples pistas de audio de canciones ya compuestas con anterioridad. En este caso A.R. Rahman es el ideologo de la música original, sin embargo M.I.A. tiene unas intervenciones notables que recuerdan el similar impacto que produjo Boyle con su película "Trainspotting" en este aspecto. De hecho el disco de "Trainspotting" es una pieza clave dentro de cualquier discografía que tenga un aficionado de la buena música y eso bien lo saben muchos.

La película llegó a los países de habla hispana como "¿Quién quiere ser millonario?" en referencia al programa que ha recorrido los canales de televisión mundiales que han adquirido la franquicia. Sin embargo, esta traducción pierde intensidad ya que el título original le otorga el ataque real que siente el protagonista durante la trama. El slumdog es aquel perro de los barrios bajos que se arrastra y que no tiene más futuro que respirar hasta donde le aguanten sus pulmones. Jamal Malik, interpretado por Dev Patel, es el personaje que lleva esta cinta adelante y es el que sufre cada aberración que le proporciona la vida. Es el caballito de batalla que representa a toda esa parte de la sociedad basureada por el destino y en que la otra parte con "suerte" la pasa a llevar. Es así como el juego de la televisión se transforma en una lucha en que el joven sin ninguna ventaja debe combatir contra el gigante al estilo de David contra Goliat, y en el que el pueblo lo apoya como si fuera su más fiel representante para que les anuncie al mundo que ellos están presentes.

Con una idea bastante original de cómo Jamal conoce las respuestas y que se basa en el libro del indio Vikas Swarup, el film se desarrolla en una línea argumental muy bien definida que en ningún momento agota y que es marcada por el ritmo propio de Boyle en base a sus imágenes, su edición y su forma de presentar la historia en la pantalla. Así, con un juego de tiempos que siempre llama la atención, la historia patina en la clásica curva del inicio-desarrollo-final sin contratiempo alguno invitando al espectador que se entretenga frente a la pantalla al instante que sus pensamientos cumplen la labor de analizar lo visto y pensar posteriormente en cómo la vida puede ser vista de diferentes formas.

El amor sobrecogedor que está presente durante todo el film y que a muchos les hinchó su corazón - incluyendo a los votantes de la Academia Norteamericana -, se muestra sin caretas como aquel amor puro y aventurero por el cual Jamal se juega su vida por completo. Si bien la película tiene sutilezas que pueden entregar diferentes enfoques hacia lo mostrado y por el cual las personas pueden tener distintas apreciaciones de la película sin encontrar un sólo tema principal, es la historia de amor de Jamal y Latika la columna vertebral del film. Las otras historias son sólo las costillas de la obra, que por momentos parecen más potentes que su centro y que a fin de cuentas transforman al film en imperdible.

Por algo la India es el país que más películas produce en el mundo. Pocos saben que supera incluso a Estados Unidos que con su mega Hollywood se siente dueño de la industria. Esperemos que "Bollywood" - juego de palabras entre Bombay (el antiguo nombre de Mumbai) y Hollywood - de esta forma se haga más conocido en todo el orbe permitiendo así que los distribuidores sean generosos y nos deleiten más seguido con las obras de este bello país asiatico.

Clasificación: 7/7

Trailer de "Slumdog Millionaire"

La Elegida

2009-02-19T14:37:00.006-03:00

"La Elegida"
Título Original: Elegy
Directora: Isabel Coixet
Guión: Nicholas Meyer, basado en la novela de Philip Roth
Elenco: Ben Kingsley, Penélope Cruz, Dennis Hopper, Patricia Clarkson, Peter Sarsgaard
USA, 2008

El nombre de la directora puede sonar conocido. Su film "La vida secreta de las palabras" (2005) sin duda que no pasó indiferente en su periplo fílmico a través del mundo y de alguna u otra manera llegó a ser vista por muchos de nosotros. Lo mismo ocurrió con su cinta "Mi vida sin mí" protagonizada también por Sarah Polley que tampoco dejó de impactar por su fuerte contenido siendo de esas películas con algo más que aportar que una mera entretención de dos horas de duración. Y así las expectativas eran grandes para esta nueva pelíucula de Coixet, más aún cuando la crítica chilena la había calificado con la mejor puntuación, por lo que la ida al cine sin duda era un éxito seguro. Sin embargo, esto no fue del todo así, a pesar de que luego de algunos días de reposo puedo afirmar que la cinta de todas maneras logra calificarse como "buena".

Con un manejo del tiempo que por momentos termina agotando, el desarrollo argumental de "La Elegida" se va desenvolviendo poco a poco, guardando las sutilezas hasta el más mínimo detalle, de manera que el espectador se logre involucrar de mejor manera con el personaje para adentrarse en él con la intención de empaparse de sus sentimientos. Y hay que decir que interiorizarse en el mundo de David Kepesh no es para nada dificil ya que es interpretado por el gran Ben Kingsley, ganador del Oscar por "Gandhi" (1982) y recordado por su papel de Itzhak Stern en "La Lista de Schindler" (1993). La estampa de Kingsley sin duda alguna que le otorga una luz a la película dirigida por Coixet, de manera que la trama es seguida de cerca sin desviaciones inútiles que le impidan al espectador ver el final de la ruta.

Complicado es ver trabajar a Penélope Cruz en una película norteamericana. Aún su acento es difícil de asimilar y por algo sus incursiones, en su gran mayoría, están ligadas con el mundo latino. Sin embargo, con un trabajo estético delicado en donde las referencias a España - país natal de la directora - se hacen evidentes y le impregnan un aura un poco más real cuando es Penélope la otra protagonista de la cinta, "La Elegida" comienza a transformarse en una película en que el espectador puede jugar a las similitudes con el espacio exterior como lo es la escena en que Consuela es fotografiada por David llevando a los tiempos actuales lo que hizo Goya siglos antes con la "Maja Desnuda" usando el pincel en vez del obturador.

Al parecer el tema propuesto ya no llama mucho la atención. De hecho sólo este año hemos vivenciado películas que tratan relaciones entre hombres mayores y mujeres jovenes - emulando a "Lolita" de Nabokov - como lo fue "Una mujer partida en dos" de Claude Chabrol. Así que por ese lado la película no logra impresionar a la audiencia. Ni menos con su final, que si bien es inesperado, está casi pegado con urgencia ante una historia que parecía haber perdido el rumbo. Sin embargo, por lo que sí llama la atención es por la forma de plasmar la historia en el celuloide, dando pequeños toques de historias paralelas (relaciones de amistad y padre-hijo), que a pesar de tener poco tiempo para ser desarrolladas, permanecen lo suficiente para entretejer una armonía dentro de la película en general. Esto sin duda que es logro de la directora junto a su editora Amy E. Duddleston quien con el típico recurso del corte de plano radical justo en el momento de presentar el hilo conductor, forma una línea que posee el equilibrio necesario para llevar a buen termino la cinta, a pesar de los tiempos excesivos que emergen de vez en cuando en la vida del protagonista.

Calificación: 5/7

Trailer de "La Elegida"

El Curioso Caso de Benjamin Button

2009-02-12T11:03:00.005-03:00

"El Curioso Caso de Benjamin Button"
Título Original: The Curious Case of Benjamin Button
Director: David Fincher
Guión: Eric Roth
Elenco: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Julia Ormond, Jason Flemyng, Elias Koteas, Tilda Swinton, Peter Donald Badalamenti II, Robert Towers, Tom Everett
USA, 2008

A medida que el rollo gira por la proyectora, el espectador comienza a tener recuerdos de diferentes películas que tienen características similares a la mostrada en "El Curioso Caso de Benjamin Button". En esta nueva cinta de David Fincher, el mismo hombre que dirigió a Brad Pitt casi diez años atrás en "Los Siete Pecados Capitales", el argumento se asemeja a "Forrest Gump" al contener detalles que rememoran la película de Robert Zemeckis que van desde relatar la vida de un personaje que se enmarca en la historia estadounidense al estar presente en diferentes hechos históricos, pasando por escenas similares a la cinta protagonizada por Tom Hanks como lo son las de alta mar, hasta características muy sutiles como la estrecha relación que tiene la el colibrí de esta película protagonizada por Pitt con la pluma de la ganadora del Oscar a Mejor Película en 1994.

Y no es sólo "Forrest Gump" la cinta que puede aparcar en la mente del espectador ya que también puede ser rescatada de los recuerdos otras como "El Gran Pez", debido a la similitud del relato fantástico premortuorio que entablan madre e hija, aunque fuera del otro género en la película dirigida por Tim Burton. Pero la estrechez que pudiese tener esta nueva cinta de Fincher con la de Zemeckis no debe llamar la atención ya que el link de unión entre ambas películas está más cerca de lo que creemos. ¡El guionista de ambos films es el mismo! Eric Roth, guionista de otras cintas como "Ali" (2001), "Munich" (2005) o "The Good Shepherd" (2006), tiene un sello que quiso rescatar en esta nueva entrega y al parecer le resultó demasiado evidente su inclusión. Si bien las películas son distintas ya que sus argumentos presentan historias sin relación directa, de todas maneras contienen una envolvente que es dificil de quitar y que en las anteriores películas escritas por Roth no ocurría.

Sin embargo, en esta cinta se muestra la estampa de David Fincher quien actualmente supera en categoría a Zemeckis quien en los 80 y comienzos de los 90 era simplemente un genio y que últimamente se ha reinventado. Fincher, que comenzó su carrera artística dirigiendo video clips entre los que se destaca el video "Vogue" de Madonna, en el cine ha recorrido un camino que lo ha instalado en la cima del éxito. Con películas como "Alien 3" (1992), "Los Siete Pecados Capitales" (1995), "El Club de la Pelea" (1999) o "Zodiaco" (2007), el director se ha creado un nombre de respeto que pocos han logrado obtener. Y en esta nueva cinta, su talento se puede ver reflejado en los diferentes campos técnicos que sin duda llaman la atención del espectador. El maquillaje, la dirección artística, la fotografía y la calidad visual, no dejan insatisfechos a ningún apreciador de la cinta y quizás el manejo que logran obtener de ello es más que acabado al poder retener al espectador el metraje que dura la cinta.

Y es que esto no es algo insignificante ya que si bien la película no dura una eternidad, los 166 minutos no son escasos para la gente que está acostumbrada a ver películas del metraje común y corriente (aproximadamente 2 horas). Quizás la edición de la película quedó coja y pudieron haber recortado algunas escenas que en el concepto global eran intrascendentes. No sé si el dramatismo otorgado por la madre antes de morir fue suficiente. No sé si la idea de mostrar la relación madre-hija fue bien manejada para hilar la verdadera historia contada por la trama. ¿Qué pasa si se hubiese sacado todo esto y nos hubiésemos enfocado en la vida de Benjamin Button? Quizás los tiempos en este aspecto no fueron bien manejados ya que fue una línea argumental común que no llamó la atención en demasía lo que se contrapone con "Forrest Gump", película que le valió el Oscar al guionista de la cinta y que recordaremos por siempre a través de los años, debido a su gran manejo del tiempo y el juego constante que realizaba con el pasado, presente y futuro.

No quise hacer un paralelo entre las dos cintas, sin embargo el comentario resultó así. La gracia de "El Curioso Caso de Benjamin Button" no es la historia en sí ya que si bien llama la atención su originalidad, la forma de desplegarla en pantalla no ilumina ningun sentimiento profundo que el espactador pueda sentir por lo que la cinta se transforma en una más del montón en este aspecto. Sin embargo, la película quedará en la historia por su manejo técnico ya que como dije posee una calidad de gran nivel y en donde, por ejemplo, los diferentes actores usados para el personaje de Benjamin Button no se diferencian en nada. ¿O acaso pensaron que era Brad Pitt todo el tiempo? No se preocupen si esto fue lo que pensaron ya que por algo la película seguramente ganará los Oscar destinados a esta área.

Calificación: 5/7

Trailer de "El Curioso Caso de Benjamin Button"

¿Quieres ser John Malkovich?

2009-02-09T16:30:00.014-03:00

"¿Quieres ser John Malkovich?"
Título Original: Being John Malkovich
Director: Spike Jonze
Guión: Charlie Kaufman
Elenco: John Cusack, Cameron Diaz, Ned Bellamy, John Malkovich, Orson Bean
USA, 1999

El joven director Spike Jonze se juntó con el novato escritor de guiones de cine de ese entonces llamado Charlie Kaufman y realizaron esta comedia fantástica que dejó a la crítica marcando ocupado por la audacia de su lenguaje y la creatividad presentada en pantalla. ¿Alguien puede olvidar aquella escena en que el ascensor se detiene en el piso 7 1/2 ya que ahí quedaba la oficina que buscaba el protagonista?

Ante esa fantasía el espectador queda entusiasmado queriendo conocer más de la historia que fue reconocida por el público obteniendo numerosos premios alrededor del mundo como el FIPRESCI en el Festival de Venecia. De hecho esta película fue el comienzo de un periplo extraordinario de su guionista por el mundo del séptimo arte ya que luego llevó a la pantalla "Human Nature" (2001) de Michel Gondry, "Confessions of a Dangerous Mind" (2002) de George Clooney y "Adaptation" del mismo Spike Jonze, películas que no dejaron indiferentes a nadie por el gran contenido fantástico y novedoso que presentaban a través de su metraje y que dibujaban una leve línea entre la realidad y el mundo de los sueños.

La afinidad de Kaufman con los actuales maestros de los video clips musicales (Jonze y Gondry) llama la atención. Quizás exista algo especial entre sus guiones y la manera de relatar una historia dentro de los clip musicales. De hecho Kaufman fue el gestor de otra realización que quedó en la historia del cine de principios de este siglo, en donde Michel Gondry muestra todo su potencial situando a la futura ganadora del oscar - me la juego anticipadamente - Kate Winslet junto a Jim Carrey en "Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos", una de las historias más bellas que han pululado por la pantalla. Pero volviendo a lo que nos reune, donde no cabe duda alguna es que "¿Quieres ser John Malkovich?" también es una película digna de apreciar, en donde el sueño despierto es posible y en el cual se le propone al espectador ver más allá de lo posible.

Hay que tener en cuenta que este joven director no se dedica a producir "películas" en serie, dándoles el tiempo que requieren para su formación y desarrollando sólo aquellas que están afines a sus gustos. Luego de "¿Quieres ser John Malkovich?" llegó "Adaptation" y a partir de ahí su creación en la pantalla grande se apagó. Se dedicó exclusivamente a los clips musicales que es otra área que el lidera mundialmente y que lo sostiene a través de los años. Sin embargo, ahora nuevamente Jonze está de vuelta ya que este año se estrenará su último film el cual escribió especialmente para la gran pantalla y en donde podremos ver otra de sus aventuras en la titulada "Where the Wild Things Are".

Calificación: 6/7

Trailer de "¿Quieres ser John Malkovich?"

Sólo un sueño

2009-02-02T10:00:00.009-03:00

"Sólo un sueño"
Título Original: Revolutionary Road
Director: Sam Mendes
Guión: Justin Haythe, basado en la novela de Richard Yates
Elenco: Kate Winslet, Leonardo DiCaprio, Michael Shannon, Kathy Bates, Richard Easton
USA/UK, 2008

El mismo elenco de "Titanic" figura poco a poco. Kate Winslet se muestra en pantalla para que Leonardo DiCaprio implante su talento en el siguiente plano. Y no sólo son ellos los representantes que emergen al comienzo de la película, ya que Kathy Bates - también representante del film que muestra la tragedia de 1912 - se muestra ejecutando un rol similar al de "Titanic" en los primeros cinco minutos para luego cumplir un papel que funciona como clip en el resto de la cinta. Y es quizá la época en que se desarrolla la trama - aunque sean cuarenta años después del hundimiento - lo que hace recordar aún más la película de James Cameron, pero a medida que transcurren los minutos "Sólo un sueño" se convierte en una película mucho más potente, poseedora de un lenguaje cinematográfico superior y con una característica que eleva al film por encima de muchas otras películas de la historia.

Esta característica es sin duda la actuación de sus protagónicos. La madurez de Winslet y DiCaprio se hacen notar desde el comienzo, cuando emiten con fuerza los sentimientos de desesperación y congoja que los hacen explotar poco antes de que el título de la película se muestre como si nos presagiara lo que se viene. Con una facilidad abismante de posesión de personajes, la pareja de actores se roban la pantalla demostrando que hoy en día son parte de la elite de la actuación mundial. A pesar de que ninguno de los dos ha sido nominado a los próximos premios de la Academia por estas actuaciones - aunque Winslet de seguro lo ganará por "The Reader" - , no es de preocuparse ya que estos premios cada vez tienen menos valor a nivel mundial. De hecho, estos dos jóvenes actores no son los únicos que embelesan al público con su trabajo, ya que en general el elenco entero cumple una labor digna de aplaudir de pie siendo incluso reconocidos en su totalidad por el Palm Springs International Film Festival como el Mejor Elenco para una película del 2008.

Por otra parte el director Sam Mendes junto a su editor Tariq Anwar - que trabajó con Mendes en la ganadora del Oscar "Belleza Americana" - realizan un trabajo notable por el dinamismo que le impregnan a la obra a pesar de tocar un tema tan delicado como el mostrado y en el cual la línea argumental del guión respeta los tiempos de forma colosal. Con cortes precisos que cambian de escena como si fuera un juego lúdico, el desarrollo baila por una pista que cada vez se hace más resbaladiza para que el espectador no tenga tropiezo alguno y sea arrastrado al final. Si bien la película por momentos pierde el ritmo armónico tornándose un poco lenta, la cinta logra volver a su ritmo original en el momento preciso en que el espectador hace el ademán de distraerse. Con un trabajo que resalta también en fotografía - en donde se debe aplaudir también a Roger Deakins el cual ha cumplido la misma labor en "A Beautiful Mind" o la última ganadora del Oscar "No Country for Old Men" -, "Sólo un sueño" muestra de manera sutil los instantes de emoción que perciben los personajes y que se compenetran con su alrededor. Los pasajes de monotonía, de ser parte del rebaño masivo en que la sociedad nos maquiniza, se contraponen con los pasajes de felicidad en el cual los personajes se logran escabullir de la máquina y se sienten seres verdaderos, libres y con personalidad única.

Esta es una cinta en que nos deja mucho para pensar. No es de esas típicas películas que pasarán por nuestros ojos y que su trama no descansará en nuestra memoria. Su trama da para pensar. Para reflexionar en cómo los más locos a veces tienen la razón, en cómo el dinero puede acabar con nuestros propios sueños, en cómo nos podemos arrepentir de nuestros actos y en cómo la vida a veces se vuelve tan apagada que para algunos ya no vale la pena vivir. El amor se cosecha del mismo modo en que se siembra dicen algunos por ahí y en esta película se refleja de gran forma, como a su vez el hecho de cumplir los sueños a toda costa y escapar del sistema en que vivimos. La monotonía no vale la pena. No es bueno vivirla, sentirla, verla, ni siquiera escucharla. O sino pregúntenle al señor Givings que en un gran final de "Sólo un sueño" nos deja en claro su determinación.

Calificación: 6/7

Trailer de "Sólo un Sueño"

Quémese después de leerse

2009-01-23T12:02:00.007-03:00

"Quémese después de leerse"
Título Original: Burn after reading
Director: Joel Coen y Ethan Coen
Guión: Joel Coen y Ethan Coen
Elenco: George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, Tilda Swinton, Brad Pitt, J.K. Simmons
USA/UK/Francia, 2008

Hace un poco menos de un año, los hermanos Coen se transformaban en los grandes ganadores de los premios Oscar consiguiendo los galardones más preciados como los son el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión con su cinta "No Country for Old Men". Sin duda alguna que su película será recordada por su línea argumental precisa y por la sobresaliente actuación de Javier Bardem como un sicópata fuera de si que es capaz de todo. Quizás la película llamó la atención de la critica debido a un genero más dramático cargado de suspenso como lo fue hace más de una decada "Fargo" aludiendo a la filmografía de los hermanos de Minneapolis.

De esta forma las expectativas por la nueva cinta de los hermanos Coen eran altas y como muchas veces ocurre es complicado superarlas. Y es así como la tensión generada y el marketing desplegado para "Quémese después de leerse" fue con una magnitud que pocas veces es vista, la cual era sin duda incentivada además por el reconocido y taquillero elenco (Clooney, Pitt y Malkovich). Sin embargo, ninguno de los "galanes" llama mucho la atención en la pantalla ya que sus interpretaciones por momentos caen al borde de la caricaturización. Aunque esto no es problema de ellos sino que del guión que tiene una línea argumental plana y casi banal.

Quizás el gran defecto de la película es eso. Y si su defecto está en su argumento, el tema es grave. A pesar de tener una factura técnica de gran nivel llamando la atención desde su inicio (el plano a lo google maps está notable), la película no logra sostenerse sólo con su argumento. Sólo pinceladas de temas incisivos llegan a la pantalla por instantes, pero el tema principal no llama la atención más allá de los 96 minutos que dura la cinta. Al parecer el tema de la comedia ha dejado de ser lo potente de los hermanos Coen, y su genero mejor logrado es el drama-suspenso. La época dorada de "Educando a Arizona", "Barton Fink" y "El Gran Salto" ha quedado atrás, y el potencial se ha centrado en otro género. Quizás sea la madurez de los creadores lo que haya influido en todo esto, sin embargo al parecer aún los Coen no quieren asumirlo ya que sus próximos proyectos siguen su rama comediante.

Si bien su comedia es bastante oscura y cargada de un tono personal que le agrega un sello único, esperamos que los hermanos nos sigan sorprendiendo con nuevas historias llenas de temas polémicos que despierten sentimientos y emociones en el espectador de manera de que nos vayamos de la sala de cine pensando la propuesta y discutiendo la crudeza de la vida como sólo los hermanos Coen saben exponerlo.

Calificación: 4/7

Trailer de "Quémese después de leerse"

RocknRolla

2009-01-14T15:59:00.006-03:00

"RocknRolla"
Director: Guy Ritchie
Guión: Guy Ritchie
Elenco: Gerard Butler, Thandie Newton, Tom Wilkinson, Nonso Anozie, Charlotte Armer, Gemma Arterton, Jamie Campbell Bower
UK, 2008

Durante el fin de año 2008 y el comienzo de este 2009 han aparecido una serie de estrenos que bien vale la pena apreciar sólo por la gente que está detrás de ellos. La carga de películas para apreciar se vio impulsada luego de un período de letargo en que la cartelera local no demostraba bajo ningun sentido alguna novedad que pudiese inyectar adrenalina a la gente adepta al cine. Quizás la última obra de Claude Chabrol "Una Mujer Partida en Dos" fue la obra que logró romper ese hielo que congeló la cartelera y que le otorgó algo más de dinamismo a la afluencia de público que no sólo va al cine para mirar "lo que haya".

Sin embargo, esta película está lejos de las mejores realizaciones del director francés por lo que sólo sirvió de rompe-hielos. Pero no se debió esperar mucho más para que la cartelera se encendiera con algunos títulos un poco más interesantes. Es el caso de la última obra de Guy Ritchie - que muchos conocen sólo por ser la ex pareja de Madonna - llamada "RocknRolla" que con una banda sonora impecable al igual que su anterior trabajo titulado "Snatch", dejó boquiabiertos a muchos espectadores por la gran calidad visual, el buen dominio del escenario y la calidad del argumento muy por sobre lo que nos hemos acostumbrado a ver.

Con un elenco ajeno al mundo "marquetero", la película logra sostenerse en una línea argumental vibratoria que no deja escapar en ningún momento bostezo alguno. Si bien, su tratamiento no es para nada fácil ya que el planteamiento permite al espectador incursionar un poco más allá de sus pensamientos, Guy Ritchie logra situar salvavidas en lugares escogidos de manera de no ahogarse en la trama. Sin duda alguna que la música constante y rítmica cumple un papel fundamental ya que permite estar en todo momento atento a lo que ocurre, pero no sólo el soundtrack le otorga compás a la obra ya que sus ejecuciones técnicas están muy por sobre el promedio.

Desde el guión redondo y preciso, hasta la imagen clara y a la vez peculiar, transforman a "RocknRolla" como una cinta que sin duda sigue el baile de "Snatch", pero que cambia de ambiente con nuevas ideas e interpretaciones nuevamente delicadas. Ya veremos si el ingenio de Ritchie logra acaparar las cámaras más allá de su ex pareja y que de una vez por todas el mundo se de cuenta que este director británico está realizando obras bajo su propio sello, al borde de lo independiente, y aún así logra llegar a las masas mundiales.

Calificación: 6/7

Trailer de "RocknRolla"

Madagascar 2

2008-12-22T13:46:00.008-03:00

"Madagascar 2"
Título Original: Madagascar: Escape 2 Africa
Director: Eric Darnell y Tom McGrath
Guión: Etan Cohen
Elenco: Ben Stiller, Chris Rock, David Schwimmer, Jada Pinkett Smith, Sacha Baron Cohen, Alec Baldwin
USA, 2008

Pocas veces la segunda película de una saga es mejor que la primera. Los casos en que ha ocurrido esto son contados. Uno puede recordar "El Imperio Contraataca" o "Terminator: el día del juicio final", sin embargo la lista no es extensa. Y es que el público se aburre si es que la película es más de lo mismo o no aporta un aderezo no conocido en la primera parte. Es como que el segundo plato sea igual al primero llegando a agotar al comensal de manera que quede satisfecho antes de estarlo realmente. En "Madagascar 2" ocurre eso, no logrando desmarcarse de su antecesora, recurriendo a los mismos chistecitos que llevaron a "Madagascar" a la frontera del éxito.

Si bien la primera era más lenta en su desarrollo argumental, poseía la gracia de la novedad en donde cada detalle resultaba una sorpresa para el espectador que caía en la risa fácil. Sin embargo, en esta oportunidad, la risa es más difícil de atrapar ya que viene adaptada - y de alguna manera inmune - al humor desatado en la primera parte de la saga. Etan Cohen, guionista de "Madagascar 2", podría haber recurrido a un chamán para que la H de su nombre se hubiese puesto después de la T transformándose así en el gran Ethan Coen logrando que su argumento contuviese un potencial superior de manera que el espectador quedase satisfecho de lo visualizado. De todas maneras, si se tiene a dos directores novatos como lo son Eric Darnell y Tom McGrath - con una experiencia escasa en el área audiovisual - no es mucho lo que se puede hacer.

Lamentablemente para "Madagascar 2", el 2008 fue un año potente en materia de films animados, por lo que seguramente su huella desaparecerá prontamente. Sin duda alguna que "Wall-E" es el gran ganador de este año en esta categoría donde con gran ventaja corre para llevarse el galardón a Mejor Película Animada según la academia estadounidense. Es por esto que quizás la mejor estrategia comercial de los productores de la cinta hubiese sido proyectar al león Alex, a la cebra Marty, a la jirafa Melman y a la hipopótamo Gloria, durante el próximo año para no tener grandes competidores en la cancha, aunque de todas formas un argumento de bajo peso es complicado - poco competitivo -, más aún si su objetivo es entretener a la familia.

Esperemos que los pingüinos saquen lo mejor de sí en una próxima entrega, ya que sin duda - y los creadores lo saben - son lo mejor de la cinta.

Calificación: 4/7

Trailer de "Madagascar 2"

Antes que el diablo sepa que has muerto

2008-11-24T16:24:00.004-03:00

"Antes que el diablo sepa que has muerto"
Título Original: Before the Devil Knows You're Dead
Director: Sidney Lumet
Guión: Kelly Masterson
Elenco: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, Albert Finney, Aleksa Palladino
USA/UK, 2007

Hace tiempo que no veía en la pantalla una obra en que las actuaciones fueran tan sobresalientes que el relato de la misma pasaba a segundo plano. Si bien, la última cinta de uno de los directores más alabados por la crítica y los festivales mundiales posee una línea argumental bastante definida y que en ningún momento decae en abismos sin sentido que hacen colapsar el desarrollo, la idea original no contiene la densidad suficiente para contrapesar el tremendo potencial actoral que la película propone en la cual Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, por momentos, logran erizar los pelos con sus interpretaciones.

Quizás Kelly Masterson necesite más training para redactar una obra que tenga calidad argumental, que tenga vida y sentimientos, que se sufra o que se ría con ella, compenetrando al espectador con la historia para lograr niveles de cercanía que sólo ocurren en la vida real. Sin embargo, a pesar de que este es el primer guión de Masterson llevado a la pantalla y que su inexperiencia puede ser un arma de doble filo, la calidad de Lumet se hace notar ya que la cinta, filmada de una forma estéticamente correcta, se sostiene sin complejidades con esos tremendos pilares que cité anteriormente.

El elenco es la base de esta obra que sin duda debe ser vista. Si bien la historia tiene tintes novedosos que pueden hacerte pensar, es la intensidad de la actuación de cada uno de los personajes lo que hace que "Antes que el diablo sepa que has muerto" sea una película para no dejar pasar.

Calificación: 5/7

Trailer de "Antes que el diablo sepa que has muerto"

La escafandra y la mariposa

2008-11-20T17:08:00.004-03:00

"La escafandra y la mariposa"
Título original: Le Scaphandre et le papillon
Director: Julian Schnabel
Guión: Ronald Harwood y Jean-Dominique Bauby
Elenco: Mathieu Amalric, Marie-Josée Croze, Emmanuelle Seigner, Anne Consigny, Max von Sydow
Francia, 2007

Antes de "La escafandra y la mariposa", el director neoyorquino Julian Schnabel dirigió una obra tan humana como la que les presentamos hoy. En esa época llevó a la pantalla la vida de Reinaldo Arenas en la película "Antes que anochezca" (2000), la cual es protagonizada por Javier Bardem y en la que se relata la historia autobiográfica del poeta cubano recopilada en su libro del mismo nombre de la película. En el nuevo film de Schnabel, ahora protagonizado por el ejemplar Mathieu Amalric - al cual podemos ver como el villano de "Quantum of Solace" -, la historia se centra en los últimos días de Jean-Dominique Bauby, recopilados también en el libro homónimo a la película y que terminó de escribir Bauby diez días antes de su fallecimiento.

Jean-Dominique Bauby, reconocido periodista francés que se hizo mundialmente famoso por crear la revista ELLE, tuvo que luchar intensamente para sacar a relucir su mejor arma - la palabra - antes de partir de la vida terrenal. Su forma de ver el mundo, Schnabel la logra representar de gran forma en la pantalla tal como lo hizo siete años antes con Arenas. La forma de estudiar a los personajes, demostrado en los años de preparación de sus películas, se refleja en la pantalla y en el guión del cual esta vez estuvo a cargo de Ronald Harwood, nominado al Oscar por este trabajo y ganador de la misma estatuilla el año 2003 por su guión adaptado de "El Pianista".

La calidad de la cinta va más allá de la historia en sí, en donde las actuaciones en general poseen un aderezo bastante significativo y en donde los personajes más pequeños resultan ser potentes para el desarrollo argumental. La escena de la llamada que le hace Max von Sydow a su hijo, logra atrapar al espectador de una forma en que muy pocas cuentan con ese valor. Por otro lado, la música le otorga un dinamismo a la cinta en aquellos momentos en que el argumento lo requiere. La forma de estar hecha la obra, con una genial realización de los planos subjetivos, implica que tenga un "tempo" pausado de manera de penetrar en el espectador la sensación que experimenta Jean-Dominique Bauby durante su estado. Pero como se ha dicho, la música es el arma perfecta para contrapesar aquellas pausas y establecer el traslado temporal en base al racconto.

Una gran película que no se puede dejar pasar. Si bien no tiene un peso argumental que la instalará como una de las grandes películas de todos los tiempos, su tratamiento audiovisual hacen que la obra no decaiga y se transforme en una película para apreciar.

Calificación: 6/7

Trailer de "La escafandra y la mariposa"

Quantum of Solace

2008-10-31T12:24:00.006-03:00

Quantum of Solace

"Quantum of Solace"
Director: Marc Forster
Guionistas: Paul Haggis, Neal Purvis & Robert Wade
Reparto: Daniel Craig, Olga Kurylenko,
Mathieu Amalric, Judi Dench, Giancarlo Giannini
EEUU- UK, 2008

OK, sé que están esperando y que estas noticias vuelan.

Acabo de salir de la première mundial de « Quantum of Solace », la pelicula número no-se-cuantos de la saga James Bond, con Daniel Craig herido a pocos metros de mí. El evento fue uno de los platos fuertes del London Film Festival y marca ademas el cumpleaños feliz en el centenario de Ian Fleming, su creador.

Londres se ha prepararado todo el año para recibir esta nueva entrega, haciendo gala de su hijo prodigo dedicándole sendas exposiciones y demases.

Sin embargo, a lo largo de la proyección no dejó de espantarme la imagen del alcalde de Sierra Gorda (la ciudad más rica de Chile) echándole el auto encima al equipo de rodaje de « Quantum of Solace » acompañado de un piño de gente gritando « Chile no es Bolivia, Chile no es Bolivia !!».
Lo más impactante es que sí, en « Quantum of Solace » Chile ES Bolivia.

Sin embargo, la distinción y diplomacia de Paul Haggis y su equipo de guionistas prefirieron enmascararla para no ir tan duro con una «democracia» como la nuestra, que trata de hacer todavía las cuentas con su sangriento pasado. De esta forma prefirieron situar su historia en tierra de Evo Morales, quien es - al parecer- menos buscapleitos que nosotros.

En fin, Bond esta vez está más triste que nunca, le mataron a la novia de «Casino Royale» (que es una suerte de episodio-uno) y quiere vengarse a como dé lugar. Pero como eso no lleva a ninguna parte, Daniel Craig no tiene nada del risueño Roger Moore o del seductor Sean Connery. Este Bond es serio, desabrido como una pantruca empaquetada en su traje Tom Ford que no se le raja por ninguna parte a pesar de tanta pirueta y voltereta a mano armada.

El malandra esta vez es un francés llamado Dominic Greene (mi vecino Mathieu Amalric) que hace negocios con un dictador latinoamericano al que llamaremos, por ejemplo, «Pinochet». Bond descubre que tras él está la hija de un ex militar, ex colega de Pinochet, que fue asesinado bajo sus órdenes, al que podriamos llamar sin ningun tapujo algo así como « Carlos Prats ». Esta hija bien podria ser Sofia Prats, interpretada por la bella Olga Kurylenko.

Aquí los Michael Townleys ligados a la CIA (el personaje de Felix Leiter, por ejemplo) y los Mamos Contreras locales ( de esos hay cientos) abundan en el film, pero ahí está 007 para darles su merecido.

« Quantum of Solace » nos da un tour del mundo por Siena, Austria, Haití (filmado en Panamá y donde nunca supe si el alcalde había gritado « Panamá no es Haití !! »), entre otros sitios turisticos.

El desierto de Atacama, sin embargo, aparece al final y se reduce a la entrada del Observatorio Cerro Paranal, del cual utilizan sólo el Hotel high-tech, y la estación de trenes de Baquedano. De Sierra Gorda y su alcalde, no vemos nada. Yo sólo esperaba que James Bond también le diera una buena frisca.

Lo mas interesante de esta nueva entrega de 007 es esa visión geopolítica ligada a la infiltración de la CIA y de intereses económicos como sustento de las dictaduras latinoamericanas. Este tema hace un fuerte eco con Chile y su historia reciente. Lo que es increíble es que Bond, James Bond haya estado ahí -al menos en la pelicula- para darle su merecido a un Pinochet de plástico, interpretado por el mexicano Joaquín Cosio. Lamentablemente, la realidad supera a la ficción y el dictador muere impune al final... en la historia real, claro.

Quizás Bond, inglés puro y duro, se dio cuenta demasiado tarde que no habría que haberlo enviado de vuelta a Chile cuando lo tuvo en sus garras en Londres hace algunos años, sino que habría que haberlo dejado bajo siete llaves en una prisión de alta seguridad custodiada por alguno de sus colegas o por él mismo, con su traje Tom Ford.

NL

Los Crímenes de Oxford

2008-09-25T10:39:00.007-04:00

"Los Crímenes de Oxford"
Título Original: The Oxford Murders
Director: Alex de la Iglesia
Guión: Jorge Guerricaechevarría y Alex de la Iglesia
Elenco: Elijah Wood, John Hurt, Leonor Watling, Julie Cox, Burn Gorman, Anna Massey
España/UK, 2008

Complicado que Elijah Wood se desprenda del personaje Frodo. Al igual como le pasó a Audrey Tautou con Amelie, el joven de Iowa deberá lidiar un buen rato para limpiar de la mente del espectador la imagen del Hobbit que protagonizó las aventuras del anillo en la Tierra Media. En esta película del irreverente Alex de la Iglesia, Wood no logra enmascararse dentro del personaje dejando un obstáculo que impide relacionarse con el público. Por otro lado, John Hurt cumple un buen papel avalado por su experiencia, en donde sus dialogos logran sujetar de alguna forma esta película que cada vez se hace más pesada decayendo en una obviedad absoluta.

Compartiendo el rol de guionista junto a su inseparable compañero Jorge Guerricaechevarría y basándose en el libro homónimo del escritor argentino Guillermo Martínez, Alex de la Iglesia dirige esta cinta que apunta a solucionar un crimen mediante pistas supuestamente inteligentes que deberían descolocar al espectador tal como lo hace Michael Scofield en la popular serie "Prison Break". Sin embargo, esta supuesta inteligencia dista mucho de ser real ya que la forma en que se desenredan las ataduras es tan poco clara que de la misma manera podrían solucionarse los problemas más complejos de la historia. Esto transforma a la obra en una película que no posee la destreza del relato a pesar de tener una buena idea que pudo haber sido manejada de mejor forma en el plano fílmico.

El director, que desde sus comienzos ha marcado su estampa en el área audiovisual española con sus trabajos como "El Día de la Bestia" (1995), "Muertos de Risa" (1999) o "Crimen Ferpecto" (2004); por primera vez se lanza en una obra de habla inglesa. Si bien usó gran parte de su equipo con el cual rodó sus películas en España, recurriendo incluso a actores y actrices de su país natal como Leonor Watling, la película no tiene ese tinte artesanal que podría teñir de una ambientación más humana al film. Es inevitable, al parecer, que los directores que pasan a las "grandes ligas" se sometan a un ritmo de trabajo que no da ese caracter íntimo propio de las películas de cine arte. El cine comercial se nota a lo lejos y cae mal en los ojos de los que quieren ver películas sin el adjetivo "banal" en su reseña. La forma de tratar la imagen caracteriza a la obra como si fuera un commoditie, desentendiéndose de la gran gracia que tiene la séptima de las artes: una obra única, digna de ser apreciada por todos y con la capacidad de masificar su mensaje en esas dos horas de proyección.

Las películas de Alex de la Iglesia no han pasado desapercibidas por las salas mundiales. Siempre se les ha encontrado algo que las posiciona dentro del rango valorable. Sin embargo, "Los Crimenes de Oxford" está lejos de ello. Quizás sea una película de prueba que sirve para reconocer las dificultades que se tienen al momento de realizar una película con un formato - y un objetivo - distinto, ejerciendo el rol de trampolín para abordar películas más complejas dentro de la misma área de lenguaje foráneo. De hecho, De la Iglesia ya está incursionando en otras películas "extranjeras" que quizás le devuelvan la magia que alguna vez le conocimos en películas como "El Día de la Bestia". Esperamos que sea así.

Calificación: 4/7

Trailer de "Los Crimenes de Oxford"

Desierto Sur

2008-09-24T21:50:00.000-04:00

Revisa la crítica de "Desierto Sur", película que se estrena hoy en las salas chilenas, y que fue presentada por vez primera en el Festival Internacional de Viña del Mar del año pasado.

XXY

2008-09-22T20:00:00.006-04:00

"XXY"
Directora: Lucía Puenzo
Guión: Sergio Bizzio y Lucía Puenzo
Elenco: Ricardo Darín, Valeria Bertuccelli, Inés Efron, Germán Palacios, Carolina Pelleritti, Martín Piroyansky
Argentina/Francia/España, 2007

La primera película a su cargo y una calidad que sobresale al nivel de adjudicarse los premios más importantes del orbe entre los que se cuentan el Premio de la Crítica de Cannes y el Goya a la Mejor Película Extranjera. Lejos de elevarse a un nivel aplaudible por su factura técnica, "XXY" posee alas exclsuivamente por su tema principal, que es tocado y desarrollado por sus creadores de una forma tan humana y sensata en su línea argumental, que logra sobrecoger a cualquier ser que posea una pizca de sentimientos.

Ricardo Darín, que desde hace algún tiempo es uno de los actores argentinos mejor calificados por los directores mundiales - no por nada trabaja hoy en día en la última película de Fernando Trueba basada en el libro de Antonio Skarmeta llamado "El Baile de la Victoria" -, interpreta al padre que debe lidiar con este problema familiar del cual han tenido que esconderse por años para no sufrir la siempre injusta discriminación social. Junto a su mujer, interpretada por Valeria Bertuccelli, buscan la solución que quizás les retorne la normalidad necesaria para poder vivir tranquilos. Sin embargo, los hechos demuestran la complejidad del tema cuando algo tan íntimo abraza a una familia, tratando de empujarla hacia abajo como si estuviera poniendo a prueba los cimientos que ésta ha construido con el tiempo.

Si bien las actuaciones son claras y precisas, en donde la carga emocional está a flor de piel, en ningún momento el espectador logra impactarse por la calidad de actuación que se aprecia. Sin embargo, la neutralidad que se respira en el ambiente hace que no se identifique la frontera que construye la ficción, otorgándole a la cinta un aura de realismo tan inquietante que logra estremecer al mostrar los hechos que acontecen en esta pantalla que se vislumbra más bien como una ventana, y en donde la actuación de Martín Piroyansky interpretando a un "pavo" Alvaro sobresale.

"XXY" no es una película que funcione como aperitivo o bajativo. Es un plato de fondo en una cena en que el postre no existe. Es una película para reflexionar, para apreciar, para comprometerse con la vida y demostrar que los candados mentales están desapareciendo cada vez en una sociedad que evoluciona y que logra comprender que los obstáculos que nos pone la vida son reales y se deben enfrentar. Sólo así podremos crecer y llegar a lo que queremos ser todos, y que de alguna u otra forma nos hace ser semejantes suprimiendo todo lo que nos pudiese diferenciar: ser felices.

Calificación: 6/7

Tony Manero

2008-09-17T11:59:00.003-04:00

"Tony Manero"
Director: Pablo Larraín
Guión: Alfredo Castro, Pablo Larraín, Mateo Iribarren
Elenco: Alfredo Castro, Amparo Noguera, Hector Morales, Elsa Poblete, Paola Lattus
Chile, 2008

Sin Alfredo Castro, Tony Manero no es una película que impacte. Sin embargo, Castro sí está y cumple un trabajo extraordinario. Con su talento logra olvidar algunos abismos que presenta la cinta dirigida por Pablo Larraín, llevándola a una categoría a la que incluso Cannes - uno de los más prestigiosos festivales de cine del mundo - supo valorar. Si bien no obtuvo premio alguno, la crítica internacional la trató de buena manera, elevando las expectativas de la cinta por sobre el umbral normal al que está habituado el público chileno al momento de apreciar sus películas. Quizás esto haya jugado en contra de la segunda película de Larraín, ya que la película en planos generales no es del todo completa, decepcionando en parte al público.

Si bien estas altas expectativas generadas en el extranjero eran sopesadas por el mal inicio de Larraín en la pantalla grande con "Fuga" (2006), la esperanza nacional por esta cinta, a la que la prensa europea comparó al protagonista con Al Pacino, estaba situada en un pedestal que implicaba un éxito seguro. Sin embargo, la historia no logra ser lo suficientemente precisa para encantar al espectador, debiendo recurrir al manejo técnico como su principal arma de atracción. En este aspecto, "Tony Manero" se destaca del resto al presentar una mirada novedosa que escapa de lo que se está acostumbrado por lo cual se sitúa dentro de la categoría de "apreciable".

El director fue sabio al elegir a Castro como el protagonista de su nueva película ya que sin duda era lo mejor de su paupérrima opera prima "Fuga", en la cual desarrollaba un papel complejo de un trastornado homosexual. Ahora, el experimentado actor que paradójicamente es un novato en el cine, cumple un rol oscuro y no menos complejo en el cual se transforma al estilo del personaje de "Fiebre de Sábado por la Noche" cayendo en el trastorno mental y la locura. Sus escenas son formidables, destacando aquellas dentro del cine local en que su personaje repite cada uno de los diálogos del "verdadero" Tony Manero - personificado por John Travolta en la cinta dirigida por John Badham - , en la cual la cámara se concentra en su mirada perdida y en sus ojos húmedos reveladores del colapso emocional que vive.

El Chile decadente es otro ingrediente que logra maravillar al espectador. Acorde a la cronología histórica, "Fiebre de Sábado por la Noche" (1977) se estrenaba en el país en plena dictadura de Pinochet, en donde el régimen político impedía la absoluta libertad y el regocijo de la felicidad social. Rodada en los barrios antiguos de Santiago, con la intensidad lúgubre que proporciona un trato más emocional, "Tony Manero" logra traspasar las penurias de esa época en Chile. Escenas ligadas al ambiente político hay pocas, sin embargo son las suficientes para demostrar la cruda época en que se vivía.

Si no fuera por Alfredo Castro, la película no se sostenería. Si bien he dado varios aspectos positivos que transforman a la película en algo valorable, el caso hipotético de la ausencia de Castro descompone toda la cinta. Esto no puede ser en una película de categoría ya que rasgos específicos se transforman en indispensables opacando a varios otros o siendo un sustento para el resto. De todas maneras, la película es floja en temas técnicos como el constante desenfoque, que por momentos se hace novedoso, pero la continuidad de estos termina por agotar. La historia por otro lado, si bien es novedosa, no permite un desarrollo mínimo de personajes, concentrando todas sus fuerzas en el personaje que contiene la historia y que se lleva por ende todos los elogios.

Quizás faltó más en el descenlace. Los finales abiertos siempre han sido atractivos, sin embargo a no toda la gente le parecen cuerdos por el hecho de no cerrar el círculo. En todo caso, existe un círculo que no se logra cerrar... y es la rara sensación de ver una película de esa índole dirigida por el hijo de uno los líderes de la derecha chilena que apoyó el régimen militar, factor fundamental del decadente Chile de esa época. Sería interesante conocer su postura...

Calificación: 5/7

Cassandra's Dream

2008-09-08T11:43:00.007-04:00

En Noviembre del 2007 fue publicada la crítica de la cinta de Woody Allen llamada "Cassandra's Dream", debido a que esta fue vista en Europa antes que arribara a las salas de Latinoamerica.

Para revisar la crítica pueden ingresar aquí.

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La Buena Vida

2008-08-28T22:13:00.006-04:00

“La Buena Vida”
Director: Andrés Wood
Guión: Mamoun Hassan, Andrés Wood y Rodrigo Bazaes. Elenco: Aline Kuppenheim, Roberto Farías, Eduardo Paxeco, Alfredo Castro, Bélgica Castro, Manuela Martelli.
Chile, 2008

Tiempo ha pasado desde que Andrés Wood estrenó su mejor film: “Machuca” (2004). Con éste, logró relatar una historia que sin llegar a ser anecdótica, se situó en el panorama nacional de ese entonces sin complejidad alguna a pesar de estar “rozando” – ya que el argumento no permitía adentrarse más – uno de los temas que la sociedad chilena ha tratado de borrar de su historia. Ahora este director, que inició su periplo fílmico en materia de largometrajes casi fortuitamente con “Historias de Fútbol” (1997), nos relata tres historias – emulando a su primera película -, enlazadas por una mirada social centrada en la vida de la clase media santiaguina.

La propuesta, que si bien es novedosa para lo que se ha hecho en el medio chileno, no logra llamar la atención general como lo hizo Alejandro González Iñárritu y Guillermo Arriaga con “Amores Perros” ocho años antes. Los mexicanos supieron conectar sus personajes de una forma novedosa logrando que los ojos del orbe entero se situaran en ellos. Tan bien les fue, que siguieron con la receta de hacer historias paralelas en sus siguientes películas, corriendo el riesgo de que la audiencia fuera inmune a la “sorpresa” ya revelada o que sus mismas capacidades de asombro perdiesen valor a través de los años. Y esto fue así, ya que sus siguientes películas (“21 gramos” y “Babel”) poseen una trama que, a pesar de ser por sí solas grandes obras audiovisuales, comparativamente caen en un tratamiento débil que se desgasta por parecer una versión hollywoodense de lo ya hecho.

En el caso de "La Buena Vida" se tiene a un elenco con una gran capacidad interpretativa, que logra sostener la obra en pasajes a pesar de no lograr darle un cierre a sus historias respectivas. La mirada oscura, al borde del pesimismo, con que comienza cada uno de los argumentos se vuelve brillante y esperanzador siguiendo el clásico cánon al que estamos acostumbrados. Sin embargo, la puesta en escena de la capital de Chile es lo interesante. Las imágenes, el decorado, la mirada diferente; es el plus que entrega esta nueva película de Andrés Wood. Mucha relevancia quizás tenga Rodrigo Bazaes en esto, debido a su experiencia anterior, pero a pesar de tener esta cualidad, "La Buena Vida" queda coja en lo primordial de una cinta: su guión. Hay que hacer el hincapié en que la idea es bastante buena, mostrando historias basadas en hechos reales sobre personas comunes y corrientes; proponiendo un trabajo estético diferente e integrando al elenco de una forma más humana logrando reflejarlo en pantalla (destaca el trabajo de Roberto Farías y de Manuela Oyarzún quienes hacen que su historia sea la mejor elaborada de las tres presentadas).

Esperamos que Andrés Wood, quien se ha teñido de éxitos transformándose en uno de los directores más valorados del medio, vuelva a realizar películas del nivel de "Machuca" dándole preferencia al guión por sobre el resto de las cosas. A fin de cuentas, son las historias las que le quedan al espectador y en este medio de comunicación masivo se debe aprovechar eso.

Calificación: 3/7

Trailer de "La Buena Vida"

4 meses, 3 semanas, 2 días

2008-08-05T22:19:00.013-04:00

“4 meses, 3 semanas, 2 días”
Título Original: 4 luni, 3 saptamâni si 2 zile
Director: Cristian Mungiu
Guión: Cristian Mungiu
Elenco: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alexandru Potocean, Ion Sapdaru
Rumania, 2007

Si no fuera por Venecia, Cannes o Berlín, muchas películas del cine europeo ni siquiera se asomarían por estas latitudes. Los Festivales de Clase A permiten a las distribuidoras de los distintos países darse el lujo de aportar un poco de cultura en sus tierras mientras las ganancias que consiguen pueden ser auspiciosas por el marketing propio de la película al haber sido galardonada en tan prestigioso festival. De todas maneras, el público en general no está acostumbrado a películas de formato diferente al hollywoodense, lo que implica que cintas como “4 meses, 3 semanas, 2 días” estén presente en tan sólo algunos cines del medio y en horarios bastante reducidos comparado con el resto de los films en cartelera. Se debe tomar conciencia de que el séptimo arte es una forma de expresión tan valiosa como la pintura o la música, y que no es lo mismo ver a un Picasso o a un Rembrandt como así escuchar a un U2 o a un Vivaldi. Se debe tomar conciencia de que el cine es más allá de “la película que entretiene” y que sirve como panorama para gastar ese tiempo en desuso que se tenía durante el día; el cine es una plataforma para ver y sentir desde otra perspectiva en donde el espectador puede cumplir un rol fundamental.

Gracias a Cannes hemos podido ver en celuloide hace poco tiempo “El niño” de los hermanos Dardenne y “El viento que acaricia el prado” de Ken Loach, dos películas de gran factura que aterrizaron en las salas locales con la Palma de Oro bajo el brazo. Ahora es el turno de “4 meses, 3 semanas, 2 días”, película rumana ganadora del festival francés el año 2007 y que trae consigo un manejo escénico excepcional. Con una realización estéticamente parecida a la presentada por los hermanos Dardenne, posibilitando una conducción de sentimientos difícil de vivenciar en otras obras audiovisuales, la cinta se sostiene de principio a fin bajo una idea bastante sencilla la cual es manejada de manera que la tensión logra mantener expectante al espectador.

La forma de abordar la imagen posee esa característica que distingue el cine europeo. Con planos y secuencias en que el espectador se hace partícipe de la escena, Cristian Mungiu logra transmitir el difícil proceso que vive la joven protagonista. A pesar de estar sentados en un cómodo asiento de cine, podemos llegar a taparnos la cara y asimilar el suspenso más puro con tan solo ver lo mostrado por el director. El hecho de considerar cámaras fijas y escenas en que el dialogo es primordial sin anexar corte alguno, hacen que la pantalla se transforme en una ventana que permite el paso del espectador. La película además logra hacer el sólido balance entre la cámara fija y la cámara en mano siendo testigos de lo que ocurre en cada escena como si estuviésemos con Otilia todo el tiempo.

Ese realismo, que se intensifica con la ausencia de música incidental, hace que la obra cale en lo más hondo, donde el argumento, que comienza con un desarrollo bastante avanzado invitando a que se especule sobre lo que transcurre en la cinta, posee una idea general que muchas veces ha estado en el tapete, pero que pocas se ha tomado con esta naturalidad. El film posiciona al espectador en un sitial privilegiado otorgándole más herramientas que a los propios protagonistas, donde incluso el título de la obra posee un valor fundamental. “4 meses, 3 semanas, 2 días” es una invitación al debate, en donde sus protagonistas representan de la forma más verídica posible el tema en cuestión y en donde la sorpresa y las historias anexas dejan abierto el camino para distintas apreciaciones cinematográficas.

Calificación: 7/7

Trailer de "4 meses, 3 semanas, 2 días"

The Dark Knight

2008-07-31T10:02:00.013-04:00

"The Dark Knight"
Director: Christopher Nolan
Guión: Jonathan Nolan y Christopher Nolan
Elenco: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman y Morgan Freeman
USA, 2008

Una de las buenas bases de datos que existen en internet (IMDB), tiene un ranking de las mejores películas de la historia según la clasificación que le dan los propios espectadores. "El Padrino" (1972), como en otros rankings, lideró por mucho tiempo el escalafón. Sin embargo, la nueva entrega de Batman ha destronado a la película de Francis Ford Coppolla, situándose como una de las películas mejor apreciadas por el público durante este año. Hay que tener en cuenta que este ranking es sumamente subjetivo ya que existen varias películas de mejor factura que ni siquiera aparecen en los veinte primeros puestos, lo que indica que el impacto masivo es valorado más que la calidad propia de la obra. De todas formas, "The Dark Knight" tuvo un agregado que no se puede dejar de citar: el marketing fortuito que tuvo antes de su estreno debido a la muerte de Heath Ledger, le rindió parte de los frutos que hoy almacena en sus vitrinas. La actuación del australiano llamaría la atención desde temprano por representar a uno de los villanos más complejos de la saga y se especulaba bastante de que ésta sería de gran calidad. Esta especulación resultó ser acertiva posicionando a Ledger dentro los futuros recuerdos de la cinematografía mundial.

Desde que en el 2005 la saga de Batman fue tomada por Christopher Nolan, ésta tuvo un vuelco notable rescatando el lado oscuro y complejo del hombre murciélago. Las anteriores producciones, salvo las de Tim Burton, no poseían ese aderezo, cayendo en esas banalidades tan atractivas para los productores de las películas de superhéroes. El Batman interpretado por Christian Bale es más introvertido, más violento y con delirios de grandeza que no nublan su propósito. Si bien en "Batman Begins" (2005) el argumento no se consolida del todo debido a que uno de los creadores de "Blade" (1998) participaba en la redacción, en esta nueva entrega la alianza Nolan se presenta como principal factor de éxito. La humanidad - lejos de la ficción - se refleja en esta Ciudad Gótica caótica y cada vez más parecida a una ciudad común y corriente. Ese acercamiento a la realidad y ese cuestionamiento al razonamiento social son parte del gran plus que le entregan los hermanos Nolan al guión del film.

"The Dark Knight" se centra en el Guasón cuya interpretación es realizada por el desaparecido Heath Ledger. Con la difícil tarea de ejecutar el mismo papel que realizó Jack Nicholson en 1989 - de hecho en algunas escenas se homenajea a ese mítico Guasón -, Ledger otorgó una caracterización más potente con una demencia agudizada por tics que impregnan de realismo la ambientación de sus apariciones, donde por momentos, logra opacar a Nicholson debido a que el argumento de esta cinta posee más peso que la realizada por Burton casi 20 años atrás. De hecho la escena en que Batman "castiga" a golpes al demencial personaje será un clásico en los años venideros por la intensidad de su acción y por la calidad de la escena tanto auditiva como visualmente, en que vemos a un Batman encolerizado y a un Guasón irracional que ríe a medida que sufre. Se debe citar que las escenas de este tipo se presentan frecuentemente en la cinta motivando así al espectador de manera que le sea imposible decaer en un sopor.

La edición de la cinta también juega un papel fundamental en este aspecto en donde Lee Smith, editor de "The Truman Show" (1998) y que ha trabajado con Nolan en "Batman Begins" y "The Prestige" (2006), realiza un trabajo bastante dinámico acelerando por momentos el ritmo de la cinta transformándola en un problema si el espectador no logra "subirse al tren". Quizás esto se torne complicado para algunos por lo que se debe estar alerta. Sin embargo, la osadía es rescatable ya que de esta forma hacen que la película se escape de los estándares habituales. El juego de cortes y planos en escenarios paralelos, en conjunto con la música constante y tensa que mantiene en suspenso cada secuencia de acción, hacen que la película no tenga un sólo pick de desarrollo sino que logra poseer varios. Sin embargo, ante esta "oportunidad", los creadores de la cinta cayeron en un exceso desarrollando a personajes que no valían la pena extenderlos más allá de lo prudente. De esta manera, "The Dark Knight" pierde el foco del metraje, alargando la cinta más allá de lo necesario desgastando la construcción firme que se gestó desde un comienzo. ¿O acaso le encontraron mucha relevancia la transformación de Harvey Dent? Al parecer sólo sirvió de parche para transformar ese final en que Batman sigue siendo "el caballero de la noche".

Calificación: 6/7

Trailer de "The Dark Knight"

Hancock

2008-07-19T09:26:00.004-04:00

"Hancock"
Director: Peter Berg
Guión: Vincent Ngo y Vince Gilligan
Elenco: Will Smith, Charlize Theron, Jason Bateman, Eddie Marsan, Jae Head
USA, 2008

No es fácil escribir una historia que se mantenga a través del relato sin caer en desvaríos, escapando de precipicios que puedan afectar de sobremanera la línea argumental, estrellando a la obra dentro de un agujero negro del cual le será imposible escapar. Complicado es quizás atenerse al metraje clásico que poseen las películas comerciales de hoy - entre 90 y 120 minutos - si el guionista está acostumbrado a escribir para la televisión. Eso le ocurre a "Hancock", la última película de Peter Berg - director de "The Kingdom" (2007) -, que logra mantener la expectación durante los primeros cuarenta y cinco minutos, para luego caer en un sopor extremo a causa de una variación sin sentido de la historia.

Akiva Goldsman y Michael Mann - guionista de "Una Mente Brillante" (2001) y productor de "Aviador" (2004), respectivamente - producen esta cinta que posee un guión diferente en lo que concierne a las normativas de superhéroes, destacando el aura solitaria que los envuelve durante sus vidas y la dificil misión que deben soportar día a día en son de ayudar a los que lo necesitan. La ficción lúdica del superhéroe que vuela y salva el planeta, queda marcado por la visión más humana de este personaje alcohólico, indiferente de su alrededor, apesadumbrado por la cuasi-obligación de ayudar a la humanidad y recibiendo de parte de ella malos gestos que se van transformando en parte de la rutina.

Will Smith, protagonista de la cinta y constante colaborador de las ideas de Goldsman y Mann, logra en parte posicionarse del "personaje indiferente", aunque es inevitable que por momentos pierda la perspectiva colaborando con diálogos insulsos que sacan más de una sonrisa de estupidez entre la audiencia. Como ya fue dicho, la película logra sostenerse durante los primeros cuarenta y cinco minutos, ya que el relato en ese tramo sigue una línea bien definida con un inicio, un desarrollo y un final bastante claro (no por esto bueno). Sin embargo, al parecer la idea original culminó antes de lo previsto, debiendo agregar un parche que lograra completar el metraje normativo que al parecer se ha impuesto en la industria cinematográfica. Pero el "parche" elegido está cargado de bobadas más allá de los diálogos de Smith... Mala decisión por parte de los novatos guionistas...

Con villanos que pesan menos que un paquete de cabritas, con ideales que no son creíbles ni por el ser más ingenuo y con escenas que poseen inconsistencia tanto temporal como psicológica, "la segunda parte" de la cinta hacen que esta colapse, embarrando todas las posibles vertientes que pudiesen haber salido a flote a causa de la idea original y general. De todas maneras el público que posee el impulso de ver "Hancock" irá con la intención de pasar un buen rato, olvidándose del mundo exterior y real. Personalmente, no estoy de acuerdo con esta postura ya que el cine - al ser un medio de comunicación masivo - tiene la capacidad de ser un gran aporte si es que lo propone. Obviamente "Hancock" no se lo propuso, aunque tampoco se le debe juzgar por esto.

Calificación: 3/7

Trailer de "Hancock"

El Orfanato

2008-07-16T17:17:00.005-04:00

"El Orfanato"
Director: Juan Antonio Bayona
Guión: Sergio G. Sánchez
Elenco: Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Mabel Rivera, Edgar Vivar, Geraldine Chaplin
España/Mexico, 2007

Los niños son una pieza fundamental en las historias cargadas de suspenso y terror. Su ingenuidad es el señuelo para que los espectadores se mantengan expectantes a través de todo el relato. Es por eso que una gran parte del éxito de películas como "El Exorcista" (1973) o "La Profecía" (1976) se debe a que en sus papeles principales estuviese un niño, siendo éste el puente de unión hacia lo desconocido, hacia lo oculto, hacia el suspenso mismo. En "El Orfanato" no ocurre lo contrario por lo que la cinta no logra zafarse de los cánones clásicos que se han establecido a través de los años, sin embargo el argumento logra desmarcarse de lo cotidiano proponiendo un desenlace novedoso que a pocos deja indiferentes.

El joven director español Juan Antonio Bayona, quien antes de esta película sólo había incursionado en el área de los videos y cortometrajes, tuvo la suerte de encontrar a uno de los "Reyes Midas" que posee Mexico en la actualidad. Guillermo del Toro, director de la sobrevalorada "El Laberinto del Fauno" (2006) y que próximamente dirigirá los comienzos de las aventuras del anillo en la Edad Media en "El Hobbit", produjo la primera película de Bayona lanzándola antes de su estreno a las líneas de visión de los críticos del mundo. Sin duda que esa fue la estrategia de marketing que posicionó a "El Orfanato" dentro de las películas a ser apreciadas dentro del año ya que de hecho su sinópsis mostraba a Guillermo del Toro como presentador de la cinta, restándole importancia al director de ésta debido a que era su primera obra. Está bien que en la actualidad cada vez sea más importante el marketing previo al estreno de una obra, sin embargo se debe ser cuidadoso en esta etapa ya que muchos espectadores pensaron que el ideólogo de esta cinta era el "Midas" mexicano, cuando la realidad era otra...

"El Orfanato" posee un guión bastante liviano en el sentido que permite al espectador moverse a través del relato sin mayores problemas. Además, contiene la pizca necesaria de complejidad que hace de la historia algo menos banal de lo que se está acostumbrado a ver en este género dramático, transformando a la cinta en una obra aplaudible dentro de su clase. Sin embargo, la película patina y pierde el control en el momento del remate final. Los créditos finales se demoran más allá de lo necesario en aparecer impacientando al espectador y produciendo en éste algo de malestar. Una cinta puede ser genial en su inicio y desarrollo, pero si en el final ésta se desploma, el gusto que se lleva el espectador es amargo y el recuerdo de la obra no se instalará en el archivo mental de cada uno. De hecho es tal el nivel de importancia que tiene el desenlace en una cinta que hay películas que sin un argumento superlativo poseen un final impactante logrando situarse en la lista de "inolvidables".

De todas maneras, el desenlace de "El Orfanato" no es malo, sino que pierde un poco el ritmo llevado a través del desarrollo de la obra. Es como cuando una orquesta pierde el compás y distorsiona por momentos la armonía. Sin embargo, esto no logra ensuciar lo mostrado con anterioridad, en donde desde los créditos iniciales - diseñados con gran calidad y muy acorde a la trama - se vislumbra una película con una textura artística bastante sofisticada y con una puesta en escena que escapa de los negativos adjetivos calificativos. Esta es una cinta que sólo se basa en su argumento de fondo, en su dirección de arte, ya que el resto del crew no muestra grandes performances (aunque la fotografía y el sonido no están nada de mal). Si bien, Belén Rueda ejerce un papel bastante complejo que logra llevar a cabo, el resto de las actuaciones no presentan pasajes para valorar. De todas formas el guión no se prestaba para eso, ya que éste está confeccionado para que el espectador pase un rato agradable impactándose y sorprendiéndose con lo mostrado en pantalla.

Calificación: 4/7

Trailer de "El Orfanato"

WALL·E

2008-07-03T17:50:00.011-04:00

"WALL·E"
Director: Andrew Stanton
Guión: Andrew Stanton y Jim Capobianco
Elenco: Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Fred Willard, Sigourney Weaver, John Ratzenberger, Kathy Najimy
USA, 2008

Desde hace tiempo que Pixar se está posicionando como la mejor compañía de animación del mundo, no sólo por su calidad visual, sino también por la significancia que poseen los argumentos de sus películas. A nadie dejó indiferente sus anteriores producciones como "Toy Story" (1995), "Toy Story 2" (1999), "Monsters, Inc." (2001), "Buscando a Nemo" (2003), "Los increíbles" (2004) o "Ratatouille" (2007), completando un currículum que muchas compañías querrían. Sin embargo, esta lista aún no se completa, ya que hace algunos días se estrenó su última producción que desde hace más de un año se publicitaba en todas las salas del orbe, generando una expectación masiva con su sinopsis que mantuvo a la audiencia mundial esperando su estreno. Y es que Pixar es capaz de crear obras aplaudibles no sólo en el área de los largometrajes, sino que también en formatos de menor duración, demostrándolo a través de sus cortometrajes presentados al inicio de cada función.

En esta cinta escrita y dirigida por Andrew Stanton - también creador de "Buscando a Nemo" - se muestra la historia de un robot, que a pesar de no tener una cara o un cuerpo estándar para "actuar", es capaz de demostrar sus sentimientos mejor que muchos seres humanos. Pixar explota de la mejor manera esa faceta, siendo capaces de añadirle humanidad a sus personajes animados, transformándolos en seres muy cercanos a la audiencia. En este caso Wall-E - acrónimo de "Waste Allocation Load Lifter Earth-Class" -, que fonéticamente suena como Wally creando una aura humana alrededor del personaje aún más intensa, es la máquina encargada de comprimir el desastre dejado por los seres humanos varios siglos atrás de manera de poder "limpiar" la Tierra para que ésta nuevamente sea apta para vivir. Es justamente esto el plus que tiene la obra, ya que a grandes rasgos el argumento amoroso y lúdico no se diferencia mucho de las anteriores cintas pertenecientes al catálogo de Pixar.

Mostrando un planeta decadente en donde la contaminación supera todo lo imaginable, en donde los satélites se acumulan alrededor de la Tierra colapsando el espacio y en donde los humanos de esa época - totalmente dependientes y autómatas - deben vivir en transbordadores espaciales debidamente acondicionados para poder sobrevivir, "Wall-E" propone una crítica bastante fuerte de cómo estamos llevando nuestras vidas y hacia qué nos dirigimos. ¿Estamos haciendo las cosas bien? ¿Nos estamos preocupando como deberíamos del futuro? Según Stanton no lo estamos haciendo para nada, presentando por momentos a la cinta como si fuera un documental de lo ya vivido.

Esta conjunción entre "crítica social" y "argumento infantil" logran dirigir la película hacia distintos rangos etarios posibilitando que la obra sea vista en familia con toques humorísticos inteligentes dirigidos a niños y adultos. La película, a su vez, tiene una trama ligera y armoniosa que logra captar las emociones del espectador, sintiendo la soledad de Wall-E en ese planeta oscuro que se contrapone con la alegría de encontrar el amor.

Si bien hay pocos elementos desagradables dentro de la cinta (en donde se puede citar el retardado desenlace de ésta), existe un detalle que le quita parte del peso a la obra. A pesar de que es mínimo, el efecto de incompatiblidad que produce genera un descuadre que logra desastibilizar al espectador. No parece correcto mezclar seres humanos reales con animaciones de éstos ya que el choque visual es significativo. Hay películas en que esto es un recurso necesario del argumento como lo es en "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" (1988), sin embargo en "Wall-E" se pudo haber abolido. A pesar de esto, la película se mantiene y logra salir más que airosa situándose dentro de las buenas películas del año.

Completamente aparte... ¿Alguien recordó a E.T. con este nuevo personaje?

Calificación: 6/7

Trailer de "Wall-E"

Lejos de Ella

2008-06-25T12:05:00.005-04:00

"Lejos de Ella"
Título Original: Away from her
Directora: Sarah Polley
Guión: Sarah Polley y Alice Munro
Elenco: Gordon Pinsent, Julie Christie, Olympia Dukakis, Grace Lynn Kung
Canada, 2006

Difícil es saber lo que ocurre al comienzo. Existe un ambiente que indica que algo fuera de lo común sucede en la familia Anderson. Pero la puesta en escena y la forma de contar la historia muestran una sutileza que pocas películas poseen, tomando de la mano al espectador y mostrándole los distintos acontecimientos que transcurren en la obra de manera pausada, serena y a la vez compleja, tal como es el tema central de la película.

El alzheimer es una enfermedad neurodegenerativa que se manifiesta con mayor frecuencia en personas adultas. Es conocido que esta afección se puede presentar en cualquier familia y sin duda que es un drama superior por las consecuencias que conlleva. Es por esto que la película no es ajena a los que la disfrutan, posicionando la sensación de angustia en las profunidades del espectador. "Lejos de Ella" muestra el caso de Fiona Anderson que junto a su marido deben luchar contra la compleja situación que genera el alzheimer, estableciéndose unidos a pesar de las dificultades y en donde los afectos se representan de una forma tan sensata y hermosa que permite dilucidar la pureza del amor.

La joven directora Sarah Polley (29) escribe y dirige esta cinta que impactó de sobremanera a la crítica norteamericana, posicionándola a ella como una de las jóvenes promesas de la industria mundial. Junto a John Buchan, realizó un casting que logró resultados óptimos ya que los papeles protagónicos son realizados por actores que calzan a la perfección. Gordon Pinsent y Julie Christie representan el amor puro, aquel que no se deteriora a través de los años y que establece lazos de unión tan íntimos que la pareja logra ser una. Si bien Christie ha recibido los mayores elogios por su actuación - ganó el Golden Globe a mejor actriz -, es Gordon Pinsent el que logra la estabilidad de la cinta. Con su caminar cansino y pausado, propio de su edad, genera un clima que la obra requiere para su desarrollo. La protección, el cuidado del ser amado por sobre todas las cosas, hacen ver desde otra perspectiva a lo que estamos acostumbrados a ver en situaciones similares logrando valorar la película aún más.

Si bien, el desenlace de la cinta no es del todo perfecto ya que transcurre de manera acelerada y abrupta contraponiéndose con su línea argumental, la película logra edificar pilares que la sostienen durante su desarrollo en donde el drama posee gotas de humor que lo ruborizan y maquillan logrando esa armonía necesaria para obras de esta índole. ¿Acaso no notaron la frase "¿Cómo pudieron olvidar Vietnam?" al ver las actuales guerras que tiene Estados Unidos con diferentes sectores del planeta? Ni siquiera el alzheimer puede borrar aquellos horrorosos pasajes de la historia.

¿Cuántas personas seremos capaces de asumir las condiciones que se presentan en el día a día y a pesar de esto seguir amando? ¿Cuántos seremos los que sacrificaríamos nuestra propia felicidad para lograr que nuestro ser amado siga siendo feliz? Siempre he dicho que las mejores películas son las que te hacen pensar más allá del tiempo de proyección. Sin duda que esta cinta es una de ellas.

Calificación: 6/7

Trailer de "Lejos de Ella"

Pronto...

2008-05-30T18:20:00.003-04:00

Indiana Jones, el Reino de la Calavera de Cristal

2008-05-21T12:13:00.016-04:00

« Indiana Jones, el Reino de la Calavera de Cristal »

(EEUU, 2008)
Director : Steven Spielberg
Guión : David Koepp, basado en una historia de George Lucas y Jeff Nathanson
Fotografía : Janusz Kaminski
Música : John Williams
Elenco : Harrison Ford, Cate Blanchett, Karen Allen, Shia LaBeouf, Ray Winstone, John Hurt, Jim Broadbent.

La primera imagen, un montículo de tierra que se asemeja a la colina de la Paramount, deja asomarse una marmota digital, advirtiéndonos el tono de esta nueva (y esperemos que última) aventura de la saga del arqueólogo Indiana Jones creado por George Lucas y Philip Kaufman hace ya más de un cuarto de siglo.

La historia, guardada en secreto durante todo el año recién pasado, se develó el domingo en su estreno en el Festival de Cannes, despertando el apetito mundial que ya la descubre en las pantallas de todos los cines desde el miércoles a medianoche.

La historia nos instala en los años 50. La Segunda Guerra Mundial ha pasado y los nazis también. Indiana se descubre un ex agente de la CIA que ya ha vivido bastante y que tiene tras sus pasos a los rusos en el comienzo de la guerra fría.

Esta vez nuestro héroe va en la búsqueda de unos cráneos de cristal que algo tienen que ver con las líneas de Nasca (mezclando Incas y Mayas en el guión), y la búsqueda de El Dorado, la ciudad hecha en oro macizo de los Incas contada por Francisco de Orellana. Bases reales e históricas que rápidamente pierden los pedales para llegar a la conclusión que todo eso fue creado por obra y gracia de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo ocurridos hace varios siglos.

Para esto, la divina providencia pondrá frente a Indy a un chico buenmozo, simpático y aventurero (interpretado por un digno Shia LaBeouf), quien lo acompañará en esta búsqueda.

Los malos, unos rusos encabezados por una casi irreconocible Cate Blanchett, luciendo muecas y malabares faciales que dan más risa que otra cosa, son malos, malísimos, casi peores que nuestros adorables nazis de antaño. La guerra fría, hoy más vieja que el hilo negro, ya no tiene peso ni credibilidad y más huele a un malo revival de « Rocky 4 ». Igual que el cuerpo de Harrison Ford, que ya deja entrever la jubilación anticipada en peleas asmáticas y persecuciones arregladas por photoshop que más bien emulan una serie de acrobacias cómicas dignas de los tres chiflados.

Y esto va de peor en peor, ya que nuestro adorado Indy (mi héroe indiscutido de infancia, y por quien me convertí en cineasta a mucha honra) desaparece poco a poco dando paso a una aventura final donde aparece Marion Ravenwood su enamorada aventurera de los « Cazadores del Arca Perdida » (emotivo encuentro con una Karen Allen divertidísima), un viejo compañero de universidad llamado Ox (interpretado por el siempre genial John Hurt), el insoportable Mac McHale (un fome Ray Winstone) y su nuevo compañero Mutt (un Shia LaBeouf que es una mezcla del niño chino del « Templo de la Perdición », con lazos familiares escondidos como Sean Connery en « La última cruzada » (episodio que lamentablemente quedó como el penúltimo).

De ahí Indy deja de ser nuestro héroe de antaño y pasa a formar parte de un cuarteto de cómicos mal vestidos que corren sin sentido entre las ramas de una selva amazónica sacada de un Atari buscando un Dorado de plástico.

Ya algunos habíamos sentido que este nuevo Indy nos traería para más remate a los marcianos y a los Encuentros Cercanos del Tercer Tipo Reloaded. En el primer avance que dejó ver Spielberg en los cines, se veía escrito en una caja : « Roswell, New Mexico, 1947 » (vean el minuto 1:26 del trailer), haciéndonos pensar que ese chamullo sobre marcianos encontrados en EEUU nos arruinaría la fiesta. ¡Y sí lo hizo!

Y todo en « Indiana Jones, el Reino de la Calavera de Cristal » va en ese sentido. La foto de Janusz Kaminski no tiene nada que ver con esa naturalidad y clasisismo de la que Douglas Slocombe fue parte fundamental en el look de la trilogía. Hoy más bien parece « La Guerra de los Mundos » versión años 40.

Por ahí las malas historias siempre terminan con frases como : « Y llegaron los marcianos y lo arreglaron todo » o « Se casaron y vivieron felices para siempre ». Este último Indiana Jones, posee ambas. Una lástima. Hubiese preferido que se terminara con Indy, su padre y el gordito cabalgando hacia el sol en busca de nuevas aventuras. Pero no como este bodrio de 300 millones de dólares.

Trailer de "Indiana Jones, el reino de la calavera de cristal"

31 Minutos La Película

2008-04-25T12:50:00.007-04:00

"31 Minutos La Película"
Director: Pedro Peirano y Alvaro Díaz
Guión: Pedro Peirano, Alvaro Díaz, Daniel Castro y Rodrigo Salinas
Elenco: Tulio Triviño, Juan Carlos Bodoque, Juanin Juan Harry, Patana Tufillo, Mario Hugo y Cachirula
Chile, 2008

La poca acogida que ha tenido lo "made in Chile" en nuestro territorio es tan impactante, que a través de la historia sólo personajes u obras específicas han sido valoradas aquí antes que en el exterior. Es parte de la idiosincracia criolla que se mire a lo extranjero con otros ojos, siendo mucho menos crítico y exagerando de sobremanera sus cualidades aceptando sin tapujos sus deficiencias. Quizás sea por temas sociales o culturales, tal vez por el poco espacio que se les otorga a las artes para desarrollarse o quizás sea por motivos ajenos a nuestro control, que personajes como Claudio Arrau, Roberto Matta, Raúl Ruiz o Pablo Neruda sean valorados internacionalmente más que en esta angosta y larga faja de tierra. No es posible que las películas chilenas deban lanzarse al ámbito internacional para que luego de adjudicarse diversos premios, recién se les valore. "Nadie es profeta en su tierra" dicen por ahí, pero ya es tiempo de concentrarnos en lo autóctono para reconocer lo valorable antes que nos lo digan.

"31 Minutos La Película" no tiene nada que envidiarle a las producciones internacionales. Con un guión divertido y armónico, que se mueve dentro de una línea argumental sin desvíos innecesarios, la película logra adjudicarse el adjetivo "de exportación" para que pueda ser apreciada por los distintos habitantes del orbe. "31 Minutos La Película" se basa en el noticiario "31 Minutos" el cual es realizado íntegramente por títeres. Sin embargo, estos títeres son tratados de tal forma que la diferencia que tienen con los seres humanos es bastante impercetible. Si bien sus facciones nos alejan mucho de ellos, sus características y comportamientos opacan las diferencias físicas mostrándolos como uno más de nuestra raza.

Siempre que se llevan al cine éxitos televisivos de formato tradicional, se corre el riesgo de plantear una historia del mismo estilo anexando solamente la novedad de "larga duración". Caso de ello son en general las cintas animadas originalmente televisivas como "Los Simpson" (2007), "Bob Esponja" (2004) o "Rugrats" (1998). Pero haciendo caso omiso a esta tendencia, "31 Minutos La Película" logra separarse de su formato, proponiendo una historia distinta recurriendo a los personajes que se hicieron populares a través de la televisión. Además, les otorga una visión más terrenal en donde la fotografía, la interacción con el entorno y la pulcritud de las imágenes, juegan un papel fundamental. Bajo este marco, para el espectador serán inolvidables las escenas de la casa de Tulio y el trayecto de Juanin en bicicleta, demostrando así que "31 Minutos La Película" no pasará desapercibida.

El dinero invertido en esta obra - que por lo demás no alcanza a ser un quinto de lo que cuesta en promedio una producción estadounidense - se presenta de buena forma permitiendo al espectador apreciar una cinta finamente terminada (no es el caso de "Fuga" (2006) que se tildó en su tiempo como la película más cara del cine chileno resultando ser un bodrio) . Si bien no es un recurso necesario para crear una película que resalte, el dinero facilita el buen tratado del film recurriendo a una post-producción de mejor calidad. La post-producción de la cinta dirigida por Peirano y Díaz tardó un par de años cuyo resultado es aplaudible ya que logra equilibrar con inteligencia la calidad técnica con la calidad artística. Esperemos que los chilenos seamos objetivos y valoremos lo que es valorable, aportando con nuestra apreciación el buen desarrollo del ámbito nacional.

Calificación: 5/7

De regalo les dejo estos sonidos exclusivos que pueden ser usados como ringtones en sus celulares...

Quiero a mi Juanin

Soy la gran Cachirula

Y te cuidaré...

Y además se les recomienda visitar las Trivias de "31 Minutos La Película"

Trailer de "31 Minutos La Pelicula"

Promesas del Este

2008-04-10T14:06:00.003-04:00

En noviembre pasado se publicó la crítica de la recientemente estrenada en Chile "Promesas del Este" del director David Cronenberg. Además tiene la relevancia que fue la primera crítica en formato audio que este blog incluyó.

REVISA LA CRITICA DE LA PELICULA AQUI

U23D

2008-04-07T07:43:00.017-04:00

Directores: Catherine Owens y Mark Pellington
Directores de Fotografia: Peter Anderson y Tom Krueger
Montaje: Olivier Wicki
Intérpretes: Bono, Adam Clayton, Larry Mullen Jr., The Edge

Es dificil comentar un film musical donde sólo vemos un concierto, sin historia detrás. En el caso de U2, veinte años depués de « Rattle and Hum », donde además de la música, se trataba de un viaje a las raíces nortemericanas de su rock, esta vez los irlandeses caen en la proeza técnica más absoluta con « U2 3D », título que hace alusion tanto al formato de exhibición del film como al primer EP del grupo salido hace casi 30 años

La película no es ni más ni menos que una asombrosa experiencia técnica, donde el espectador se siente participe (y mucho más que eso) de un concierto del ultimo Vertigo Tour. Digo mucho más, porque el efecto tridimensional permite subirse al escenario, sobrevolar a los miles de espectadores, recibir en 3D los mensajes de las pantallas ubicadas en el escenario y más.

La música elegida para “U2 3D” es bastante ecléctica, a pesar de centrarse principalmente en el último álbum del grupo. Se entonan canciones como "Vertigo", "Sometimes you can't make it on your own""Love and Peace or Else" y los créditos finales se cierran con una animación 3D bajo los sonidos de "Yahweh". Sin embargo, los músicos pasan revista a temas que van desde "New Year's Day", "Sunday Bloody Sunday", "Pride (In the Name of Love)", "Bullet the Blue Sky", "Where the Streets Have No Name", "One""Beautiful Day" y "Miss Sarajevo", momento donde se lee la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Para terminar con un regreso del grupo sobre el escenario e interpretar “The Fly" y "With or Without You" .

“U2 3D” fue integramente filmado el América Latina en el cuarto leg de la gira entre febrero y marzo del 2006. Siete de los ocho recitales fueron rodados para el film. El único que se quedó fuera fue el primero, realizado en la ciudad mexicana de Monterrey. Para filmarlos sin molestar al público, el equipo de rodaje planificó tomas específicas para cada espectáculo, siguiendo un plan de rodaje diseñado con varios meses de antelación .

Los dos primeros conciertos fueron rodados en Ciudad de México, donde se grabaron todos los planos medios de Bono y la banda. Los dos show siguientes en São Paulo, con cuatro cámaras (dos pares que filman lo mismo con cierta diferencia para crear las tres dimensiones). Ellas hicieron tomas de distancia. El recital de Santiago de Chile, sólo contó con una cámara encima del baterista Larry Mullen, Jr. Los días siguientes, fueron los mas complejos ya que hubo que grabar los primeros planos de los músicos para lo cual U2 aceptó tocar especialmente luego de sus conciertos en Argentina. De esta forma U2 toco diez canciones sin público, con el fin de filmar imagenes que no habría sido posible capturar sin molestar la vision del los fans.

Esta es la primera película que se filma en 3D de una acción en vivo con el fin de ser exhibida en salas. Aprovechando esto se presenta como el primer film de National Geographic Entertainment, una rama de la famosa publicación de Ciencia y Tecnología dedicada desde inicios de este año al espectáculo.

“U2 3D” si bien se exhibió en Cannes 2007, se presentó en una versión no terminada. La versión final fue presentada recién en el ultimo Festival de Sundance el 19 de enero pasado, recibiendo una “standing ovation” de unas 1200 personas.

Como U2 ha hecho este film con fines experimentales, sin intereses comerciales, sólo será exhibido en salas de cine provistas con tecnología 3D (proyectores, sonido y lentes). Los distribuidores no planean exhibirla posteriormente en formato 2D ni en video, por lo que habrá que perseguirla por el mundo con los anteojos 3D adecuados o hacer un rezo colectivo para adaptar varias salas en los paises hispanoparlantes.

Nuestro amigo Budokan nos informa que "U23D" ya esta siendo exhibido en el IMAX Theater Showcase de Buenos Aires . Al resto, mientran esperan, al menos existe un trailer en 2D.

Trailer de "U23D"

¡Extra! Próximamente este film se presentará en Chile. Para más información ver la sección "Noticias".

Defensa a NCFOM & TWBB

2008-04-03T10:42:00.008-04:00

DEFENSA
a
« NO COUNTRY FOR OLD MEN »
&
« THERE WILL BE BLOOD »

Estamos sin dudas frente a un momento histórico en lo que a cine norteamericano se refiere. Ya en el último Festival de Cannes, se había remarcado el nuevo opus de los hermanos Coen. Su tema sombrío, nihilista, donde el mal triunfa sin dejar lugar a los sueños ni a nada, daba un aire fresco a la producción norteamericana habituada a las comedias musicales en plástico tóxico y al cine de popcorn.

Lamentablemente en este espacio se han criticado esta película de manera dura e injusta. Considerando que posee metáforas de difícil digestión. Sin embargo, esa difícil digestión es precisamente lo que hace de « No Country… » un film arriesgado y valioso, hecho con un oficio que no se veía en los Coen desde hace varios años.

La frialdad del argumento aquí no es parte de un error, es una elección. Y si ésta no se acepta, es un problema de gusto, no del film en si. Hay que decir que ésta nace de la excelente novela original de Cormac McCarthy, que tiene los mismos vericuetos narrativos y estilo detallista que los Coen supieron llevar a la pantalla de manera muy certera y fina. Y esto no es cosa de fotografia tampoco, porque -a pesar de su talento- Roger Deakins no es el jefe del rodaje. Sino se trata de la puesta en escena de los Coen. De su dirección, donde cada plano esta minuciosamente pensado, montado y es parte fundamental de un relato rítmico y asombroso.

En este sentido, « No Country… » es una obra maestra de lo que hacer pasar emociones en imágenes significa.

Lo mismo podemos decir de « Petróleo Sangriento » y aún más. Estamos frente al único film que puede hacernos pensar en Welles o Kubrick en la escena americana actual.

Su director, Paul Thomas Anderson, ha dado un paso enorme desde su fallida « Punch Drunk Love » y nos entrega su mejor película en su corta y valiosa carrera.

Aquí se dejan sentir los ecos de « El Tesoro de la Sierra madre » de Huston, « Dias de Gloria » de Malick, de « Que verde era mi valle », una obra maestra de John Ford que le ganó el Oscar a «Ciudadano Kane » (algo que no importa a estas alturas).

Este es un film con una mirada radical y crítica al mundo actual, perdido entre la sed capitalista y la locura religiosa. ¿ No creen que Daniel Plainview es el hijo pródigo de la decadencia americana?

La banda sonora compuesta por el guitarrista de Radiohead, Jonny Greenwood, no es la música incidental típica , lejos de eso. Es una obra que más resonancias tiene con Luciano Berio o Gyorgy Ligeti (dos compositores admirados por Kubrick) , y que vive en total armonía con el Concierto para Violín de Brahms que juega el rol de leitmotiv.

En materia de actores. Daniel Day-Lewis y Paul Dano son verdaderos creadores de sus personajes. A tal nivel que sentimos que están poseídos por sus interpretaciones. Sólo escuchando la voz forzada de Day-Lewis, que trabajó por meses y meses, dando elementos para una actuación que sostiene el film de manera brutal, o a Paul Dano poseído por la locura religiosa, son momentos de gran fuerza, que bien meritan premios de la Academia, Palmas de Oro, Leones, Osos, Leopardos o lo que sea.

Pero sobre todo decir que a “ There Will be Blood” le falta una historia es algo que no puede dejarse pasar de manera impune. Y no por respeto a Upton Sinclair, sino porque es exactamente eso donde radica su valor. Esta obra capital nos presenta una historia compleja y única en su puesta en escena, depurada, de extraña simpleza, pero con una profundida tan evidente como uno de esos pozos petroleros construidos a punta de picana, sangre y sudor.

Ambas se merecen nuestro total aprecio. Si no es hoy, lo sera mañana.

NL

Mirageman

2008-03-26T11:48:00.008-03:00

"Mirageman"
Director: Ernesto Díaz
Guión: Ernesto Díaz
Elenco: Marko Zaror, María Elena Swett, Ariel Mateluna, Mauricio Pesutic, Ivan Jara
Chile, 2008

Cuando existe la obsesión de por medio, ésta casi siempre funciona como una capa protectora que nubla la objetividad. Muchas veces la encontramos ligada a temas sentimentales y debido a esto no nos debe asombrar que las artes marciales fomenten cierta "obsesión" ya que incluso su devoción se acerca al área religiosa y por ende al sentimentalismo. La fanaticada que se formó antes del estreno de "Mirageman" dispuso a la película en una situación bastante favorable que bien podría salir airosa de la crítica. Los cientos de "villanos" que a través de la web enviaron sus propias representaciones de peleas - grabadas en algunos casos hasta con simples celulares -, fueron creando una especie de movimiento que respaldaba cualquier acto del nuevo superheroe nacional. De hecho el argumento de la película daba para especular ya que los cortos publicitarios que la promocionaban lograban producir risas en un nivel poco común. Y así fue. Los diarios locales la catalogaron de "excelente", asignándole el mayor puntaje posible, siguiendo la clasificación subjetiva de sus fanáticos. ¿Pero que hay de real en estas posturas críticas? ¿En qué magnitud se podrían equivocar?... El engaño es evidente y se deja en claro que nadie se puede guiar por la opinión de otro y menos si es crítico de "La Segunda" o de "La Tercera".

"La tercera es la vencida" imprimía un diario local aludiendo al tercer rol de María Elena Swett en la pantalla grande en esta última entrega del director de "Kiltro" (2006). Ella, respondiendo a los medios periodísticos, resaltaba que "Mirageman" cambiaría el cine chileno. ¿Lo cambiaría en qué sentido? Definitivamente Swett es una de las actrices más sobrevaloradas del medio nacional. Sin ningún "angel" y desarrollando un papel de diva que aún no logra del todo, la actriz desentona el rumbo de la película haciéndola caer en un abismo sin fondo con sus personificaciones que no se las cree ni el ser más ingenuo. Sin embargo, no es todo culpa de ella. El guión, con diálogos que no merecen ninguna atención, avanza a tropezones por una línea argumental difusa que por momentos permite ver una luz de esperanza que impide al espectador pararse de su asiento e invertir su tiempo en algo mejor.

Esa luz de esperanza tiene que ver con la creatividad de realizar un superheroe común y corriente, que acude a las emergencias en locomoción colectiva y que no cuenta con un traje de última generación. En ese contexto la película logra sostenerse, ya que es bastante valorable la crítica social que representa a la sociedad boicoteadora de lo "bueno", de lo "noble" y de lo "generoso", pensando en que todo es un engaño en donde se esconde la inevitable arma de doble filo. Sin embargo, una película no se crea en base a una idea ya que contiene diversos otros factores que la forman. Y es aquí donde la segunda película de Ernesto Díaz se muestra débil en casi todas sus caras: con actuaciones que bordean lo infantil (exceptuando a Ariel Mateluna), con secuencias de planos monótonos que incitan a mirar el reloj, con peleas que no muestran una gran diferenciación y con un guión que invita a buscar explicaciones en donde no las hay.

El tono humorístico de "Mirageman" no se logra consolidar debido a las pinceladas dramáticas - irreales - que confunden los estados de ánimo del espectador. Sin embargo, la nota alta de toda la película la personifica Ivan Jara con el rol de Pseudo Robin. Con una caracterización peculiar que llama a la risa, este personaje secundario se roba la película - ya lo había adelantado en la sinopsis - opacando la trama y dejando en claro que "Mirageman" definitivamente no cambiará "para mejor" el cine chileno. ¿En qué pensaban los críticos "especializados" cuando la calificaron? Me gustaría conocer su opinión...

Calificación: 1/7

Trailer de "Mirageman"

No country for old men

2008-03-18T18:37:00.006-03:00

"No country for old men"
Director: Joel Coen y Ethan Coen
Guión: Joel Coen y Ethan Coen
Elenco: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Kelly Macdonald, Woody Harrelson
USA, 2007

Que una película gane el Oscar no necesariamente se debe calificar como "buena". Existen diferentes ejemplos de esto a lo largo de la historia. Tampoco se debe calificar a la película ganadora de la estatuilla como la mejor película de ese año ya que en diversas ocasiones es justamente otra, para la gran mayoría de las personas, como la acreedora de ese honor. Ni siquiera como la mejor de las nominadas al cetro ya que en 1991 "Goodfellas" sin lugar a dudas era mejor que "Danza con Lobos", en 1977 "Taxi Driver" era mejor que "Rocky" o en 1942 "Ciudadano Kane" - catalogada por muchos como la mejor película de la historia - era mejor que "¡Que verde era mi valle!".

Este año, "No country for old men" - traducida incorrectamente como "Sin lugar para los débiles" - se adjudicó el máximo galardón del cine estadounidense (no por esto el más importante del orbe) superando a obras que en un enmarcado general pudiesen haber sido superiores. Sin embargo, no por esto la película pasa a ser otra más del montón ya que "No country for old men" será recordada a lo largo del tiempo como aquella película que situó a Javier Bardem en lo alto del olimpo personificando a un sicópata que decidía la vida de las personas "amigables" con el lanzamiento de una moneda (a las "no amigables" no les daba oportunidad) involucrado en un guión potente típico de los hermanos de Minneapolis.

Joel y Ethan Coen se encargan de la dirección y del armado de esta película que muestra la delgada línea que separa lo compasivo de lo brutal y en donde un indiferente - y a la vez colosal - Javier Bardem desencadena una persecución demencial que arroja varias víctimas entre los que se incluyen aquellos espectadores no tolerantes a este tipo de situaciones. El tema del dinero y la poca importancia de la vida humana juegan roles sobre un campo minado que mantiene en vilo a la audiencia por largos minutos y en donde al final el aparato explosivo estalla sin dejar heridos graves, sino que varios confundidos.

Por momentos, el relato se pierde en metáforas de difícil digestión que empañan la línea argumental, sin embargo estos cortes que posiblemente descolocan a cualquiera son compensados por un material rico en escenarios en que la fotografía toca las emociones más profundas como sólo Roger Deakins lo sabe hacer. Deakins es parte de la familia cinematográfica que componen los Coen debido a que los ha acompañado en su periplo fílmico desde "Barton Fink" (1991). Además de Deakins, en la familia cinematográfica se encuentra Carter Burwell quien nació como compositor de películas el mismo día en que Joel y Ethan nacieron como directores - con "Blood Simple" (1984) -. Este cuarteto forma uno de los mejores equipos relacionados con la creación dentro de la industria norteamericana actual ya que por un lado está la genialidad y creatividad de los Coen que son capaces de plasmar un guión potente, y por el otro está la capacidad de captar el mejor ángulo a través del ojo de Deakins, además de la composición del oído de Burwell que otorga la calidez necesaria para balancear la "frialdad" del argumento propio de los creadores de "Fargo" (1996). Si por estos motivos no es necesario apreciar su obra, entonces ¿de qué depende?

Calificación: 6/7

Trailer de "No country for old men"

Pronto...

2008-03-15T06:39:00.002-03:00

Petróleo Sangriento

2008-02-17T14:41:00.007-03:00

"Petróleo Sangriento"
Título Original: There Will be Blood
Director: Paul Thomas Anderson
Guión: Paul Thomas Anderson y Upton Sinclair
Elenco: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, Kevin J.O'Connor, Ciarán Hinds

Upton Sinclair, escritor de la novela de donde se basa "Petróleo Sangriento", sedujo a directores de la talla de Victor Fleming ("El Mago de Oz" y "Lo que el viento se llevó" ambas de 1939) a mediados del siglo pasado. Casi un siglo después, es el joven director Paul Thomas Anderson quien embelesado frente a la obra de Sinclair lleva a la pantalla uno de los relatos más íntimos sobre el poder del oro negro en la norteamerica de comienzos del siglo XX. El argumento centrado en torno a la transformación del ser humano es sencillo y a la vez potente, en donde Anderson reafirma que su capacidad sigue intacta para contar historias pausadas, con detalles sutiles, diferenciándose de lo usual.

El director y guionista de "Boogie Nights" (1997) y "Magnolia" (1999) logró que Daniel Day-Lewis ejerciera el rol protagónico de su cinta, deleite que pocos directores han conseguido. Y cito la palabra "deleite" porque a mi parecer Daniel Day-Lewis está dentro de los cinco mejores actores contemporáneos, tal como lo propone Martin Scorsese al considerarlo en algunas de sus películas - "La edad de la inocencia" (1993) y "Pandillas de Nueva York" (2002) - luego de notar el tremendo talento que ese joven irlandés desplegaba en "Mi pie izquierdo" (1989) y en "En el nombre del padre" (1993), ambas dirigidas por Jim Sheridan. Sin embargo, Day-Lewis a pesar de su don innato no es un actor que se haya vendido fácil a la industria (como el caso de Robert De Niro) sino que ha elegido "con pinzas" las películas para sus personificaciones. Hay que tener en cuenta que desde "Mi pie izquierdo" - película que lo catapultó al éxito - Daniel Day-Lewis ha actuado en sólo 8 películas lo que corrobora su decisión de trabajar en roles que valgan la pena.

Con esa música incidental típica de las películas de Anderson, "Petróleo Sangriento" muestra la historia de Daniel Plainview, magnate petrolero quien luego de diez minutos de cinta se presenta ante sus clientes (léase como los potenciales inversionistas de petróleo y como los espectadores de la sala de cine). Desde el inicio, la película se nota diferente al retratar sin diálogo alguno la cruda vida del minero. Las posiciones de cámara llaman la atención entrometiéndose en los más oscuros niveles de emoción que irradian los personajes, logrando compartir con ellos la angustia del lugar y la difícil misión que se proponen.

La fotografía de la cinta es sin duda especial como también lo es su área artística. Escenas de la época abundan y la contraposición entre los obreros y empresarios muestra las diferencias que aún persisten un siglo después. La imagen de la picota identifica al obrero tenaz, buscador incesante de la fortuna formadora de cimientos sociales y emocionales. Sin embargo, la película tiene la facultad de invertir las situaciones, ubicando a la picota en un rol diferente: hechicera capaz de ocultar los rasgos que delatan la transformación del ser humano.

Si bien Daniel Day-Lewis realiza un papel que seguramente le otorgará su segundo Oscar, la película no puede estar sustentada en él. "Petróleo Sangriento" posee la calidad de las películas de Paul Thomas Anderson, la sutileza de sus escenas bien formadas, los ritmos pausados y armónicos al compás de la música ligera. Sin embargo, a "Petróleo Sangriento" le falta una historia capaz de embelasar al público masivo, llegando al espectador - a su ser interno - por varias aristas, atacándolo sin tapujos de manera que no escape ante la imponente fuerza del argumento. No todos somos Anderson o Fleming y Upton Sinclair lo tenía claro desde un comienzo...

Calificación: 6/7

Trailer de "Petroleo Sangriento"

Cloverfield

2008-02-13T11:09:00.007-03:00

"Cloverfield"
Director: Matt Reeves
Guión: Drew Goddard
Elenco: Michael Stahl-David, Jessica Lucas, Odette Yustman, Lizzy Caplan, T.J.Miller
USA, 2008

El riesgo que corre una película es bastante grande si se centra tan solo en el impacto general que puedan ocasionar sus escenas de destrucción masiva. La estrategia de J.J.Abrams ya es bien conocida por los seguidores de su serie "Lost" y es que crear eventos inéditos originados por situaciones desconocidas es la fórmula de su éxito. En "Cloverfield" el trato no es distinto, junto a Drew Goddard - otro personaje vinculado a la exitosa serie de la isla perdida - Abrams crea una historia que no llama demasiado la atención ya que su plus no está en la originalidad, sino que en la forma de contar la historia.

Abrams, productor de la cinta y gestor del proyecto, recurre a la cámara en mano para otorgarle credibilidad a la cinta. Si bien esto le proporciona una característica especial a la película dirigida por Matt Reeves recordando en forma especial la idea de "The Blair Witch Project" (1999), no es apta para el público propenso a marearse. Al comienzo la idea cae de buena manera encontrándola original, sin embargo a medida que el tiempo avanza la monotonía de la mala imagen comienza a desagradar dejando que esta "originalidad" pase al último plano de importancia.

Sin duda que el principal objetivo de la película es desplegar en pantalla el poder del lenguaje cinematográfrico a través de efectos visuales capaces de crear fantasías impensadas. Abrams aún es capaz de sorprender a la audiencia con esos "monstruos" misteriosos que al parecer el único motivo de sus actos es la destrucción del entorno, sin embargo esta estrategia puede ser interesante para aquellos que no conocen su trayectoria ya que los seguidores de sus anteriores ideas están acostumbrados a su lenguaje y por lo tanto son inmunes a sus "sorpresas".

Nueva York es la devastada (¿sorpresa?), el objetivo de los seres malignos es acabar con todo lo que se atraviese (¿más sorpresas?) y el protagonista necesita salvar a su mujer amada de la muerte segura (¿con esto sí que los sorprendí?)... En realidad todo es obvio, pero lo interesante del film es ver la capacidad del equipo técnico y creativo para formar una película basada en los clásicos videos caseros. Por momentos las proporciones se desmoronan, salvando a los insalvables o creando situaciones absurdas, pero lo notable es que siguen con la característica esencial del joven que graba todo lo ocurrido: es un completo imbécil. ¿O acaso ustedes grabarían todo para documentarlo?

Calificación: 3/7

Trailer de "Cloverfield"

Soy Leyenda

2008-01-31T23:29:00.004-03:00

"Soy Leyenda"
Título Original: I am Legend
Director: Francis Lawrence
Guión: Akiva Goldsman y Mark Protosevich
Elenco: Will Smith, Alice Braga, Charlie Tahan, Salli Richardson, Willow Smith
USA, 2007

A Francis Lawrence, quien se inició en el mundo audiovisual dirigiendo video clips de figuras pop como Britney Spears o Jennifer Lopez, se le presentó la oportunidad de dirigir “Soy Leyenda” (2007), film de ficción en donde gran parte del crew pertenece a los departamentos de efectos visuales y especiales. Si bien hace un par de años el director de origen austriaco dirigió "Constantine" (2005) la cual también contiene escenas cargadas de fantasía, esta nueva propuesta posee un nuevo desafío: elaborar la idea de un guionista ya reconocido. La participación de Akiva Goldsman en la creación del guión es sin duda una de las ventajas que tiene el film. Goldsman - guionista de películas como “Una Mente Brillante” (2001) o “El Código Da Vinci” (2006) - arma la historia, basada en el libro de Richard Matheson, con un enfoque bastante audaz que por momentos atrapa al espectador intimidándolo con el futuro incierto del protagonista. Sin embargo, esta expectación culmina cuando la película cambia al rumbo esperado en donde la trama pasa a ser uno más de esos falsos argumentos que en películas de este estilo no caen de la mejor manera.

Will Smith desde hace un tiempo ha mejorado ostensiblemente sus primeros roles en la pantalla grande convirtiéndose así en un actor capaz de generar una personificación humana que encaja perfectamente con las sensaciones emitidas durante la proyección de la propia cinta. Si bien aun no es un actor que se desmarque de sus inicios - inevitable es recordar sus lamentables actuaciones en "Independence Day" (1996) o "Wild Wild West" (1999) en donde su sola aparición costaba credibilidad a la cinta - desde "The Pursuit of Happyness" (2006) ha escalado a otro nivel en el cual ya es posible definirlo con otro estilo. En "Soy Leyenda" Smith logra llevar el argumento por un caudal complejo en donde su relación con la perra Sam es más humana de lo que se podría imaginar demostrando el inmenso poder que la relación afectiva tiene transformandose en el principal pilar que sostiene la esperanza de un futuro mejor.

Si bien la cinta decae en su argumento cuando ocurre el giro "inesperado", es loable que la película atrape a la audiencia mediante escenas impactantes de un Nueva York vacío y un suspenso que por momentos mantiene inquieto hasta al más relajado. A pesar de que el objetivo de la película es la mera entretención y no abarca más allá de un razonamiento ligero sobre el poder de la relación afectiva, el balance final de la cinta no es negativo (aunque tampoco es positivo). Sin embargo, hay que tener claro que lo que se recordará es que nuevamente los gringos centran al planeta en Nueva York, que los seres infectados siguen siendo malignos y que Will Smith es el encargado de convertirse en leyenda para salvar a la humanidad...

¿Alguien recordará que la perra Sam era el único sustento que mantenía a Robert Neville luchando? Trabajar las relaciones afectivas es primordial para un argumento sólido. Esta película pudo haber sido un claro ejemplo de que el ser humano es por naturaleza "sociable" y es por eso que sigo creyendo que el enfoque dado por Lawrence y Goldsman fue errado...

Calificación: 3/7

Trailer de "Soy Leyenda"

La mejor película del 2007

2007-12-30T20:51:00.003-03:00

Quiero que opinen ustedes...

A su parecer,

¿Cuál fue la mejor película de este año?

¡Participen!

Sección Comerciales: Dove

2007-12-25T21:20:00.000-03:00

Imperio

2007-12-22T16:35:00.003-03:00

"Imperio"
Título Original: Inland Empire
Director: David Lynch
Guión: David Lynch
Elenco: Laura Dern, Jeremy Irons, Peter J. Lucas, Harry Dean Stanton, Justin Theroux
USA/Francia/Polonia, 2006

Advertencias son las que se deberían desplegar en este primer párrafo. Advertencias no relacionadas a la mala calidad de la cinta - ya que está muy lejos de ser mala - sino que desarrolladas para que el espectador esté preparado antes de degustar una nueva visión de David Lynch. Si la persona que visualizará la cinta no conoce el trabajo del director norteamericano, sin duda que se llevará una sorpresa al notar que la película está fuera de los estándares clásicos a los cuales se está acostumbrado. Ahora bien, si ya se conoce el trabajo previo del director de "El Hombre Elefante" (1980), "Terciopelo Azul" (1986) y "Carretera Perdida" (1997), quizás "Imperio" no le impacte en demasía, pero sin lugar a dudas que le moverá el piso tal como Lynch lo sabe hacer.

Últimamente pocas películas han logrado desencajar en tal proporción a sus asistentes como "Imperio" lo ha hecho. Tal revuelo ha causado en el mundo entero, que diversas revistas y suplementos le han dedicado algunas palabras con el fin de decantar sus propias apreciaciones cinematográficas. Esa cualidad es tremendamente valorable en una película: que el espectador deba razonar más allá del tiempo de proyección para poder comprender lo que el director le propuso. De hecho, es bueno asistir acompañado al cine - especialmente en esta película - ya que de esta forma se pueden discutir posteriormente las distintas apreciaciones que cada uno tuvo en las diversas secuencias mostradas. Ejemplo de esto son las distintas explicaciones que he escuchado a raíz de la escena de los conejos (véase la fotografía).

David Lynch no plasma en la pantalla una historia lineal que sea fácil de asimilar y en que el cerebro del espectador cumpla el típico rol de recibir la información, sino que muestra la historia de una actriz (Laura Dern) que se sumerge en la decadencia hollywoodense a la cual el propio Lynch le tiene un inmenso rechazo. Esta historia, que en el papel es complicada de captar en su totalidad y en la que nuestro cerebro se debe esforzar mucho más de lo común para poder recibir la idea conceptual, posee rasgos muy interesantes que demuestran la vigencia de su director, pero que cae en el típico problema temporal jugando con el límite de lo soportable. De hecho, uno de los trabajos más difíciles de lograr en esta cinta es el de la edición, el cual - al parecer - carece de una línea argumental concreta reconocible por todos sus espectadores. ¿O alguien puede decirme paso a paso como se desarrolla la historia?

Pero "Imperio" contiene la consecuencia de su director que emociona. Agobiado por el "glamour falso" con que cada vez más se envuelve el ambiente cinematográfico, David Lynch protesta en su estilo al grabar su película en digital desechando la mística del celuloide. Y esa decadencia del "glamour" se ve reflejada tanto en la historia de su protagonista, como en la textura de la cinta que por momentos se ve opaca, desenfocada, ausente de esa majestuosidad fotográfica que mostraba Lynch en "Una Historia Sencilla" (1999). Sin duda que "Imperio" no pasará desapercibida por las salas de cine, poniendo en el tapete el camino absurdo que ha tomado la industria hoy en día, en donde el brillo ostentoso oculta la realidad mísera reflejada tan bien por Lynch al final de su obra con los homeless de Hollywood Boulevard.

Calificación: 5/7

Trailer de "Imperio"

Leones por Corderos

2007-12-08T12:10:00.003-03:00

"Leones por Corderos"
Título Original: Lions for Lambs
Director: Robert Redford
Guión: Matthew Michael Carnahan
Elenco: Robert Redford, Meryl Streep, Tom Cruise, Michael Peña, Andrew Garfield, Peter Berg
USA, 2007

No es sorpresa que Peter Berg, quién desempeña un pequeño papel dentro los que pocos que tiene "Leones por Corderos", se haya asociado con el guionista de la misma Matthew Michael Carnahan para dirigir "The Kingdom" (2007) el mismo año en que se gestó la última película de Robert Redford. Y digo que no es sorpresa porque muchos directores les interesará trabajar en el futuro con este joven guionista quién como primera incursión en el séptimo arte hizo esta película protagonizada por su mismo director en la cual ha relucido una buena faceta crítica que no deja indiferente al espectador levantando su nombre a lo más alto de la industria actual.

Para algunos quizás les resulte extraño ver el nombre de Redford en el rol de director ya que se ha desempeñado pocas veces en ese papel contrastando con su larga trayectoria actoral. Sin embargo, realizando esa labor ha recibido bastantes elogios desde su primera incursión en 1980 llamada "Ordinary People" - con la cual ganó el Oscar a Mejor Director - y en esta última no es menor su trabajo. Con sutileza la película se basa en sólo tres puestas en escena que mediante cortes precisos se trasladan de lugar físico ligadas por un tema en común. Y es precisamente ese tema el que hace que "Leones por Corderos" no sea una película pasajera sino que es más bien una película incisiva que puede calar bien hondo en el espectador si éste ha meditado anteriormente sobre lo que el film propone.

Lo notable de la propuesta es que la película no requiere una parafernalia excesiva en que los efectos especiales y la ambición visual a la que puede llegar su equipo realizador opaquen la esencia del argumento. De hecho la obra podría ser representada en una obra de teatro de buena forma ya que el recurso escenográfico no es difícil de representar. Lo particular de la cinta es que el juego de escasos escenarios y la poca cantidad de personajes se contrapone con el poderío del argumento el cual se basa en conversaciones y diálogos que le otorgan el peso necesario para que la obra sea valorable. Por eso que nuevamente se corrobora lo que siempre he dicho: el guión es la base fundamental de una buena película.

¿Qué hemos hecho en nuestras vidas? ¿Estamos conformes con lo realizado? ¿Queremos seguir viendo la televisión de farándula, echados en nuestro sillón, mientras otros están sufriendo sin recibir ayuda? Quizás debemos replantearnos nuestro estilo de vida y pararnos del sillón para cambiar las cosas. ¡Debemos dejar de ser pasivos!... La forma en cómo "Leones por Corderos" realiza esta critica - centrándose en el gobierno norteamericano, pero abarcando más allá - hace que sus espectadores se cuestiones esas aseveraciones... Si una película logra eso, no puede ser calificada como "mala".

Calificación: 5/7

Trailer de "Leones por Corderos"

Lo mejor de nuestras vidas

2007-12-03T17:53:00.002-03:00

"Lo mejor de nuestras vidas"
Título Original: Fauteuils d'orchestre
Director: Danièle Thompson
Guión: Danièle Thompson y Christopher Thompson
Elenco: Cécile de France, Valérie Lemercier, Albert Dupontel, Laura Morante, Claude Brasseur, Christopher Thompson, Sydney Pollack
Francia, 2006

Difícil es para Cécile de France haber imaginado hace algunos años que su nombre aparecería en los afiches promocionales de los cines chilenos. Más aún si en menos de dos meses dos de sus cuatro películas que filmó el 2006 atracaron en sudamérica. Pero el tema de interés no es ese. Sino que gracias a que la mirada de las distribuidoras cinematográficas se han concentrado en el viejo continente, hemos podido disfrutar de películas tan diferentes a lo que se está acostumbrado a ver debido al imponente y monótono "aporte" que hace Hollywood. "Lo mejor de nuestras vidas" es una película cargada de aportes que esperan al espectador para que éste los recoja, de manera que el film no se deja atrapar por la categoría de "película pasajera" la cual está tan de moda últimamente.

Si bien es la tercera película en que Danièle Thompson cumple el rol de directora, es una más de la larga lista de películas en que esta mujer ligada al cine por diversos lados - su padre fue director, su madre actriz y sus hijos han seguido la misma línea - ha cumplido el papel de guionista. Como lo ha hecho con sus anteriores trabajos, Thompson junto a su hijo escriben esta historia, en la cual destaca el desarrollo de cada uno de los personajes. La perfección es tan notable en este sentido que a cada uno de los diversos personajes se les puede conocer las razones de sus actos a medida que se avanza en el argumento. Y eso es dificil de lograr si se llega a una cantidad de personajes como los que posee "Lo mejor de nuestras vidas".

Sus tres historias paralelas que por momentos se entrelazan de una manera bastante sútil sin cargar en un esfuerzo inútil como lo hizo Iñárritu en "Babel" (2006), poseen personajes que ejercen el soporte necesario para que la película se sustente sin recurrir a otras artimañas que podrían desviar la atención del espectador. Por un lado está el lío sentimental que lleva a cuestas el hombre que "remata su vida", por el otro está el valor humano que siente la actriz dentro de su "propia" obra o el pianista aquejado de la rutina aristocrática con que se lleva la música clásica en la actualidad. Sin embargo, cada una de las historias no se concentra sólo eso y es lo que transforma a la película de Thompson en algo que va más allá de lo usual. Cada argumento posee las ramas necesarias que le dan la luz a la historia de manera que pueda seguir viviendo dentro del espectador. Cada una de ellas posee una columna vertebral que les da la forma, pero la película necesita un cuerpo para avanzar y éste requiere varias aristas más para formarse. La ventaja que tiene "Lo mejor de nuestras vidas" es que estas aristas se construyen dentro de cada relato.

El guión es la base de un gran film. Dentro de él se juega con los recursos técnicos que construye el director para representarlo en la pantalla. El comienzo con planos rápidos que se presentan como una puerta de temporalidad para que el espectador se sitúe en la secuencia de la película, se repiten al final de manera que se pueda volver a "nuestro tiempo". Y esto es sólo un ejemplo de la mirada que posee Danièle Thompson en su dirección, que si bien no destaca con un manejo espectacular dentro de todas sus líneas, sí lo hace por momentos como el plano final en el café con la estatua de Brancusi o la mirada parisina que siempre deleita.

Calificación: 4/5

Trailer de "Lo mejor de nuestras vidas"

Promesas del Este

2007-11-28T20:00:00.001-03:00

"Promesas del Este"
Título Original: Eastern Promises
Director: David Cronenberg
Guión: Steven Knight
Elenco: Viggo Mortensen, Armin Mueller-Stahl, Vincent Cassel, Naomi Watts
UK/USA, 2007

Noticias

2007-11-28T19:25:00.002-03:00

Siempre con el ánimo de innovar, este blog publicará...

críticas en audio.

¿Cómo así?

Por una parte se podrá escuchar la crítica relatada por los responsables de este blog y a su vez se podrán degustar parte de los diálogos que la película posee como también su música.

Si lo han notado, desde hace algún tiempo este blog posee un colaborador. Nicolás Lasnibat, mi hermano radicado en París, también publicará críticas de cine desde su perspectiva. Así el blog poseerá la ventaja de no enmarcarse solamente en lo que se presenta a nivel sudamericano, sino que también tendrá acceso a otros films que por "esas cosas de la vida" demoran en llegar - o simplemente no llegan - a estas latitudes.

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Cassandra's Dream

2007-11-22T10:24:00.001-03:00

“Cassandra’s Dream”
(Inglaterra, Francia, EEUU. 2007)
Director y guionista: Woody Allen
Director de la Foto: Vilmos Zsigmond
Musica: Philip Glass
Montajista: Alisa Lepselter
Intérpretes : Ewan McGregor, Colin Farrell
Hayley Atwell, John Benfield, Jim Carter
Philip Davis, Sally Hawkins

El último film de Woody Allen viene a confirmar todo lo que he dicho de él a diestra y siniestra luego del estreno de « Match Point » hace un par de años: El gran Woody está de vuelta.

Para hacerlo breve, diré que “Cassandra’s Dream” es una película bien escrita, dirigida con flojera y con una gran sorpresa actoral.

Bien escrita, porque cada uno de sus vericuetos narrativos son delicados, bien pensados, con un final algo perezoso pero que está bien si no nos ponemos demasiado exigentes.

Su flojera en la puesta en escena recae en que Woody ha hecho un film efectivo, divertido (aunque sea un thriller, totalmente sombrío y un dramón al mismo tiempo) sin preocuparse de hacer pasar las emociones a través de sus imagenes por encima de sus palabras. « Match Point » tenía eso, y eso le daba el carácter de obra mayor : inolvidable el primer plano con la pelota de tenis que cae del lado equivocado.

Sin embargo, me quiero detener en alguien a quien siempre había subestimado y que en « Casandra’s Dream » juega un rol magnífico. Las chicas pueden gritar ahora, su nombre : Colin Farrell.

Luego de su paso por los terrenos de « Miami Vice », « Alexander », « SWAT », « Daredevil » y algunas joyitas dispersas como « El nuevo mundo » de Terrence Malick o « The War Zone » de Tim Roth, Farrell era un actorcillo que valía millones de dólares, y que estaba condenado a quedarse en el montón. Sin embargo, el mismo Woody lo dice, para cada actor es un honor actuar en “una de Woody Allen”. Y aquí no sólo es eso.

En este film Farrell hace un rol que va contra su imagen de chico bonito, dejando la puerta abierta a un papel donde se ve gordo, feo, mal afeitado, con las uñas negras (su personaje es el de un mecánico), jugador, bebedor, mitad drogadicto, idiota, obsesivo, depresivo... las tiene todas. Su contraste es un Ewan McGregor limpiecito, inteligente, con una bonita polola, que maneja su personaje al dedillo sin arriesgarse más de la cuenta. Ambos, más bien todos en la película, esconden un secreto negro como las hormigas. Sin embargo, Farrell es capaz de transportarnos al terreno de lo insondable, donde el riesgo de su actuación se siente en cada fotograma. Su trabajo brilla en medio de lo ya conocido.

Cosa aparte es la partitura de Philip Glass, maestro de minimalismo, quien colabora por la primera vez con Woody Allen. Su magnifica banda sonora se hace utilitaria por ser (en ciertas ocasiones) un mero apoyo de situaciones, pero es un deleite escucharla a pesar que venga en los momentos donde el cliché grita “presente”.

Releyendo lo que he escrito, parece que destruyo a Woody, pero no. El oficio del cineasta se nota a cada momento y “Cassandra’s Dream” es una mirada actual de viejos mitos griegos que aun deleitan a la gente. Woody Allen nos cuestiona sobre el rol de la familia, de la honestidad, del amor, de la culpa y de la perdición en un mundo cada vez mas podrido. Y nos presenta una película entretenida, inteligente, profunda, como solo Woody podría hacer.

NL (Paris).

El Tiempo

2007-11-17T13:37:00.001-03:00

"El Tiempo"
Título Original: Shi Gan
Director: Ki-duk Kim
Guión: Ki-duk Kim
Elenco: Jung-woo Ha, Ji-Yeon Park, Ji-heon Kim, Sung-min Kim
Corea del Sur, 2006

Este director coreano se instaló en la referencia mundial del cine oriental. Hace 4 años, cuando "Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y Primavera" (2003) salió a la luz, las distribuidoras cinematográficas vieron que la idea de Ki-duk Kim podía ser considerada para la mirada occidental. Aplaudible decisión - en sentido irónico - que se hayan dado cuenta que vivimos en el mismo planeta por lo que es necesario conocer las posturas de todos los habitantes del orbe. Sin embargo, el riesgo de que las distribuidoras perdiesen dinero era bastante grande ya que la sociedad occidental, acostumbrada a películas basadas en la entretención, quizás no toleraría el relato pausado e imaginativo del creador coreano. Y de hecho esto ocurrió en gran parte de las personas. Sin ser capaces de analizar la profunda entrega del realizador, compararon la película con sus referentes hollywoodenses que difícilmente logran ese tratamiento oriental que las transforma en lo que son.

Pero la crítica se sobrecogió con la puesta en escena de Kim por lo que esperó con ansias su próximo trabajo. Al año siguiente el Festival de Venecia se puso de pie ante la tremenda "Hierro 3" (2004) para que meses más tarde Berlín lo distinguiera con "Samaritan Girl" (2004). Sólo faltaba Cannes para que los festivales clase A se pusieran a las órdenes del director oriental y fue con su útima película que llegó a esa instancia. El éxito de Ki-duk Kim iba en aumento llevando las expectativas de sus próximos trabajos a lo más alto de la cúspide. Es quizás eso lo que hace que "El Tiempo" se caiga del pedestal, siendo que a pesar de que la película está filmada de una forma muy por sobre lo aceptable, no genera un argumento que sorprenda haciendo que la película sea obvia desde sus inicios.

Las actuaciones son significativas y representan una de las mejores cartas de presentación de la penúltima película de Kim (su última película "Breath" (2007) fue presentada en Cannes este año). Jung-woo Ha hace un papel bastante dinámico logrando que sus reacciones calmadas propias de sus origenes, se contrapongan con las vivencias extremas a las que está sometido. Ji-Yeon Park por su parte logra que el espectador de la cinta critique sus actos desarrollando una empatía especial con su personaje que por momentos es odiado por la multitud. Moviéndose por sitios y planos creados por una dirección de fotografía notable - inolvidable la escultura de las manos -, los personajes crean una historia que en un principio parece inusual a pesar de ser un tema bastante divulgado. Pero lo criticable de la cinta es que el camino recorrido llega a un destino que desde el primer tercio de la historia es conocido haciendo que la cinta posea escenas innecesarias dilatando el final más allá de lo tolerable.

Si bien la escena final es una crítica bastante loable a esa sociedad que cree en la existencia de la perfección, inmersa en el círculo vicioso de la belleza estúpida lograda a través de las cirugías, esto no logra compensar que el espectador esté dispuesto a mirar su reloj para analizar lo que tiene que hacer después de salir del cine. Quizás sea una apreciación demasiado personal y no todos intuyan el destino de la trama, pero no hay que ser muy suspicaz para darse de cuenta de ello. ¿O es que tampoco se dieron cuenta de que un colombiano fue citado dentro de la cinta?

Nota: 5,4

Trailer de "El Tiempo"

Para mi amigo Sergio

2007-11-14T07:10:00.004-03:00

Tomás me ha propuesto escribir algo sobre Sergio Salinas.

Sergio fue un amigo y colaborador cercano. Juntos tuvimos una página de crítica de cine en el diario « La Estrella » de Valparaíso años antes que surgieran los blogs de cine, eMule y la nueva camada de críticos nutridos gracias a la globalización e internet. En ella dimos rienda suelta a nuestra aguda mirada sobre el cine actual y valoramos algunas pocas joyas que nos presentaba la cartelera nacional.

Nuestra colaboración de dos años, se convirtió en una fuerte amistad cinéfila que se enriqueció posteriormente en largas conversaciones tras la pantalla del Cine Arte Normandie en calle Tarapacá, las que seguían en boliches cercanos y se remataban en ciclos de cine de institutos binacionales. Parte de esas críticas, fueron publicadas posteriormente en los folletos del Normandie donde también colaboraban Orlando Walter Muñoz, Juan Ignacio Córces y la mítica Pauline Brion. De todos ellos Sergio, era una mezcla de cinépata crónico con monje cinéfilo como uno cruza pocos en el mundo. Amante del cine europeo, nunca conoció el viejo continente salvo por las películas que veía una y otra vez hasta la saciedad. Tanto así, que a ojos cerrados podía dibujar un plano de París sin haber pisado sus calles.

La última vez que nos vimos fue el 2005 en el « Bavaria » de Paseo Bulnes, durante la filmación de mi último cortometraje "Treinta Años"que representó a Chile en el Festival de Cine de Venecia. Luego nos escribimos esporádica pero contundentemente. En la última carta que recibí de él, me hablaba con admiración de mi trabajo. Algo que me llenó de orgullo ya que ambos enjuiciábamos todas las cintas que pasaban frente a nuestros ojos y era hora de hacer lo mismo con la mía. Su elogio fue mi León de Oro.

Yo lo invité a París para ir a visitar el lugar donde los hermanos Lumière hicieron la primera proyección, pero nunca tuve respuesta. Lo único que lo mantenía a flote era esa constante pelea que llevaron por años junto Alex Doll por salvar al Cine Normandie de la competencia feroz de las multisalas y dar un espacio al cine como arte. Esa sala "que siempre ofreció un cine inteligente, un poco desesperadamente",como escribió José Donoso.

Lamentablemente, en vida nunca vio la puesta en marcha de un estatuto legal frente al Cine Arte que defienda salas como la suya, tal como sucede en Francia o España. Y esa pelea duró demasiado, lo afectó humanamente y hace pocos meses la consideró perdida, decidiendo dejar la sociedad y reconstruirse como persona. De esta forma, en el último tiempo se reencontró con viejas amistades y pudo seguir compartiendo su amor al séptimo arte impartiendo clases de Cine Clásico en la Universidad de Chile.

Ese espíritu de entrega de un amor inmenso a un arte que no termina derenovarse, impulsó la vida de Sergio Salinas a quienes los jóvenes críticos le dedican por estos días sendos homenajes en blogs y medios electrónicos. Gracias a él, el cine Normandie ha sido un espacio dediversidad cultural, cercano a los jóvenes y abierto a todos quienes se interesen en el cine como arte y lenguaje. Mi homenaje lo hago en este medio aunque Sergio siempre defendió los formatos tradicionales: el cine en 35mm, el papel, las revistas, los folletos que pasaba horas corrigiendo y que le costaba horas de sueño para poder editar e imprimir desde las catacumbas del Cine Normandie.

Su estilo de vida bohemio, amante de la buena comida, del cigarrillo, se lo habrán llevado en su ley, demasiado pronto y ante la sorpresa de todos. Sin embargo, si existe el Paraíso, para mi amigo Sergio Salinas de seguro será como una gran pantalla donde se proyecten las mejores películas habidas y por haber. Es hora que ese paraíso llegue a tierra como Sergio soñó toda su vida.

Esa es tarea de nosotros.

París, noviembre del 2007

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