5x2

"5x2"
Director: François Ozon
Guión: François Ozon y Emmanuèle Bernheim
Elenco: Valeria Bruni Tedeschi, Stéphane Freiss, Géraldine Pailhas, Françoise Fabian
Francia, 2004

Creatividad. Esa palabra debe ir implicita en cada producción que el realizador se proponga. El manejo del tiempo que es capaz de proporcionar el cine es un arma bien conocida para la cinematografía actual. Dicho calificativo lo han manejado de manera espectacular grandes directores siendo, en muchos casos, una manera atractiva de presentar una historia mostrándola de una manera diferente, escapándose del tiempo lineal que nos presenta la realidad.

El joven realizador francés François Ozon, director de "8 femmes" y "Swimming Pool", nos entrega su penúltima producción enfocada en el ciclo de vida que desarrollan muchas relaciones amorosas. Con una creatividad y una sutileza propias de él, Ozon separa su propuesta en cinco historias que van del "conocerse" hasta la "ruptura". Su relato posee detalles que transforman a la película en una obra dinámica, sin demasiadas escenas innecesarias, con imagenes magistralmente realizadas y con unas actuaciones elegantes con las cuales más de un espectador se puede identificar.

Sin duda que la actriz principal Valeria Bruni Tedeschi resalta sobre sus compañeros. La interprete de Marion realiza un papel difícil con una sutileza digna de alabar. Ella lleva los hilos de la historia sin una preocupación que se note dejando una propuesta de realismo que permite el traspaso de emociones más allá de lo que uno está acostumbrado a recibir en una sala de cine. El resto del elenco cumple su rol de manera muy acabada, pero no destacan como lo hace la actriz italiana la cual el 2003 se aventuró en la dirección de su propia obra llamada "Il est plus facile pour un chameau...".

"5x2" es una obra que es importante tenerla presente. Es un aporte a la creatividad, a lo sutil de las relaciones humanas, a la importancia que se le debe dar al cuidado de la pareja... Los cortes de escena realizados por el director son espectaculares en algunos casos - noten los cambios de tiempo con música italiana -. Imágenes que demuestran sin palabras lo que ocurre y ocurrirá, poseen una calificación superlativa propia del cine con contenido. Y es esto lo más importante... que al dejar la sala de proyección uno no se va vacío.

Siempre los realizadores de países pequeños - y no tan pequeños - se han quejado del poco apoyo que se les da para el financiamiento de sus proyectos. ¿Es necesario una cantidad de dinero considerable para realizar obras aplaudibles? Estoy de acuerdo con que el financiamiento y el apoyo es poco. Pero hay veces que con lo mínimo se pueden realizar obras hermosas, películas para aplaudir de pie. Concentrémonos en un buen guión como lo hace François Ozon y después discutimos.

Nota: 5,9

En la Cama

"En la Cama"
Director: Matías Bize
Guión: Julio Rojas
Elenco: Blanca Lewin, Gonzalo Valenzuela
Chile, 2005

La primera película de Matías Bize se hizo popular por llevar el estandarte de la película más barata en la historia del cine chileno. "Sábado" fue filmada en tiempo real con lo cual se salía de todos los formatos y su presentación en las salas nacionales fue tan efímera como lo fue su rodaje. A Bize, al parecer, le gusta indagar en el cine novedoso aplicando técnicas que pocas veces son usadas en el mercado cinematográfico. Con su nueva propuesta llamada "En la Cama" ha encantado a una parte del público que queda embobado por la simplicidad de la propuesta. El uso de un escenario fijo y el recurso de algunos indicios de "dialogo interesante" son la base para representar el límite entre lo superficial y lo complejo que pueden llegar a ser las relaciones humanas. Sin embargo la propuesta no convence del todo, desarrollando muchas conversaciones totalmente banales que no afectan a nadie y permitiendo dejar escapar al espectador como si no hubiese visto nada.

En algunos planos se puede vislumbrar el "buen ojo" del realizador para situar la camara otorgando imagenes creativas, pero lamentablemente la elección de la historia es bastante errada. ¿Qué habrá priorizado Bize: el guión o lo novedoso de hacer una historia situada solamente en la pieza de un motel? Ya en "Sábado"(2003) trabajó junto a Julio Rojas, guionista de otras películas chilenas como "Perjudícame Cariño" o "Los Debutantes". Durante este espacio de tiempo pudieron en conjunto haber logrado algo mejor, sin embargo el resultado ya está hecho y uno queda con gusto a "aire". Rojas se destaca más en la pantalla chica que en la grande por lo que quizás su opción es seguir dedicándole espacio a la televisión realizando capítulos como "Bienvenida Realidad" o "Urgencias" que son alabables dentro de su categoría.

Esta obra no sitúa sus pilares en los roles que cumplen los actores ya que es el diálogo generado lo esencial. No hay escenas donde Blanca o Gonzalo puedan demostrar sus talentos actorales... no se les da la oportunidad. Sin embargo entre los dos destaca el papel de Daniela, interpretado por Blanca Lewin, quien genera una empatía especial debido a sus gestos y actitudes. Lamentablemente a Blanca no se le ha presentado la oportunidad de protagonizar una película de calidad. Ha interpretado diversos roles en cine entre los que se cuentan las participaciones en "Angel Negro"(2000) y "Sangre Eterna"(2002) - ambas dirigidas por Jorge Olguín - las cuales son una verdadera basura. Esta clase de películas no logran destapar el talento escondido que posee Blanca Lewin... ese talento que a ratos ve la luz en sus participaciones televisivas.

Hace menos de un mes "En la Cama" recibió la Espiga de Oro en la Semana Internacional de Cine de Valladolid- premio que han ganado maestros del séptimo arte como Tarkovsky, Visconti, Truffaut o Kurosawa- ganándole, entre otros, al espectacular François Ozon con su película "El tiempo que queda". Esto es un plus para la cinematografía chilena ya que mediante estas menciones nuestro país logra instalarse en el ojo del huracán por algunos instantes. Quizás debamos agradecerle a Bize por realizar una película que produjo tal suceso... Sin embargo ojalá que no se crea el cuento de haber realizado una obra de arte, por que sencillamente está muy lejos de serlo.

Nota: 4,6

Coffee and Cigarettes

"Coffee and Cigarettes"

Director: Jim Jarmusch
Guión: Jim Jarmusch
Elenco: Roberto Benigni, Steven Wright, Iggy Pop, Tom Waits, Cate Blanchett, Bill Murray
USA, 2003

Jarmusch es, sin duda, uno de los directores más trascendentales de los últimos tiempos. Su cine independiente lo ha llevado a la categoría de maestro de las artes audiovisuales permitiéndole realizar películas sin un fin meramente comercial. En base a la genialidad de los diálogos que se desarrollan en sus films, a la calidad de las imágenes, en base a lo que realmente importa que es la historia que se cuenta; logra atraer a ese público que a veces se siente defraudado del rumbo que está tomando el cine actual... Jarmusch permite hacer creer que aun existen los realizadores norteamericanos con sello propio, que no se han perdido entre los fajos de billetes... nos permite tener esperanzas de que el rumbo que está tomando la cinematografía estadounidense varíe.

"Coffee and Cigarettes" es la recopilación de una serie de cortos realizados desde 1987 hasta el 2002 donde el tema central son las conversaciones que se producen en torno al café y el humo de los cigarros. La única infraestructura utilizada en cada corto es la mesa donde se reunen los personajes, con tazas de café y cenicero encima, donde el espectador puede apartar los objetos tangibles y enfocar a lo esencial: el diálogo que se genera entre los personajes. Muchos de estos diálogos fueron improvisados por los actores y filmados en no más de tres tomas, imponiéndole una cuota de realismo a cada uno, por lo que se genera una plusvalía mayor.

Sin embargo de los once cortos mostrados existen algunos que destacan más que otros. Desde "Stranger to Meet you" con Roberto Benigni y Steven Wright hasta "Champagne" con William Rice y Taylor Mead podemos navegar por un mundo de historias de diversa índole con las cuales el espectador se puede identificar. Pero si a calidad nos referimos se debería nombrar a "Cousins?" la cual ejemplifica una historia que muchas veces se repite en la vida diaria, a "Delirium" donde Bill Murray muestra el por qué se ha destacado últimamente en la interpretación de la comedia-drama, a "Cousins" donde Cate Blanchett muestra su calidad interpretativa y a "Somewhere in California" donde la historia que personifican Iggy Pop y Tom Waits encanta a cualquiera.

Cada actor - no sólo tenemos actores sino también figuras musicales como The White Stripes o Iggy Pop - crean personajes con sus respectivos nombres reales lo cual entrega una cierta manera de limbo entre lo que es realidad y lo que no. Esto mantiene alerta al espectador a lo largo de la cinta interesándose más allá de lo que esta entrega provocando una intriga que puede ser incluso graciosa.

El blanco y negro permite crear una realidad desde otra perspectiva. El humo del cigarro es otro personaje dentro de la serie de cortos y gracias al contraste se le otorga más volumen. Pero Jarmusch le impone otro juego a la imagen en blanco y negro ya que utiliza objetos que tengan marcados estos colores. ¿Para qué? Para resaltarlos aún más y tornar a una imagen armoniosa agradable de visualizar. Imposible no darse cuenta de las distintas tonalidades que adquiere el café en cada historia, como también es imposible desapercibir las mesas cuadriculadas en forma de tablero de ajedrez o los sillones blanco con negro de "Cousins" donde Cate Blanchett realiza un trabajo formidable.

Jarmusch nos deja en claro el por qué pertenece a un grupo privilegiado que se escapa de la "masa". Sin duda "Coffee and Cigarettes" no es su mejor realización, pero nos demuestra que no ha perdido ese talento que lo llevó a integrar la lista de los mejores directores de los ochenta y, sin duda, de finales de siglo. No por nada Cannes lo ha reconocido en diversas ocasiones. Ahora deberemos esperar que su última película, galardonada en el citado festival, llegue a nuestro país para seguir con el deleite de su genialidad.

Como dato anecdótico citaré las diez mejores películas de los ochenta según el propio Jim Jarmusch:

Raging Bull (Martin Scorsese)

Love Streams (John Cassavetes)

On Top of the Whale (Raúl Ruiz)

Dead Ringers (David Cronenberg)

The Road Warrior (George Miller)

Toute une nuit (Chantal Akerman)

Do the Right Thing (Spike Lee)

The Hit (Stephen Frears)

The Evil Dead (Sam Raimi)

The State of Things (Wim Wenders)

¿Comparten con él?

Nota: 5,8

Sección 40's: El Gran Dictador

"El Gran Dictador"
Título Original: The Great Dictator
Director: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Elenco: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner
USA, 1940

"El Gran Dictador" danza entre el drama y la comedia de una manera magnífica. El talento para crear esa característica es propio de un hombre como Charles Chaplin. En su larga trayectoria Chaplin supo abordar el tema de la risa con gran maestría realizando obras de gran calidad e implementando un humor que hasta el día de hoy es seguido por algunos. Este humor sano, provocado tan sólo por las imagenes y los acontecimientos que suceden en ella, genera una reflexión para visualizar en donde se perdió el rumbo y se tornó al humor fácil que se ve en la mayoría de las obras actuales. "El Gran Dictador" es una de las películas más aplaudidas de Charles Chaplin la cual recopila toda la experiencia de un hombre que dedicó su vida al mundo del séptimo arte.

Antes de su primer film que supera la hora de duración llamado "The Kid" (1921), Chaplin realizó una decena de cortos los cuales le implantan un sello especial. En 1914, su primer año ligado al cine, llega a protagonizar cerca de treinta y cinco cortometrajes bajando la dosis en los años siguientes. Sin embargo su talento no sólo se desenvolvía en el área de la actuación y la dirección ya que desarrolló trabajos como guionista, productor, editor e incluso compositor de la música de alguno de sus films.

"El Gran Dictador" es una sátira de la Segunda Guerra Mundial realizada en plena guerra y es esto una de las cosas que la hacen aún más novedosa. Fue filmada en 1940 cuando estaban presentes los personajes aludidos en la pantalla y esto le otorga a Chaplin un signo de valentía y entusiasmo por crear lo que a él le parecía justo que es para aplaudir. Charles personifica dos roles en la obra: uno es un barbero judío que vive en el Ghetto y el otro es Adenoid Hynkel, dictator de Tomania, el cual es claramente inspirado en el dictador nazi Adolf Hitler. La relación de nombres, personajes, figuras e incluso gestos con la historia real, son tratados con tanta genialidad que uno queda asombrado y de manera inevitable se dibuja una sonrisa en nuestro rostro.

La caracterización de Hynkel es notable. Con demasiada ironía al idioma germano se produce una especie de cine sonoro sin relevancia a lo citado en pantalla. Hynkel deambula entre la mímica y la actuación con diálogo, volviendo en parte a lo hecho por Chaplin en sus años anteriores con el cine mudo. "The Gold Rush" (1925) ha sido un clásico dentro de la historia del séptimo arte a pesar de no tener contenido sonoro, lo que le da un plus a Chaplin debido a que no cualquiera puede lograr esto. Debido a la gesticulación que otorga el actor a su personaje, le imprime un sello propio que nos permite olvidarnos del diálogo y entender las situaciones tan sólo por sus actitudes. Algo de Chaplin debe estar presente en los grandes mimos... ¿O no señor Marceau?

A medida que transcurre la cinta podemos apreciar que se usan escenas humorísticas muy similares a las usadas en los cartoons. Inevitable recordar a Bugs Bunny haciendo callar instantáneamente a la multitud con sólo un gesto de su mano. ¿Quién se habrá nutrido de quién? Epocas similares son en la que deambulan... Sin embargo le doy los derechos al maestro del cine cómico con contenido Charles Chaplin.

¿Y por qué digo con contenido? Porque las obras que desarrolla no son meramente abocadas a la entretención sin propósito. Muchas de las historias en la filmografía de Chaplin tienen su trasfondo, como la recordada "Modern Times" de 1936, y en el caso de "El Gran Dictador" el propósito es poner en tela de juicio el objetivo que tiene la guerra. Imposible olvidar la escena del discurso dirigido al pueblo involucrado en la sangrienta lucha, donde se decía que "las nubes desaparecerán"... En el 2005 aún están en el cielo.

Nota: 6,3

Sección Siglo 21: Los Coristas

"Los Coristas"

Título Original: Les Choristes
Director: Christophe Barratier
Guión: Christophe Barratier, Georges Chaperot y René Wheeler
Elenco: Gérard Jugnot, François Berléan, Jean-Paul Bonnaire, Jean-Baptiste Maunier, Maxence Perrin
Francia, 2004

Los niños proyectan sentimientos que sólo ellos son capaces de lograr. En "Los Coristas" la inocencia y la ternura lidian contra la astucia y la picardía logrando una película con una historia bastante bella, llena de esperanza y ejemplificando que el trabajo personal puede lograr cosas más allá de nuestros propios intereses.

El primer largometraje del realizador Christophe Barratier muestra la historia de Clément Mathieu (Gérard Jugnot), un profesor amante de la música que llega a un internado sin pensar en lo que le sucederá en el futuro. La relación que mantiene con los niños a lo largo de la cinta es tan especial que conmueve al espectador creando la imagen de un profesor bastante tolerante prototipo del educador perfecto.

Sin embargo esta interpretación no sería nada si no estuviese ligada a los roles que personifican cada uno de los niños. Sus alumnos crean una atmósfera de rebeldía, al principio propia de la costumbre que mantenían en el internado, que posteriormente se transforma en incredulidad, ante la amabilidad del nuevo profesor objetivo, e incomprensión por la ausencia de castigos en consecuencia de sus malas conductas. La tolerancia y el trato de igual a igual realizado por el nuevo profesor crean un ambiente de educación que se debiera ver en la mayoría de las aulas mundiales.

A través de la pasión del profesor por la música se desarrolla una historia hermosa por su peculiar entrega hacia éste arte y el cariño que logra difundir del mismo a sus pupilos, logrando en ellos cambios de carácter y personalidad. El casting de los niños debió ser complejo ya que debían compartir cualidades de actuación y canto, y es por esto que su resultado no fue del todo óptimo donde necesariamente se dividió a los niños en actores y cantantes dependiendo del rol que ejercían en la cinta. Para el papel de Pierre Morhange, el cual era el niño principal de la obra, se escogió a Jean-Baptiste Maunier quien a sus quince años ha sacado partido al éxito de este film proyectando una carrera de cantante profesional. Lamentablemente en él no se encuentra un talento interpretativo como el que se presenta en Maxence Perrin quien cumple el rol de Pépinot. Éste proyecta sentimientos que no logra ejercer el principal de esta cinta, cumpliendo un trabajo que quedará en el recuerdo de muchos espectadores. Quizás los genes hayan influído, porque el padre de Maxence es Jacques Perrin. ¿Quién es Jacques Perrin? Reconocido actor francés al cual podemos recordar interpretando a Salvatore en "Nuovo cinema Paradiso".

Y aquí es donde notamos que muchas veces el cine funciona mejor cuando se trabaja con cercanos. Christophe Barratier, director de "Los Coristas", fue productor de "Microcosmos: Le peuple de l'herbe" en 1996 y de "Le Peuple migrateur" en 2001, reconocidos documentales sobre la vida silvestre. Aquí ejerció el mismo cargo que Jacques Perrin, por lo que fue aquí cuando conoció a su hijo. ¿Cómo olvidar las miradas de aquel diálogo en que Clément Mathieu le pregunta al joven Pépinot, mientras llegaba al portón del internado, sobre lo que estaba haciendo? "Estoy esperando que sea Sábado. Mi padre vendrá a buscarme." Ese día no era Sábado.

La cinta basa sus pergaminos en la majestuosidad de su música. Bruno Coulais, compositor de la banda sonora, crea una melodía totalmente apropiada que embelesa al ser que la escucha. Pocos compositores logran resaltar su música por sobre lo mostrado en la imágen. Uno es capaz de cerrar los ojos y maravillarse. Es quizás esto un arma de doble filo ya que con el transcurrir de los años, el público al momento de recordar "Los Coristas" puede pensar en su música antes que en su contenido. Ojalá no pase esto y recordemos aquel Sábado en que los aviones de papel descendienden de la sala de clases.

Nota: 5,7

Sección 90's: La Lista de Schindler

"La Lista de Schindler"
Título Original: Schindler's List
Director: Steven Spielberg
Guión: Thomas Keneally y Steven Zaillian
Elenco: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes, Caroline Goodall
USA, 1993

Fue en el año 1971 cuando se produjo un quiebre en la vida de Steven Spielberg. En la película "Duel", filmada para la televisión, mostraba la facilidad con que lograba mantener la atención del espectador y se daba a conocer como un hombre que llevaba los hilos de la ficción como ningún otro. Cuatro años más tarde estrenó "Jaws", película que le abrió las puertas de Hollywood situándolo en un lugar separado del resto, y donde daba vestigios de lo que serían sus futuras obras. La facilidad con que manejaba el género de la aventura lo llevó a realizar obras que repercutieron con grandes éxitos de taquilla como fueron "Close Encounters of the Third Kind", "E.T. the Extra-Terrestrial" y la trilogía de "Indiana Jones". A causa de esto el nombre de Spielberg era sinónimo de entretención y uno no se imaginaba al hombre nacido en Cincinatti saliendo de esa área. Sin embargo 1993 fue uno de los años que más recordará el director. Fue en este año cuando revolucionó la industria de los Efectos Especiales reviviendo en pantalla a los extintos dinosaurios y fue en este mismo año cuando conmocionó al mundo entero demostrando que él también podía abarcar el mundo de la no-ficción. La Academia lo recompensó otorgándole el Oscar a Mejor Director de ese año por "La Lista de Schindler" luego de haber sido nominado anteriormente en tres oportunidades sin victoria alguna.

"La Lista de Schindler" es quizás la película más humana que se tenga memoria sobre la Segunda Guerra Mundial. Basada en un hecho real, Spielberg dirige de manera magistral la vida de Oskar Schindler, hombre que vivió un proceso de cambio difícil de imaginar comenzando por hacer fortuna a costas de la guerra y terminando con el salvamento de cientos de vidas humanas.

La actuación de Liam Neeson, interpretando el rol de Oskar, es notable. Sin embargo, no es el único ya que muchas de las actuaciones llegan al borde de lo perfecto. Ben Kingsley realiza el rol del contador judío Itzhak Stern, y es tan simple su actuación que llena de congoja el realismo impregnado por el actor hacia su personaje, opacando sus grandiosos papeles anteriores en películas como "Gandhi" (1982) que lo proyectaron como un actor digno de valorar. Ralph Fiennes no queda de lado, ya que representa lo miserable del militar nazi Amon Goeth de una particular y espeluznante forma, demostrando la inhumanidad de algunos seres del Tercer Reich. Pero lo que es más impactante con respecto a las actuaciones es la cantidad de dolor, desesperanza y terror que proyectan los cientos de actores en pequeños roles. Es imposible olvidar las escenas en que los niños son despojados de sus madres para incluirlos en las filas masculinas, en que estos mismos niños escapan de las garras militares escondiéndose incluso en los depositos de excremento... es imposible olvidar sus rostros de pavor y de angustia sin siquiera un color de esperanza.

La imagen es un aspecto clave de esta cinta basada en la obra homónima de Thomas Keneally. Contiene una fotografía hermosa que a ratos nos desgarra el alma con secuencias inhumanas. Los lugares del Ghetto con la pureza de sus recovecos, el contraste de clases y razas en los diferentes escenarios, la crueldad mostrada en cada escena y la perspectiva semejante al infierno de Auschwitz; poseen una imagen limpia cuyos movimientos de cámara danzan al ritmo de una película que mantiene los tiempos precisos aunque sobrepase las tres horas de duración.

Dar el formato de blanco y negro a la cinta le impregna un tono especial. La imagen en este estado posee rasgos demarcados de luces y sombras que le dan vida a lo inerte. Los personajes proyectan un aura distinta que es difícil de generar cuando existe el color. Además Spielberg aprovechó el formato para agregar color a una parte específica de una escena que significa mucho: la niña de rojo. Debido al blanco y negro, las escenas bélicas pueden ser más soportables ya que no es tan impactante ver brotar sangre oscura. Este recurso ha sido asimilado por diversos creadores entre los que se cuenta recientemente Frank Miller con su obra "Sin City".

Sin embargo esto no basta para apaciguar el sufriemiento que impera. Lamentablemente es tanto el dolor generado que muchas personas no son capaces de verla por segunda vez.

Pero la película aparte de tener actuaciones para aplaudir de pie e imágenes sobresalientes, posee una música sobrecogedora. John Williams, compositor de grandes clásicos del cine como las sagas de "Star Wars" y "Superman", posee un vasto currículum junto a Spielberg. Han trabajado en conjunto desde 1974 cuando Steven filmó su primer largometraje para el cine llamado "The Sugarland Express" y desde esa época Williams le ha compuesto la banda sonora a casi todas sus películas. En "La Lista de Schindler", John Williams crea la melodía que en conjunto con la imagen provoca, quizás, una de las tristezas más profundas en la historia del cine.

Memorable es todo. Poseedora de una calidad abismante. Poseedora de un guión magistral con diálogos que dejan al espectador pensando en lo irracional que puede llegar a ser el hombre. Una película para pensar, para comentar, para divulgar. Una película que puede salvar vidas... y en palabras de Itzhak Stern "aquel que salva una vida, salva al mundo entero".

Nota: 6,6

Sección Siglo 21: Amelie

"Amelie"

Título Original: Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain
Director: Jean-Pierre Jeunet
Guión: Guillaume Laurant y Jean-Pierre Jeunet
Elenco: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus, Lorella Cravotta, Dominique Pinon
Francia, 2001

Con su primer largometraje Jean-Pierre Jeunet deslumbró al público. "Delicatessen"(1991) mostró una historia imaginativa, singular y bella en imágen con un sello propio de su director. Aunque trabajó junto a Marc Caro en la dirección de este film, Jeunet fue el que se llevó todos los elogios y gracias a esto su carrera ha sido seguida con atención. Pronto fue seducido por el cine norteamericano y seis años más tarde dirigió la cuarta parte de "Alien", aquella película que en 1979 comenzó Ridley Scott. ¿Qué había pasado con la imaginación de Jeunet? ¿Había perdido ese talento particular que nos mostró en "Delicatessen"? El 2001 nos demostró que no.

"Amelie" presenta la vida de una joven comun y corriente que mediante ingeniosos juegos hace el bien. La magistral narración con la que comienza el film indica el camino por donde proseguirá, demostrando que la imaginación impuesta en un buen guión no tiene límites y que la belleza de las cosas simples es siempre una buena arma para combatir. Apoyado por una música excepcional compuesta por Yann Tiersen, crea un ambiente que pocas veces es visto dentro del séptimo arte.

Las películas que no dejan algo son olvidadas en el corto plazo, pero en esta cinta aquello no ocurre. Inolvidable es la vuelta al mundo del gnomo, los castigos dedicados al hombre del almacén y las clases de pintura del vecino. Inolvidable es el preambulo al inicio de la relación entre Amelie y Nino... Películas así son aplaudibles, aquellas en que es grato apreciarlas, en que la risa es espontánea y la impresión que deja la hermosa puesta en escena es difícil de evitar. Obras que no aburre verlas repetidas veces son denominadas obras de arte, debido a que siempre se encuentra algo distinto... "Amelie" es una buena película, pero no alcanza la categoría de obra de arte. Con un par de veces basta.

Audrey Tautou personifica a la joven que teje las historias de "Amelie". Lo hace de manera tan notable que será difícil para la actriz nacida en Beaumont desligarse del personaje de Amelie Poulain, debido a que la película ha dejado una marca en la sociedad que será complicada de erradicar. Tautou tendrá que trabajar para sacarse la imagen de la niña buena si es que sigue trabajando con Jeunet. Su siguiente experiencia con el director no fue un buen ensayo ya que la cinta "Un long dimanche de fiançailles"(2004) parecía la segunda parte de "Amelie" . Tendremos que esperar para ver si le creemos el rol en sus otros personajes. Sin embargo, con el boom de "Amelie" la actriz obtuvo buenos dividendos. No por nada en estos momentos está rodando junto a Tom Hanks la película de Ron Howard "The Da Vinci Code" basada en el best-seller homónimo de Dan Brown.

La película tiene una lista de reconocimientos y premios que da para hablar. Arrasó con los César el año 2002 y en los premios Oscar, como muy pocas veces en la historia, "Amelie" integró el listado de nominados para categorías que suelen pertenecer a películas de la industria norteamericana. Sin embargo no accedió a ningún premio de la Academia perdiendo incluso el de Mejor Película Extranjera frente a "No Man's Land". ¿Y acaso esto importa? Los verdaderos premios no los entregan un grupo cerrado de personas que se suponen aptos para otorgarlos, los entrega el público... y si es así "Amelie" batiría algunos records.

Nota: 6,3

Sección 70's: Apocalypse Now

"Apocalypse Now"

Director: Francis Ford Coppola

Guíon: John Milius y Francis Ford Coppola

Elenco: Marlon Brando, Martin Sheen, Robert Duvall, Dennis Hooper

USA, 1979

Francis Ford Coppola (Detroit - 1939) ha sido un realizador que no ha pasado desapercibido dentro de la industria cinematográfica. Según las encuestas, es el director de la mejor película de todos los tiempos: "El Padrino" (1972), siendo además catalogado como “uno de los mejores directores de cine de su generación” (junto a Scorsese y Spielberg). En 1979 realizó "Apocalypsis Now", basada en la obra “El Corazón de las Tinieblas” (1902) de Joseph Conrad (Berdiczew - 1857), la que obtuvo diferentes galardones en los más diversos festivales donde destacan la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1979, Mejor Director y Mejor Actor (Robert Duvall) en los Globos de Oro (1980), Mejor Fotografía y Mejor Sonido en los Oscar (1980).

La fotografía es quizás el punto más alto de la obra, aunque el audio tiene espacios memorables como en la escena del ataque a una posición fortificada del Vietcong con “Ride Of The Valkyries” de Wagner de fondo. Las tomas aéreas son excepcionales. Paisajes hermosos en contraste con imágenes bélicas producen una congoja que es díficil de evadir. La luz en la calva de Kurtz (Marlon Brando) en el momento en que éste se la lava con una marmita de agua es sencillamente notable. Las caras de los soldados, empapadas en sudor y representando el miedo de una forma colosal, es una de las causas que convierten a "Apocalypsis Now" en una obra digna de valorar.

Coppola traslada en forma magistral la obra de Conrad a la “actualidad”. Podemos darnos cuenta que aún en el día de hoy cometemos los abusos vistos por Conrad en sus viajes al Congo y escritos casi en forma autobiográfica en "El Corazón de las Tinieblas", por lo que debemos incluso horrorizarnos si nos damos cuenta de lo que podemos llegar a ser. En la película la trama se basa en el objetivo que tiene el Capitán Willard de matar a Kurtz, en cambio en el libro el objetivo es sólo el propósito de encontrar a Kurtz por parte de Marlow (análogo al Capitán Willard). La película se basa más en los problemas que se desatan en una guerra, usando todos los esquemas posibles de violencia y crueldad en la jungla; en cambio en la novela no se muestra todo tan explícito, guiando el hilo conductor a través de los pensamientos de Marlow con respecto a lo que pasa en su entorno, lo cual es propio del lenguaje literario.

La película nos traslada a la guerra de Vietnam (1964-1975) donde toma algunos aspectos de la novela dejando como base el propósito de ésta: mostrar el escalofriante ambiente que se crea en los territorios dominados por fuerzas superiores, la facilidad de sentirse poderoso en base al miedo y el trayecto que emprende un hombre a bordo de un barco en busca de un ser llamado Kurtz.
"Apocalypsis Now" comienza con una vista a la costa vietnamita, colapsada de palmeras, con una magistral composición de The Doors de fondo. La imagen placentera de un supuesto paraíso se destruye por el bombardeo que ocurre justo en el momento en que Morrison empieza a cantar The End. Al Capitán Willard (Martin Sheen), perteneciente al ejército de los Estados Unidos, le es encomendada la misión de matar al Coronel Kurtz el cual, según sus superiores, está loco y es el asesino de una centena de personas. Willard es embarcado dentro de un bote junto a cuatro soldados más jóvenes que él. Éste será el medio de transporte que utilizará para viajar por los canales vietnamitas en dirección a su objetivo.

En el trayecto en que Willard va en busca de Kurtz, se muestra la frialdad con que se desarrollan las relaciones humanas dentro de una guerra. Se simboliza la crueldad con que son tratados los civiles y la manera en que esto afecta sicológicamente a los soldados designados por el gobierno del país invasor (en este caso Estados Unidos). Los trastornos sufridos por las personas involucradas se muestran reflejados de manera magistral en la película, demostrándonos como el clima de violencia extrema perjudica una sana formación humana. Cómo olvidar el personaje interpretado por Robert Duvall (Coronel Kilgore) cuando en medio de la guerra decide ir a surfear aniquilando todo a su alrededor para así sentirse más seguro. A causa de ésta y tantas otras escenas en que se demuestra la demencia militar, Willard no puede entender cómo el Coronel Kurtz es declarado loco y asesino, si en muchos lugares de esa zona existen más personajes que acarrean esos dos adjetivos.

El arribo a la aldea en donde se encuentra Kurtz es el clímax del film y es el momento en que el espectador ha esperado por más de dos horas. Después de haber pasado por diversos acontecimientos violentos, Willard es recibido en la aldea por un fotógrafo americano (Dennis Hooper) que está habitando en el mismo lugar en que reside el curioso Coronel Kurtz. De esta manera Willard no se siente en un territorio tan hostil y puede desenvolverse dentro del mundo “salvaje” de mejor forma. Se muestra a un pueblo sumido en la oratoria impuesta por Kurtz, a un pueblo que necesita ser gobernado por un ser superior, a un pueblo dominado que actúa sólo en beneficio de lo que diga su mandamás: se representa a un pueblo hipnotizado por el miedo de la represión.

El desenlace de la obra sugiere una continuidad en la historia que promueve un concepto de recapacitación con respecto a las ideas bélicas del hombre. Debo decir que la duración de la película es perfecta. Algunos piensan que es excesiva, pero para la trama que presenta se necesita una película pausada con grandes y magistrales representaciones de los sentimientos. Al principio, cuando la industria era contraria a las películas largas, se redujo al tiempo estándar de aproximadamente 120 minutos. Sin embargo en los “nuevos” tiempos volvimos al original con la versión redux.

- “¿Has pensado en alguna libertad realista?” (Capitán Willard)
- “Porque lo que nos vence es juzgar” (Kurtz)
- “De manera que me quedé mirando su retrato... Me impresiona su belleza... o mejor dicho, la belleza de su expresión... Sé que la luz del sol puede contribuir a la mentira, sin embargo puedo afirmar que ninguna manipulación de luces y sombras pueden haber inventado los delicados y veraces rasgos de sus facciones” (extracto de "El Corazón de las Tinieblas" en el momento en que Marlow mira el retrato de la prometida de Kurtz)

Nota: 6,5